Historia del cine

1. El cine

El cine empezó como un medio destinado a entretener al pueblo llano y acabó convirtiéndose en una poderosa herramienta de socialización cultural. Gracias al trabajo en equipo, el cine se ha convertido en el medio predilecto de la mayoría de nosotros. Y no es de extrañar, debido a:

Su extraordinario poder para conmovernos.
Su amabilidad para invitarnos a reflexionar.
Su irresistible capacidad de atracción.

El cine ha ido cambiando de un modo paralelo al que lo ha ido haciendo también la sociedad. Y teniendo en cuenta que el cambio ha sido de finales del s. XIX a inicio del s. XXI, significa que ha cambiado mucho.

El cine, por ejemplo, no siempre ha defendido los mismos intereses; los destinatarios que se han beneficiado de él han ido cambiando con el tiempo, así como también los creadores, los objetivos y sus particularidades.

Así que hablar de cine, en realidad, es hablar de todo a la vez, y como eso no es posible, he abordado esta sección clasificándola en diferentes décadas, y siguiendo un hilo conductor en el que se hablará de:

El cine como arte
El cine como industria
El cine como entretenimiento
El cine como propaganda política

Antes de ello, me gustaría comparar el nacimiento del cine como si fuera el de un bebé: Al principio parece no distinguir bien las cosas: Le cuesta comunicarse, no articula bien los mensajes y ni siquiera sabe moverse bien.

Los primeros años del cine lo vivimos como algo que simplemente está ahí, no sabemos muy bien qué hacer ni qué decir, pero tiene algo hipnótico que nos atrapa. Por eso nos agolpamos a su alrededor, para admirarlo.

Oficialmente, se dice que sucedió el 28 de diciembre de 1895. Iba a finalizar un siglo y comenzaría otro en el que volaban aviones por primera vez, se afirmaba que la luz es la única constante, nos comunicábamos inmediatamente con el otro lado del Océano Atlántico y el Titanic se hundía en lo más profundo del océano...

Cuando los hermanos Lumière (que en francés significa luz) proyectaban por primera vez una imagen en movimiento, veíamos a los obreros saliendo de la fábrica Lumière. Esta fue una de los primeras proyecciones.

Pero había más vida, un perro enorme que esperaba a su dueño en la puerta con gran alegría, muchas mujeres (que por cierto eran las primeras en aparecer), después hombres a pie y también carruajes tirados por caballos.

Incluso veíamos a gente que circulaba torpemente en bicicleta... Parece que cabía de todo en esa fábrica en la que se revelaban fotos. Como he dicho antes: el arte, la industria, y el entretenimiento.

Desde que se proyectaron esos fotogramas hasta el día de hoy, el cine ha ido desarrollando