CÓMIC
TEBEO FRANCOBELGA EEUU UNDERGROUND MANGA
La narrativa es el arte de estructurar información sintetizada para articularla en una secuencia temporal, y el cómic es el formato narrativo por excelencia.
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Sintetiza la información
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Captura el momento
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Articula el mensaje
La viñeta captura el instante mediante del encuadre, y los bocadillos permiten la incorporación del diálogo.
Nosotros, para entender el cómic, lo primero que tenemos que entender es que el ser humano necesita contar historias que puedan crear un significado de nuestra existencia.
Los periódicos, que están centrados en tantas cosas como la actualidad, la ciencia, la política, los deportes y la cultura, han sido los que dieron a luz al cómic, para darles después cobijo. En sus inicios no eran más que una aparición puntual de dibujos que nos permitían un momento de respiro, un paréntesis agradable y cómico (de ahí la palabra "comic"). Y la mayoría de las veces se utilizaban para satirizar ciertos eventos de la actualidad.
Más adelante veremos que los dibujantes y los guionistas se fueron separando del gremio periodístico y se fueron uniendo en grupos gracias a los cuales surgirían editoriales, movimientos culturales, revistas y comunidades que ya no solo tendrían como objetivo hacernos reír, sino que articularían sus ideas con mayor libertad.
Para variar, no ha sido fácil resumir todo esto. Por ser demasiados autores, no he podido analizarlos por separado; por ser demasiadas editoriales, no he podido abarcar todas ellas, por ser tantos países con historias tan diferentes, no he podido centrarme en cada uno de ellos. Así que, el único hilo conductor que me ha sido útil para unir los tres grandes bloques (cómic europeo, americano y manga), ha sido el tema de la censura.
Resulta que en los tres casos, las editoriales y los dibujantes han sido víctimas y culpables de los mismos problemas. Ha sido un factor especialmente acuciante durante todo el S. XX, y parece que en el s. XXI el conflicto ha ido suavizándose. Otros problemas que también veremos a lo largo de este artículo serán:
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La explotación laboral.
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La legitimación de los derechos de autor.
Durante la otra etapa del cómic, correspondiente al S. XXI, muchas de esas limitaciones se han disuelto. Es un inicio de siglo que no destaca especialmente por la explotación laboral, ni por el conflicto generado por la censura (más bien sorprende la autocensura), y tampoco hay luchas de intereses por desobedecer a la implacable ley.
Creo, y esto es una opinión personal, que es la exigencia personal de los proyectos de los creadores los que están llevando al cómic a alcanzar cotas que nunca antes había alcanzado. Así que la segunda parte de este texto se va a centrar fundamentalmente en señalar esos logros que hemos obtenido tras una lucha prolongada.
Partiendo de la importancia del azar, de la suerte, de la exposición arriesgada al fracaso y de la naturaleza casual de los eventos, llegaremos a comprender algo mejor la naturaleza profunda de la historieta gráfica. Pero para llegar ahí, primero deberíamos empezar por el principio. Vamos a ello.
Cómic europeo del S. XX
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España
España es uno de los países europeos que más ha tardado en comprender el lenguaje de la historieta gráfica, y por tanto, la importancia del cómic. Por un lado por la imposición de la censura, que impidió el acceso y el intercambio de los mismos, y por otro, porque la explotación laboral de los ilustradores exigían tiempos de entrega muy rápidos y mal remunerados.
El investigador Antonio Martín considera "El suero maravilloso" (1910) la primera historieta española con globos de diálogo. Se publicó en la revista titulada Infancia, y durante esta década estaban surgiendo varias revistas del estilo, como por ejemplo Dominguín (1915), Charlot (1916), y TBO (1917). Esta última fue la primera revista con gran difusión, y es precisamente el nombre "tebeo" el que se le da en un inicio a la historieta del cómic en España. Al leer las letras por separado, leemos TBO = Te veo. Se trata de una combinación de letras que el lector de la época podría encontrar chistoso, y tomó el nombre de esta otra revista lírica homónima. Aunque la decisión de poner ese nombre es aún desconocida, se barajan algunas hipótesis, una de ellas es que trata de parodiar del periódico ABC (fundado en 1903).
Más adelante, en los años 30
empezó a popularizarse este formato, en 1932, la tirada de TBO alcanzó los 110.000 ejemplares y, dos años después, los 150.000. Después, durante la Guerra Civil Española (1936-1939), se lanzaron publicaciones que sirvieron para hacer propaganda de bandos, como por ejemplo: Pelayos (1936), Flecha (1937), Pionero Rojo (1937) o Pionerín (1937).
En los años 40,
de una manera menos directa, los autores apuestan por aventuras algo más descontextualizadas. Manuel Gago García, por ejemplo, crea el guerrero del antifaz (1944), una historia construida en una ambientación renacentista, durante el reinado de los Reyes Católicos, donde el irresistible combatiente luchará por sus ideales.
Estos ejemplos nos pueden servir para ilustrar cómo el llamado tebeo se convirtió en el medio más popular y más barato del país. Entre otros cómics bélicos, destaca también la obra de Boixcar:
Hazañas Bélicas (1948). Es un cómic inspirado en Episodios de Guerra (1948) de los hermanos Blasco, que aunque pasó más desapercibida, permitió que Hazañas Bélicas supusiera una revolución estética del cómic español. Se caracterizaba por una planificación unitaria de la página, por la narrativa cinematográfica, por el potente uso del claroscuro y su gran detallismo en la representación de las máquinas (acudió a la revista Signal para documentarse).
La historieta se convirtió en el medio más popular y barato del país. Sin embargo, tuvo que sortear algunas dificultades tales como la censura, las carencias económicas, y el peligro a difundir ideologías de superhéroes que lucharan contra el eje del poder.
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Dadas las carencias económicas en España, solo dos editoriales (FET y JONS) podían acceder a las escasas cuotas de papel necesarias para publicar algo. Las JONS estaban adscritas al Ministerio de Educación Nacional, y por tanto el Ministerio les permitía publicar todo lo que pasara por su filtro.
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Después, en 1955, el Gobierno tenía la esperanza de que esas historietas actuaran como difusoras de una ideología, y no como detractoras del Régimen, así que ese fue uno de los motivos por los que en España no tuvimos acceso a Popeye, Flash Gordon o Superman. En cambio, sí que se publica El capitán Trueno (1956), una historia creada por el guionista Víctor Mora Pujadas y el dibujante Miguel Ambrosio Zaragoza. La historia nos habla de un caballero español de la Edad Media en tiempos de la Tercera Cruzada (Siglo XII). El y sus compañeros se dedica a recorrer el mundo en busca de aventuras, defendiendo la justicia y liberando a los oprimidos.
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En 1962, con la comisión CIPIJ desaparecen los cuadernos de aventuras y en 1964 se prohíben las series de superhéroes. Fue una década en la que aumentó la censura y la presencia del material extranjero se limitó al 25% del total. (Decreto de 24 de junio de 1955 sobre ordenación de la prensa infantil y juvenil).
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Finalmente, los autores se acaban convirtiendo en meros empleados con contratos basura que les obligan a producir a destajo y a los que se les niega la propiedad de sus personajes.
Si quieres vivir esta historia narrada por uno de los mejores dibujantes de cómic en la actualidad, te recomiendo "El invierno del dibujante" (2010), de Paco Roca, describe muy bien esta etapa y muchos de los protagonistas que aparecen en ese relato los estudiaremos aquí.
El primero es Rafael González fue técnico editorial en Bruguera y creador de series clásicas como Inspector Dan (1948), o El reporter Tribulete (1947).
Manuel Vázquez es otro de los protagonistas que aparecen en la novela gráfica. Él es el creador de Anacleto (1964), un agente que parodia de las películas de espías que estaban tan de moda en ese momento. Algunos sostienen que el modelo del que parte para crearlo es el agente 007, James Bond. Pensemos en que la primera vez que se edita es en el año 1964 y la primera película de James Bond es del 1962.
Más adelante, concretamente el 19 de enero de 1967, se promulgó el Estatuto de Publicaciones Infantiles y Juveniles, por el que los tebeos empezaron a clasificarse según la edad de sus destinatarios (jóvenes, adultos, todos los públicos... etc).
Es entonces cuando España empieza a optar por un humor menos testimonial y más disparatado, y que seguramente os sonará más que todo lo que hemos estado viendo ahsa ahora. La Editorial Bruguera es quien domina este mercado, con publicaciones como Mortadelo (1958-actualidad), de Francisco Ibáñez, Zipi y Zape (1948-2002), de Josep Escobar, o Súper López (1973-actualidad) de Jan.
En el resto del mundo, sucede algo muy diferente. Durante los años 60, en EEUU, por ejemplo, se origina un movimiento underground que viene liderado por una la generación beat fresca, espontánea y reivindicativa, se une además el fenómeno hippie y la tradición de poetas malditos europeos. Todos ellos, junto con el acontecimiento del mayo francés, comparten el deseo era abolir la sociedad de clases.
Al llegar la década de los años 70, muchas editoriales se inscriben en el denominado mercado de la pobreza o mercado suburbial Esta corriente tarda en establecerse dentro de España debido porque sigue imperando la dictadura, pero en resumen, se trata de un movimiento internacional reivindicativo y con un replanteamiento cultural muy contundente al que llegamos tarde. No obstante:
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Y en 1972 nace el Salón del Cómic de Asturias.
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A mediados de los años 70 comienzan los primeros modelos asociativos
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Llegan a España los fanzines como El Rrollo enmascarado (1973). Publicaciones autoeditadas en formato de cuaderno generalmente fotocopiado.
A partir de 1975 se edita Paracuellos (1975), de Carlos Jiménez, que para muchos es el mejor cómic español publicado hasta la fecha. Y ese mismo año, llega el esplendor del cómic para adultos (el llamado "boom") que tendrá lugar tras la muerte de Franco en 1975: Nacen Totem, Blue Jeans, El Jueves y Trocha/ Troya (todas ellas de 1977). Revistas publicadas con un contenido satírico en ocasiones hiriente que se arriesgaron a duras represalias como el atentado que sufrió el 20 de septiembre de 1977 la redacción de El Papus.
No solo satirizaban. Estas publicaciones cultivaban también la ciencia ficción y la fantasía, en ocasiones con un erotismo exacerbado, y ya en los 80 comenzaba a distinguirse una "línea chunga" de una "línea clara".
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La línea chunga, (también llamada línea dura) en palabras de Francesca Lladó, se caracteriza "por una clara ausencia de guiones sólidos, los cuales, en su defecto, se convirtieron en una sucesión de anécdotas banales o en complicadas tramas con abusivos elementos secundarios (...) con el riesgo de convertirse en una acumulación de tópicos"
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La línea clara, en cambio, se caracteriza, como indica su propio nombre, por la definición exacta de la línea del dibujo, así como por el cultivo de la narrativa clásica y el cómic de género.
Lo veremos con más detenimiento más adelante, cuando hablemos del cómic franco-belga. Fue también importante la creación del Salón del Cómic de Barcelona (1980) y la edición en 1982 de una Historia de los Comics en fascículos para quioscos, que contó con la colaboración de numerosos teóricos del medio españoles y extranjeros. Por citar algunas publicaciones relevantes de la época, podríamos citar a:
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Roco Vargas (1983), de Daniel Torres. Donde se retratan las aventuras espaciales de un escritor de ciencia ficción, dueño de un club nocturno. Recorrerá todo el sistema solar resolviendo los conflictos que amenazan a la humanidad. Mezcla ambientes que nos son familiares por la cultura popular (como el clima de post-guerra de la Segunda Guerra Mundial) con locuras imaginativas de mundos imposibles.
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Maquinavaja, el último choriso (1986) de Ivà, está protagonizada por un vulgar atracador que lleva tupé y que junto a sus inseparables compañeros, deambula por las calles de Barcelona cometiendo todo tipo de fechorías. "Maki" en ocasiones filósofo y en otras poeta, tiene una marcada tendencia anarquista; y a pesar de su vida delictiva, también tiene buen corazón y se rebela frente a las injusticias sociales y contra las instituciones que las cometen.
A partir de 1983, aproximadamente, el lector juvenil pareció preferir a los superhéroes norteamericanos y la saturación del mercado comenzaba a ser evidente. Una recesión económica internacional encareció el precio del papel y llegaba a las casas un nuevo tipo de entretenimiento: El videojuego.
La crisis del "tebeo" también se achaca a la "falta de planificación, inexistencia de profesionalidad en los editores, y excesivo triunfalismo de todos (incluidos los críticos mercenarios)".
Durante los años ochenta la mayoría de las revistas de cómic adulto en España fueron cerrando: Cairo y Creepy en 1985, El Papus en 1987 o Dossier Negro en 1988, y probablemente la más importante: la Editorial Bruguera (1986).
Ya durante los años 90, a pesar de los intentos casi imposibles de salir a flote como editorial, sí que se produjo un auge tardío de los superhéroes, el manga y material franco-belga, todo gracias a Norma Editorial. Con este panorama, los mejores dibujantes se fueron a trabajar al extranjero y otros tantos se decantaron por la pintura y la ilustración (menos agotadoras y mejor pagadas en aquel momento).
Digamos que a finales del siglo XX, el cómic en España estuvo fundamentalmente controlado por la censura, posteriormente fue despreciado por los medios de información generalizados, las empresas explotaron a sus empleados y acabaron, o bien quebrando, o bien sobreviviendo con la importación de superhéroes y mangas.
El siglo XXI traería un nuevo panorama que desarrollaremos en su momento.
Cómic franco-belga y resto de países europeos
Ahora pasamos a hablar del cómic franco-belga. Se instaura como uno de los grandes pilares de producción de historieta gráfica y se convierte en el centro de interés europeo. La tendencia a categorizar el cómic de Francia, Bélgica y Suiza en un mismo término (franco-belga), tiene sentido no solo porque compartan la misma lengua, sino porque comparten el mismo estilo y el mismo mercado.
El nombre que se le da en estos países no es "cómic", sino bandes dessinées (abreviado, BD), que se podría traducir como "tiras de dibujos". Nos vamos dando cuenta ya de que el modo de llamar a este formato, de entrada, nos invita a apreciarlo como algo más profesional, más ligado a la tradición formal. Realmente, BD nos deja claro que nos estamos refiriendo a una unión consecutiva del arte gráfico por excelencia, que es el dibujo, Aquí, por tanto, no va a existir una predisposición a entender este formato como algo ocioso, entretenido, o humorístico. Sino todo lo contrario. Algo riguroso, elegante, formal, artístico, y por qué no, entretenido también.
Para hablar del origen del BD, deberíamos remontarnos a 1908, cuando el francés Louis Forton crea Les Pieds Nickelés (1908) e incluye por primera vez bocadillos dentro de los dibujos. El uso exclusivo de globos de diálogo no se generalizará hasta la llegada de la publicación belga Zig et Puce (1925) de Alain Saint-Ogan y Las aventuras de Tintín (1929), y nueve años después nace Le Journal de Spirou, una publicación semanal vigente todavía hoy que se convertirá en una de las más importantes tras la Segunda Guerra Mundial.
En 1945, con la creciente popularidad de la revista Spirou que acabo de mencioanr, se crea Tintin, otra revista que tomará el nombre del cómic de Hergé y que rivalizarán durante años, hasta que en 1993 desaparecerá.
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La revista Tintín cuenta con autores prestigiosos como el belga Hergé, que ya hemos mencionado; Jacobs, creador de Blake y Mortimer (1945); Jacques Martin, autor de Alix (1948) y Lefranc (1952), y otros tantos que adoptan el estilo de la línea clara que ya definimos en el apartado anterior, al que también se le da el nombre de "escuela de Bruselas". Suelen ser series realistas y con una sólida documentación. En los años 1950, se añaden a este estilo artistas como Greg y Hermann.
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La revista Spirou conoce un éxito similar gracias a artistas como Jijé, Franquin, Morris, Peyo, y a los guionistas Charlier y Goscinny, pero con un estilo muy distinto con series más humorísticas. Con las series Spirou (1938), Lucky Luke (1946), Gaston Lagaffe (1957) y Los Pitufos (1958), la revista se convierte en el líder del mercado.
Como vemos, el estilo en el que se posiciona cada revista está muy bien definido. Conviven los formalismos y las técnicas del dibujo más tradicional con el dibujo más propio de los chascarrillos disparatados que aparecían puntualmente en las historias de cómic.
Poco después, en 1959 aparece una nueva revista francesa; Pilote, y experimenta una inmensa popularidad en Francia, con las series Astérix el Galo (1959), Teniente Blueberry (1963), Aquiles Talón (1963), Iznogud (1965), Philémon (1965), y Valerián y Laureline (1967). Esta nueva publicación provoca una primera modernización de la historieta franco-belga hacia un público mayor de edad y se convierte en una revista de referencia. Astérix, pese a su aparente naturaleza humorística, contextualiza un periodo histórico muy concreto, que es la lucha de los galos y los romanos durante el Imperio Romano. También Teniente Blueberry contexturaliza la narración en un periodo histórico muy concreto, segunda mitad del S. XIX, en el lejano oeste. La tendencia estilística, por lo general, está más próxima de la revista Tintin que de la revista Spirou.
Y estas tres revistas suponen aglutinan las bases de todo lo que vendrá más adelante.
Cuando llegan los años 70, los contenidos de las revistas evolucionan más rápidamente a partir de los eventos como los de mayo de 1968. En ellos, se protagonizaron protestas espontáneas iniciadas por grupos estudiantiles contrarios a la sociedad de consumo, el capitalismo, el imperialismo, el autoritarismo, y que en general, deseaban desautorizar a los partidos políticos, al gobierno, los sindicatos a incluso a la propia universidad.
Fue un movimiento estudiantil antiacadémico, descolonizador, contra la jerarquía y la competitividad que tuvo influencias del movimiento hippie que se extendía entonces y su mayor impacto se experimentó en Francia.
Uno de los efectos de esta evolución de las mentalidades fue la casi desaparición de la censura. Esto permitió a algunos artistas experimentar otros estilos y crear sin prohibiciones. Las influencias y estilos de la historieta francófona se diversifican en series de:
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Fantasía heroica: Thorgal (1977), La búsqueda del Pájaro del Tiempo (1983),
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Ciencia ficción: Barbarella (1962) de Forest, Valerián y Laureline (1967), de Christin y Mézières; El Incal (1980) de Moebius...
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Fantástico: Adèle Blanc-Sec (1976) de Tardi.
Y al mismo tiempo, se continuó creando series de tradición realista, pero para un público menos infantil, y con un nuevo auge del género como por ejemplo:
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Western: Comanche, de Greg y Hermann; o Tex, de Galleppini (este último era italiano).
Después de esta experimentación, durante los años noventa, las influencias se internacionalizan: la historieta franco-belga se fija en los cómics estadounidenses y japoneses, al mismo tiempo que éstos se interesan por la historieta europea. Hay un boom mediático que viene propiciado por la aparición de internet. Por lo general, los autores que publican en esta última década del siglo tienden a menudo hacia la autobiografía y la historieta experimental, aunque tampoco dejan de lado los géneros y la aventura. Ejemplos de lo que acabo de decir los encontramos en Lewis Trondheim, Joann Sfar, David B., Marjane Satrapi. O el cómic de la Mazmorra (1998), de Lewis Trondheim.
Es una década en la que las editoriales producen nuevos formatos, incluyen álbumes o revistas de lujo para buscar a un lector más adulto y se desarrolla el merchandising en el sector, utilizan la publicidad y la comercialización de productos licenciados. En definitiva, podemos hablar de una reestructuración total del sector que permite la aparición de nuevas editoriales que serán las que abran la puerta a una nueva etapa. La del siglo XXI.
Lo mejor del BD, es que a diferencia del tebeo, desde su primera publicación hasta el día de hoy no ha sufrido especialmente el golpe de la censura. El formato ha podido desarrollarse naturalmente, como cualquier otra disciplina, a veces desde la vanguardia, otras veces desde la retaguardia. Y eso ha sido posible porque la tendencia general de los medios del país ha sido esencialmente, la de apreciar el trabajo de los dibujantes. Digamos que las empresas, también contrariamente a las editoriales de España, han respetando y retribuido el trabajo dignamente,. Es por eso también que el trabajo de los dibujantes y guionistas ha podido elevarse hasta la categoría a la que lo percibimos hoy.
Cómic norteamericano del S. XX (editoriales, superhéroes y el cómic underground)
Estados Unidos es el país más prolífico a nivel de producción. Abordar este punto únicamente a partir de los autores no sería lo más conveniente si lo que queremos es adaptarnos a los tiempos limitados. Creo que lo ideal sería dividir este apartado en tres bloques:
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Uno dedicado a Pulitzer y Hearst, dos de los editores más importantes.
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Después otro apartado dedicado a las editoriales de los superhéroes.
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Un tercero en el que trataremos los diferentes géneros que dieron origen a la cultura underground.
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Y luego a autores como Bill Watterson, Schulz y Jim Davis, cuyas creaciones de Calvin y Hobbes, Charlie Brown y Garfield respectivamente, recordamos todavía hoy. Comencemos pues por los orígenes, también ligados al periodismo moderno.
Editoriales de Pulitzer y Hearst
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Empezamos con Pulitzer y Hearst por ser dos de las figuras más importantes en cuanto a la fundación de editoriales se refiere.
Los dos eran grandes magnates de la prensa norteamericana y fueron los que propiciaron las condiciones idóneas para que el cómic naciese y se desarrollase con las mejores garantías posibles. La manera de hacerlo fue usando la historieta como una manera de vender sus periódicos a una población emigrante que no entendía muy bien el inglés, pero que en cambio, sí podía entender lo que sucedía en las viñetas.
El primero de ellos, Pulitzer, es más conocido por llevar el nombre de los premios más prestigiosos del periodismo, pero también se le puede considerar un pionero del «infotainment». Es un término que se aplicó a esa mezcla de información y entretenimiento de la que los periódicos no se han despegado desde entonces.
El segundo, Hearst, es considerado el inventor de la prensa amarilla o sensacionalista. Este tipo de prensa mezcla titulares alejados de la neutralidad y rigor periodístico, con noticias incendiarias de interés humano. El objetivo de este tipo de periodismo es vender el mayor número de ejemplares posible, y muchas veces, ni siquiera se tiene en cuenta la veracidad de lo que se dice.
Con las ventas que generó esta estrategia de venta, Hearst emergió como uno de los más poderosos personajes de la escena política y consiguió hacerse con su propio equipo de dibujantes. Gracias a su astucia y visión comercial, le arrebató a Pulitzer uno de sus mejores dibujantes: Richard Felton Outcault, considerado el pionero de la literatura dibujada con su personaje de Yellow Kid (el niño amarillo) en el año 1896.
Tendríamos que esperar hasta el 12 de diciembre de 1897 a que Rudolph Dirks introdujera el óvalo que encierra el diálogo, dándole así más dinamismo al dibujo. Lo hizo con su publicación "Katzenjammer Kids", más conocida en España como "El capitán y sus pilluelos".
A Hearst (que acogió a estos dibujantes en su regazo) se le atribuye también la idea de pasar las macroviñetas a viñetas secuenciales, y cuando hablamos hoy de "prensa amarilla", lo hacemos sencillamente porque el personaje que protagonizaba estas historias era un "niño amarillo", y aparecía tanto en el periódico de Hearst como en el de Pulitzer.
El niño iba siempre rodeado de titulares escandalosos que reclamaban la atención del consumidor para que las ventas de periódicos aumentasen. Y gracias a Hearst, también en 1897 se impulsó la venta de las recopilaciones de tiras, apareciendo al menos 70 recopilaciones sólo entre 1900 y 1909. A él le debemos agradecer el hecho de haber fundado una agencia para poder distribuir las tiras cómicas. Lo hizo en 1914, con la editorial King Feature Syndicate.
Como curiosidad, también cabe mencionar que fue el personaje en el que se inspira Orson Wells para crear una de las películas más alabadas de todos los tiempos: Ciudadano Kane. Si no la has visto, te recomiendo que veas esa y otras dos que tienen que ver con el proceso de creación de la misma. Una es la película RKO 281, y otra más reciente es MANK. No es una película que saque precisamente su lado más más amable.
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Vemos que los inicios son difusos. En España situábamos el origen del tebeo en 1910, cuando hablamos de BD, situamos su origen en el año 1908, y cuando hablamos del origen del cómic en Estados Unidos, nos remontamos al año 1896. En realidad aquí solo estamos mencionando el momento en el que un bocadillo se incorpora a una viñeta. Por eso es arriesgado decir que el cómic nace en algunas de estas fechas mencionadas, porque entonces estaríamos entendiendo el formato como una viñeta o sucesión de viñetas que incorporan diálogos en bocadillos. Y sería una manera muy simplista de reducir esto.
Por su parte, Winsor Mc Cay, quien trabajaría para el "Evening telegram", sería un verdadero innovador de la historieta, por su audacia en el encuadre, la utilización de diferentes planos, la belleza de los dibujos y los argumentos en sus obras, sobre todo con "Little Nemo in Slumberland" (año 1905), su obra más famosa, y que sería el primer cómic importante que siguiera el esquema de "cuento soñado". Krazy Kat (1907) de George Herriman, también seguiría un poco esa línea, pero de una manera algo más sencilla. No obstante, las tiras más populares de la época oscilaban entre el humor físico del slapstick y los problemas de adaptación a la modernidad
La experiencia moderna se truncaría con la depresión de 1929 que empujaría a una renovación del cómic de prensa. Se acabaron los comentarios sociológicos, tan peligrosos, y también los excesos artísticos, que salían caros, y a partir de entonces optaron por hacer cómics en favor del puro entretenimiento.
En 1934, la editorial de Hearst contrató como ilustrador a Alex Raymond, dibujante de Rip Kirby, para que dibujase
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Dos series dominicales: Flash Gordon y Jungle Jim.
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Y una diaria: Secret Agent X-9 (con guiones del escritor Dashiell Hammett).
También contrató a Harold Foster para que trabajara en Tarzán (1929) y Príncipe Valiente (1937), que serían dos trabajos importantísimos, dado que definirían la nueva estética de las tiras de aventuras con un especial mimo en el dibujo, magistral y minucioso; elegante y, sobre todo, atmosférico.
Paradójicamente, fue la depresión de 1929 la que consolidó la historieta estadounidense a través de la editorial Kings Feature Syndicate, que invadió el ámbito europeo con Le Journal de Mickey (1934) (que era una revista centrada en el personaje de Mickey Mouse), y otras tiradas interesantes como "Dick Tracy" (1931) de Chester Gould o la primera tira de ciencia ficción "Buck Rogers" (1929) de Dick Calkins.
Después, en 1938, el cómic de prensa sufría un duro golpe con el nacimiento del comic-books de superhéroes (una revista o cuadernillo con grapa, de periodicidad mensual, de unos 17 cm × 26 cm) y con la llegada de nuevas historias terroríficas. De los superhéroes se encargarían All Star Comics y Detective Comics (DC), mientras que de las publicaciones de historias de terror lo harían EC Comics y Creepy.
Los superhéroes de Marvel y DC
El primero de los superhéroes sería Superman, que fue dibujado por primera vez en 1938. A él le siguen otros como Batman en 1939 o el Capitán América y La Mujer Maravilla, ambos en 1941
. Estas historias pronto se tiñeron de ese espíritu bélico que trajo la Segunda Guerra Mundial. En muchas ocasiones, los nombres o uniformes se relacionaban con sus símbolos nacionales, y a veces las portadas protagonizaban a esos héroes enfrentándose a los enemigos del país. Esto les permitió lograr un gran éxito comercial, pero también causaría el cierre de la mayoría de sus títulos al finalizar la guerra.
Como la cantidad de superhéroes que surgieron en esta etapa es difícil de tratar en una sección, he dejado al final del artículo una lista que te permitirá tener un acercamiento más productivo para explorar el género.
Timely Comic (que se convertiría en Marvel) y DC comics
Tras la guerra, la historieta estadounidense se encuentra en su cénit, con unas ventas enormes y con un público compuesto por niños, adolescentes y adultos jóvenes, tanto masculinos como femeninos.
También hay que recordar que a nivel mundial, se afianza la TV, un medio de entretenimiento de fácil consumo y aparentemente gratuito que acabará por robar gran parte de su público a la Radio, el Cine y al Cómic.
A finales de la década del 1940, tras la guerra, los superhéroes empezaron a decaer y la compañía intentó centrarse en otros géneros como la ciencia ficción, los westerns, el humor e incluso el cómic romántico. DC se mantenía al margen de algunas de las tendencias más importantes del mercado, las historias de crimen y horror.
EC comics
Aunque fue fundada como Educational Comics, pasó luego a llamarse Entertainments Comics, ya que se encargaría básicamente de hacer historias de entretenimiento, como su propio nombre indica. Era una editorial única en muchos aspectos.
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Promocionaron a sus dibujantes, permitiéndoles firmar sus obras,
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Les animaron a desarrollar sus propios estilos
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Publicaron biografías suyas de una página en los cómics.
Esto contrastaba enormemente con la práctica común en la industria de la época, y cada editorial tenía normalmente su propio estilo genérico "de la casa" que todos sus autores debían seguir.
Bajo el sello de la EC se publicaron distintas líneas editoriales:
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Series bélicas
Entre los años 1940s y 1950s, este sello se especializó en comic books de ciencia ficción, crímenes, guerra y sobre todo terror. El dibujante Bernard Krigstein, al contrario de lo que era habitual entonces, estaba convencido de la validez del cómic como arte. Esta convicción se plasmó sobre todo en una historieta de 1955 titulada "Master Race", llena de experimentos narrativos y centrada en un tema tremendamente incómodo: Los crímenes nazis.
La época del cómic de terror y de crímenes, terminó con uno de los sucesos más negros de la historia del tebeo estadounidense. La aparición del libro: la seducción del inocente (1954) de Fredric Wertham. Este escritor culpó al cómic del aumento de delincuencia juvenil que estaba experimentando el país. El impacto del libro fue tal que provocó una serie de audiencias en el Senado, donde tuvieron que dar explicaciones sobre el contenido de sus tebeos con el fin de determinar si eran o no perjudiciales para los jóvenes. Al asegurar que solo publicaban cómics de buen gusto, un senador mostró una cubierta de Crime Suspenstories, donde podía verse a un hombre sosteniendo un hacha en una mano y la cabeza de una mujer en la otra. Le preguntó si él creía que eso era de buen gusto, y Gaines contestó: "Para ser un cómic de terror, sí, Lo es". La consecuencia fue la creación de un organismo que velaría por el público juvenil y supervisaría durante más de medio siglo todos los comic-books. Hablamos de la Comics Code Authority.
Los que no lucieran en su cubierta el sello con la leyenda "approved by the comics code authority", no eran distribuidos a quioscos. El código de los cómics prohibía los desnudos, la mención a las drogas y el sexo o la violencia explícita. El crimen podía aparecer, pero siempre que no triunfara y se condenara al criminal. La sangre no podía ser roja, y los muertos vivientes de todo tipo también fueron tajantemente prohibidos. Para colmo, en las portadas no podían aparecer las palabras "crimen", "horror", ni "terror". Curiosamente las palabras que aparecían en todas sus publicaciones.
Gaines siempre pensó que esta autoridad de censura había sido creada para echarlos del negocio, y fuera verdad o no, lo consiguió. Pese a este final abrupto, los cómics de E. C. y la extraordinaria calidad de sus autores (especialmente la de Kurtzman y Krigstein), dejaron una marca indeleble en muchos futuros dibujantes del cómic underground.
Cómic Underground
A finales de los años 70, el cómic underground sacudió la sociedad norteamericana de la época, junto a "la protesta estudiantil, la defensa de los derechos civiles, la oposición a la guerra del Vietnam, la experimentación con alucinógenos, la formación de comunas, la influencia de las filosofías orientales y la música como expresión vital"
Autores conocidos de esta época son Robert Crumb, que es el creador de Mr. Natural, Fritz Cat, Zap Cómix (nº1)... y además lidera el grupo. Y otros autores como Bill Griffith, Rick Griffin, Víctor Moscoso, Spain Rodríguez,Trina Robbins, Aline Kominsky, Joyce Farmer, Justin Green, y un largo etcétera.
Al cómic underground también se le llamaba cómix, y era un concepto técnico referido a "los canales de edición, impresión y distribución de las historietas" cuando se desarrollaban al margen de las grandes editoriales de los Estados Unidos. Al ser trabajos autoeditados, no tenían que ser sometidos al filtro de la censura, por tanto las reivindicaciones del género se hacen más explícitas que cualquier otra publicación previa y en España motivó la publicación de fanzines como El Rrollo enmascarado (Barcelona, 1973), que dieron origen a la línea chunga de la que ya hablamos cuando nos centramos en la historia del cómic español.
Y ahora nos toca hablar de uno de mis favoritos: Calvin and Hobbes, de Bill Watterson
Bajo su aparente sencillez, se encuentra una de las tiras cómicas más complejas de finales del S. XX.
Calvin es un niño de seis años con una imaginación desbordante. No come carne, su mejor amigo es un peluche y critica el sistema con una profundidad digna de los autores clásicos más estudiados (Platón, Nietzsche, Picasso, Shakespeare...). También bebe de las fantasías de Little Nemo, pero por encima de todo, son las reflexiones del propio autor las que nos calan en lo más hondo. Los temas como la cultura, el arte, la política o la filosofía... Aparecen bajo una superficie aparentemente sencilla.
Watterson se tomaría dos largos descansos en los que no dibujó nuevas tiras, el primero desde mayo de 1991 hasta febrero de 1992, y el segundo de abril a diciembre de 1994. En 1995 Watterson envió una carta a la editorial y a todos los periódicos que publicaban sus tiras. La carta fue publicada el 9 de noviembre:
Querido editor: Dejaré de dibujar Calvin y Hobbes a finales de año. Ésta no ha sido una decisión impulsiva ni fácil de tomar, y lo hago con algo de tristeza. Sin embargo, mis intereses personales han cambiado, y creo que he hecho lo que he podido dentro de los límites de las fechas de entrega y el tamaño de las viñetas. Estoy ansioso por trabajar a un ritmo más meditativo, con pocos compromisos artísticos. Aún no me he decidido por proyectos de futuro, pero mi vínculo con la Universal Press Syndicate continuará.
El que tantos diarios hayan publicado a Calvin y Hobbes es algo que siempre me honrará, y estoy muy agradecido por su apoyo e indulgencia a lo largo de la pasada década. Dibujar esta tira cómica ha sido un privilegio y un placer, y agradezco que me hayan dado la oportunidad.
Sinceramente,
Bill Watterson
La tira número 3160 sería la última de Calvin y Hobbes, y apareció el domingo 31 de diciembre de 1995. En ella se ve a Calvin y Hobbes con su trineo, caminando por un terreno completamente lleno de nieve y disfrutando del paisaje, se sientan en el trineo y Calvin dice: «Es un mundo mágico, Hobbes, viejo amigo...» La última escena muestra a ambos bajando por la nieve montados en el trineo mientras Calvin grita: «¡Explorémoslo!»
Peanuts, de Schulz es el cómic en el que aparecen Carlitos y Snoopy.
En una entrevista que aparece en este reportaje, Schulz nos dice lo siguiente:
"Las tiras cómicas eran muy importantes cuando crecí, durante la década de 1930. Programas de radio, películas los sábados por la tarde y los cómics eran las cosas verdaderamente importantes. Y, por supuesto, yo podía dibujar. Nunca supe hacerlo muy bien –no podría pintar o hacer cosas del estilo–, pero podía dibujar”. Su gran deseo fue pronto dibujar cómics, y con solo 15 años comenzó a ver que su sueño podía cumplirse: fue entonces, 1937, cuando se publicó en la revista Ripley’s Believe It or Not! un dibujo que había hecho de Spike, el perro de la familia, el segundo que habían tenido: el primero se llamaba Snooky (¿les suena de algo?). Animado por aquello, siguió un curso por correspondencia de dibujo de cómics en la Federal School of Applied Cartooning.
En el mismo artículo, nos dice que Carlitos "representas a los nobles perdedores, esos que continúan intentando patear balones o atinar a la pelota con el bate de béisbol, soportando la burla de los demás porque no lo consiguen, olvidando el empeño que ponen en sus esfuerzos." Y el otro protagonista de las viñetas, Snoopy, "es justo lo contrario: egoísta, alegre, atrevido, aunque también, eso sí, como su amo, soñador."
Y el último cómic independiente estadounidense es Garfield, de Jim Davis
Las historias de Garfield se centran en señalar la monotonía diaria, el aburrimiento, las ganas de dormir... Y la primera tira cómica se publicó el 19 de junio de 1978. En una de sus entrevistas, cuando le preguntan cómo se le ocurrió pintar a Garfield, dijo:
Había probado una tira cómica basada en un bicho, Mosquito Gnorm. Los editores de tiras cómicas pensaban que había algo allí ¿pero bichos? ¿Quién puede identificarse con los bichos? Entonces, eché un vistazo a las tiras cómicas que existían y vi que había muchos perros que lo hacían bastante bien. Estaba Snoopy, Belvedere y Marmaduke, ¡pero ningún gato!. Así que rememoré a todos los gatos que tuve en mi casa cuando era niño - en una granja no es raro tener docenas de gatos - y combiné sus rasgos con los de mi abuelo, James Garfield Davis, y Voila! nació Garfield.
La entrevista entera la puedes encontrar aquí: Aporta otros datos de interés, como cuando describe a su protagonista: "Garfield es un antihéroe. El defiende nuestro derecho a llevar la vida del cerdo y ser un egoísta. El dice y hace todo lo que a nosotros nos gustaría decir y hacer si pudiéramos".
Cómic japonés (manga y anime)
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Sarah Romero, en este artículo nos dice:
El término "manga" puede referirse a todo tipo de dibujos animados, cómics y animación, ya que se compone de dos kanji: "hombre", que significa "caprichoso o improvisado" y "ga", que significa "imágenes", que forman 漫画. Esta es la razón por la que, históricamente hablando, podría haber muchos ejemplos tempranos que se refieran a la estética y las narrativas utilizadas en el manga moderno. Fuera de Japón, "manga" se usa para describir cómics solo mientras que "anime" cubre dibujos animados y cómics animados de muchos tipos.
Muchos creen que fue el primer manga apareció en los siglos XII y XIII, en una serie de dibujos con ranas y conejos, titulados Choju-giga producidos por varios artistas. Su técnica de dibujar las piernas de un personaje para simular que corrían fue adoptada por muchos actuales manga-ka (creadores de manga y dibujantes de cómics) .
Durante el período Edo (1603-1867), otro libro de dibujos, Toba Ehon, incorporó el concepto de manga, pero el término fue utilizado por primera vez en 1798, para describir el libro ilustrado Shiji no Yukikai (Four Seasons) de Santō Kyōden.
En cuanto al estilo se refiere, el manga generalmente combina personajes caricaturescos con un entorno realista, como sucede en la línea clara. Hay mayor variedad de las transiciones entre viñetas que en los cómics occidentales, y tienen una presencia más sustancial en la que el tiempo no parece avanzar. Igualmente, hay que destacar el gran tamaño de los ojos de muchos de los personajes, más propio de individuos occidentales que japoneses, y que tiene su origen en la influencia que ejerció el estilo de la franquicia Disney sobre Osamu Tezuka.
Aunque el manga moderno llegó a estar en medio de una expansión de creatividad artística durante la ocupación estadounidense de Japón entre 1945 y 1952, sus orígenes se remontan a siglos atrás.
Si quieres saber más sobre el manga, te recomiendo que leas este artículo. Además, al igual que cuando hablamos de los superhéroes, te dejo al final de este documento una larga lista de comics manga que podrían interesarte.
Más trabajos europeos
No podía acabar esta sección del cómic en el S. XX sin dedicar antes un apartado al trabajo más importante realizado por los italianos y los ingleses durante el siglo XX.
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Italia
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Diabolik (1962), de las hermanas Giussani
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Valentina (1965), de Guido Crepax
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Corto Maltés (1967), de Hugo Pratt
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Rapsodia Húngara (1982), de Vittorio Giardino
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Dylan Dog (1986), de Tiziano Sclavi,
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Julia (1998), de Giancarlo Berardi
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The collector (2019), de Sergio Toppi
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Reino Unido
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V de Vendetta (1988) y Joker, ambos de Alan Moore
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Luther Arkwright (1989), y The Tale of one bad rat (1994) ambos de Bryan Talbot
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Sandman (1989), de Bryan Talbot y Neil Gaiman (guion)
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Probablemente cada una de estas publicaciones merecería la misma atención que toda la historia del cómic, pero las limitaciones temporales no nos permiten continuar en esa línea. De todas formas, dejo un link en cada una de las publicaciones por si acaso tienes interés en saciar tu curiosidad.
Orígenes de la novela gráfica del siglo XXI
Llegamos al siglo XXI. Más de un siglo ha pasado ya desde la aparición de este formato al que en cada lugar recibe un nombre: Tebeo en España, a veces incluso Mortadelo; en la zona francófona BD; En Estados Unidos comic, o Comix (cuando se trata de la historieta underground). En este artículo nos explican muy bien sus orígenes:
Los orígenes de este término aún resultan misteriosos a causa de lo difuso de su definición. Los más puristas tienden a situarlo a mediados del siglo pasado, en 1957, con la aparición de la obra “El Eternauta”, de Héctor Germán Oesterheld. Otros, normalmente los defensores del llamado cómic americano, lo sitúan con la edición de “Bloodstar”, de Richard Corben (1976). Sin embargo, el origen más popular y ampliamente aceptado de este nuevo género se considera con la aparición del “Contrato con Dios” de Will Eisner (1978), que supuso el bautismo de esta nueva corriente narrativa. De su mano, y a través de las 3 historias que componen este tomo, la historieta entró en el mundo adulto a través de historietas más maduras y profundas.
La definición, como todo lo relacionado con el cómic, se nos escapa por su amplísimo contenido desde los inicios. Santiago García, en su libro "La novela gráfica" (2010), nos dice que:
Novela gráfica es un formato de publicación con guion de un solo autor y que contiene una historia única, donde se fusionan el dibujo y la narrativa y se presentan temas profundos e historias extensas. Además, en un sentido diacrónico, es un movimiento vanguardista del siglo XXI heredero de la historieta alternativa y con difusión internacional, que abarca tanto cómic estadounidense, como el español y el francobelga.
En España
Si tenemos que hablar ahora de la novela gráfica, debemos empezar diciendo que a veces al tebeo le han llamado también novela gráfica sin ser lo que hoy en día entendemos como tal. Por ejemplo, la revista Monos (1904-08) subtitulaba como "la primera novela gráfica española" a la serie Travesuras de Bebé. Muchos años después, en 1948, se iniciaba una colección titulada La novela gráfica gracias a Ediciones Reguera, cuya publicidad indicaba:
La novela gráfica os dará a conocer las mejores novelas de la literatura mundial por medio de dibujos explicados. Cada número contendrá el argumento completo de una novela de amor, aventuras, pasión o intriga, siempre dedicado a las personas mayores. Aparecerán dos números al mes.
No solo estos tebeos románticos llevaron esta denominación, sino también las ediciones de superhéroes y demás personajes estadounidenses por parte de Editorial Dólar a partir de 1958.
La expresión "Novelas" (o "Historias") "Gráficas para adultos" se usaba de subtítulo para seriales de formato vertical y mediana extensión.
Estas publicaciones dominaron el mercado español desde mediados de los sesenta, con la crisis del cuaderno de aventuras apaisado, hasta el inicio del boom de las revistas de cómic adulto en los setenta.
Los de tema romántico entraron en decadencia ante la competencia de la fotonovela, que no estaba tan limitada por la censura, pero pronto se sumaron al formato editoriales tendentes al denominado "mercado de la pobreza":
En la zona franco-belga
Algo similar sucede con el BD. Por la década de los 80, ya había variadas colecciones en las que se aplicaba la palabra roman (novela) al cómic:
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Las "Romans BD", de Flammarion, se distiguían de los álbumes clásicos por su menor tamaño;
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"Roman graphique", agrupaba todos los títulos que no eran parte de una serie; mientras que
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"Romans (À Suivre)", de Casterman, las historias se distinguían sobre todo por su longitud inusual.
Tres colecciones y tres conceptos diferentes. Este término "romans", junto con otros como "Nouvelle Bande Dessinée" designaba buena parte de las obras producidas por las editoriales independientes que surgieron a partir de los noventa
En Estados Unidos
Por útimo, el término inglés graphic-novel surge en los años 60, junto a otros términos como comic novel, graphic album, novel-in-pictures o visual novel.
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La novela gráfica del siglo XXI
¿Pero qué es exactamente una novela gráfica? Lo más sensato ahora, después de haber asistido a este breve resumen de la historieta gráfica, es dejar que explores libremente las historias que los autores tienen que contarnos. Podríamos quedarnos con la definición de Santiago García:
Novela gráfica es un formato de publicación con guion de un solo autor y que contiene una historia única, donde se fusionan el dibujo y la narrativa y se presentan temas profundos e historias extensas.
También nos podrían valer otras tantas. Aquí lo que más me interesa es que no te quedes con la idea de que la historia sirve para memorizar datos y volcarlos en un examen. La idea es darte una visión general del género, desde sus inicios, y pasando por los diferentes territorios.
Te dejo ahora con una lista de novelas gráficas con su sinopsis, que creo que pueden resultarte interesantes:
2000 Blacksad, de Juanjo Guarnido y Juan Díaz Canales
2000 Isaac el pirata, de Christophe Blain
2001 The bouncer, de Jodorowsky
2003 Érase una vez en Francia, de Fabien Nury (guion) y Sylvain Vallée
2004 Los combates cotidianos, de Manu Larcenet
2005 El gato del rabino, de John Sfar
2007 El castillo en las estrellas, de Alex Alice
2007 Alice in Sunderland, de Bryan Talbot
2007 Persépolis de Marjane Satrapi
2008 Las serpientes ciegas, de Felipe Hernández y Bartolomé Seguí
2008 El gusto del cloro, de Bestien Vivès
2009 Grandville, de Bryan Talbot
2009 Ken Games, de José Robledo (guion) y Marcial Toledano
2011 Polina, de Bestien Vivès
2011 Lydie, de Jordi Lafebre y Zidrou
2011 El fotógrafo, de Emmanuel Guiber
2014 Yo asesino, Antonio Altarriba
2014 Sara Lone, de David Morancho y Erik Arnaux (guion)
2014 O'boys, de Steffan Colman y Phillipe Thirault (guion)
2015 Amistad estrecha de Bestien Vivès
2015 La casa, de Paco Roca
2015 Undertaker, de Xavier Dorison (guion) y Ralph Meyer
2016 El Ala Rota, Antonio Altarriba
2016 Jamás tendré 20 años, de Jaime Martín
2016 Little Tulip, de Boucq, François y Charyn, Jerôme
2017 Carlos PuertaBarón Rojo
2018 Animal, de Colo
2018 El Señor Jean, de Philippe Dupuy y Charles Berberian
2018 Los caballeros de Heliópolis, de Jodorowsky y Jeremy
2018 Katanga, de Fabien Nury y Sylvain Vallée
2018 Una estrella de algodón negro, de Steve Cuzor y Yves Sente (guion)
2019 La guerra de Alan, de Emmanuel Guibert
Cualquiera de Lewis Trondheim
Cualquiera de Joann Sfar (Sócrates el semiperro, Pascin, dirigió también un biopic sobre Serge Gainsbour
Aquí otra lista con los superhéroes de todos los tiempos:
Años 30 Comic book
Jerry Siegel y Joe Shuster, Superman
Bob Kane y Bill Finger (guion), Batman (27 mayo 1939)
Clarence Charles Beck y Bill Parker (guion), Capitán Marvel (1939)
William M. Marston, bajo el pseudónimo de Charles Moulton. Wonder Woman (1941)
Steve Englehart, Capitán América (1941)
Jack Kirby y Stan Lee, Justice League of America (1960)
Jack Kirby y Stan Lee, LOS 4 FANTASTICOS (cosa, antorcha humana, Mr. Fantástico y chica invisible) (1961)
Jack Kirby y Stan Lee, El increíble Hulk (1962)
Stan Lee y Steve Ditko, Spiderman (1962)
Jack Kirby y Stan Lee, Los Vengadores (Hulk, Thor, Iron Man,antman, Avispa…+ Capitan América) (1963)
Stan Lee, Don Rico (guion) y Don Heck: Black widow (abril de 1964)
Stan Lee publicaba en Marvel -->Amazing Fantasy
C. C. Beck y Fawcett, GREEN LANTERN
Dennis O´Neil, La liga de la Justicia
Gerry Conway, The Amazing Spider-Man
Cary Bates, Superman
Steve Gerber, Howard el Pato
Neal Adams Avengers, X-Men, Linterna verde/ flecha verde, Detective Cómics
Jim Starlin, Warlock; Thanos
Steve DitkoHawk & Dove; The Creeper
Jack Kirby El cuarto mundo de Jack Kirby
Dave Cockrum y Len Wein (guion), X-Men Giant Size
Chris Claremont (guion) y Cockrum, X-Men
Chris Claremont (guion) y John Byrne, X-Men
Claremont, Lobezno
Años 70: Juegos de rol, señor de los anillos, música Rock fantasiosa, referencias a la Edad Media…
MARVEL
Roy Thomas (guion), Conan el Bárbaro (1970)
Barry-Windsor Smith, Conan el Bárbaro (1970)
John Buscema, Conan el Bárbaro (1970)
John Buscema, Avengers
Robert E. Howard, Kull el conquistador; Solomon Kane
Robert E. Howard, La espada salvaje de Conan
Nueva generación Marvel
Roger Stern, Los vengadores
Walter Simonson (guion) Sal Buscema, Thor
Chris Claremont, Uncanny X-Men
John Byrne, Cuatro fantásticos
Los 80
Jim Shooter (guion) Mike ZeckSecret Wars
John Byrne, Superman
Dennis O'Neil, Batman
Jim Starlin, La muerte del capitán Marvel
Jim Starlin, Dredstar
Sienkiewicz, Moon Knight
Sienkiewicz, The New mutants
Sienkiewicz, Stray Toasters
David Mazzucchelli, Daredevil
David Mazzucchelli y Paul Karasic (guion), Ciudad de cristal
David Mazzucchelli, Born Again
Frank Miller, Ronin
Frank Miller, Crisis en tierras infinitas
Frank Miller, El regreso del señor de la noche
Mark Millar, Viejo Logan
ALAN MOORE, Capitán Britania
ALAN MOORE, La balada de Halo Jones
ALAN MOORE, V de Vendetta
ALAN MOORE, Miracleman
ALAN MOORE, La saga del pantano
ALAN MOORE, Hellblazer
ALAN MOORE, La broma asesina
ALAN MOORE, Watchmen
Los 90
Kyle Baker, Por qué odio Saturno
Jamie Delano, Hellblazer
Grant MorrisonShade, Animal man, Doom Patrol
Neil Gaiman, Sandman
Warren Ellis y Darick Robertson, Transmetropolitan
Garth Ennis y Steve Dillon, Preacher
Bill Willingham y Mark Buckingham, Fabules
Stan Lee, Sin city
Mark Evanier y Sergio Aragonés, Groo el errante
Frank Miller, Hellboy
Melinda Gebbie, Lost Girls
Alan Moore, From Hell
Eddie Campbell, Alec
Terry Moore, Strangers in the paradise
Sam Kieth, The Maxx
Kurt busiek, Astro City
Warren Ellis, Stromwatch
Bryan Hitch, The Authority
john Cassaday, Planetary
Robert Kirkman y Tony Moore, Walking Dead
Straczynski y John Romito Jr. The Amazing Spider-Man
Brian Micharl Bendis, Daredevil
Brian Micharl Bendis, The Avengers
Grant Morrison, X-Men
Rag Morales y Brad Meltzer (guion), Crisis de identidad
Grant Morrison (guion) y Frank Quitely, All Star Superman
Mark Millar, Civil War
Matt Fraction (guion) David Aja y Javier Pulido), Ojo de Halcón
También algo de manga por aquí.
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El cómic japonés
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Manga
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Buda, la nueva isla del tesoro, Kimba... de Tezuka y su asistente Hideko Mizuno
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Doraemon, de Fujio Akatsua
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La chica de los cigarros, de Masahiko Matsumoto
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Historiade Japón, de Shotaro Ishinomori
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Norakuro, de Suiho Tagawa
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Una vida errante, de Tyosihiro Tatsumi
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The swamp, de Yoshiharu Tsuge
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Anime
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Dragon ball, de Akira Toriyama
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One piece ,de Eiichiro Oda
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Akira, de Katsuhiro Otomo
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Caballeros del zodiaco, de Masami Kurudama
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Ghost in the shell, Masamine Shirow
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Naruto, de Masashi Kishimoto
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Sailor Moon, de Naoko Takeuchi
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Ranma 1/2 (Maison Ikkoku) de Rumiko Takahashi
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Oliver y Benji (Captain Tsbasa), de Yoichi Takahashi
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Shin Chan, Yoshihito Usui
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Mazinger Z, de Go Nagai
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El lobo solitario y su cachorro, de Goseki Kojima
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Pies descalzos, de Keiji Nakazawa
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Fujio Akatsuka, Doraemon
Hideko Mizuno
Masahito Matsumoto
Shotaro Ishinomori, Historia de Japón
Suihô Tagawa, Norakuro
TezukaLa nueva isla del tesoro
Tyosihiro Tatsumi, Una vida errante
Yoshiharo Tsuge
Asao Takamori y Tetsuya Chiba, Ashita no Joe
Go Nagai, Mazinger Z
Kazuo Koike (guion) y Goseki Kojima, Asa el ejecutor, Hanzo el asesino
Kazuo Koike(guion) y Goseki Kojima, El lobo solitario y su carchorro
Keiji Nakazawa, Pies descalzos
Leiji Matsumoto, Capitán Harlock
Monkey Punch, Lupin III
Shigeru Mizuki, Operación muerte
Shigeru Mizuki, Ge Ge No Kitaro
Akira Toriyama, Dragon Ball
Akira Toriyama, Dr. Slump
Eiichiro Oda, One Piece
Hiroaki Samura, La espada del inmortal
Jiro Taniguchi, Hotel Harbour View
Jiro Taniguchi, El caminante
Jiro Taniguchi, El almanaque de mi padre
Jiro Taniguchi, Barrio Lejano
Jiro Taniguchi, Un zoo en invierno
Katsuhiro Otomo, Akira
Kazushi Hagiwara, Bastard!!
Kentaro Miura, Berkser
Masakazu Katsutra, Video Girl
Masakazu Katsutra, DNA2
Masami Kurudama, Caballeros del zodiaco
Masamine Shirow, Kokako Kidotai
Masashi Kishimoto, Naruto
MizukiUna vida errante
Nabuhiro Watsuki, El guerrero samurai
Naoki Urasawa, Monster
Naoki Urasawa, 20th Century Boys
Naoki Urasawa, Pluto
Naoko Takeuchi, Sailor Moon
Naoko Takeuchi, Card Captor Sakura
Rumiko Takahashi, Maison Ikkoku
Suehiro Maruo (varios prohibidos incluso en Japón)
Tezuka, Adolf
Tsukasa Hojo, City Hunter
Yoichi Takahashi, Captain Tsubasa
Yoshihito Usui, Shin Chan
Yuzo Takada, Sazan Aizu
Touch (1984)
Y ya por último, concluimos.
Como ves, el cómic tiene una larga historia. Se escapa de definiciones precisas, muta, se transforma para ir adaptándose, y en el proceso de transformación se va adaptando a los nuevos tiempos. Compite con el ocio de la radio, de la televisión, de los videojuegos, de las redes sociales... Y aún así, todavía tiene un hueco en la sociedad para nutrirnos con sus historias.
Comparte muchas de las características del lenguaje cinematográfico: Los colores, el tipo de plano, el ritmo narrativo, las secuencias y las escenas. Lo único que cambia es que en el cine la viñeta es una pantalla fija sin bocadillos, y que en el cine hay movimiento.
A veces me pregunto por qué en España es tan poco reconocido. Uno de los motivos por los que creo que la fama de esta disciplina es tan escasa en nuestro país, es precisamente por el daño que hizo la censura.
Mientras el resto de países como Francia, Suiza, Bélgica o Estados Unidos experimentaba con nuevas formas de narración y eran considerados como el origen de una nueva aventura artística, aquí en España íbamos luchando contra el sistema para que se nos reconociera.
Gracias a la globalización, esto ha cambiado. Todos tenemos acceso a él. También el formato ha cambiado, ya no solo es un soporte físico. Tenemos pantallas de ordenadores, de teléfonos, de tablets... Y las posibilidades de expresión aumentan diariamente.
El transcurso del cómic depende de nosotros. De cómo lo mimemos, lo ignoremos, lo apoyemos o lo despreciemos. Espero que después de esta pequeña lectura seas capaz de mostrar algo de interés, porque conociendo las cosas acabaremos amándolas. Así lo espero.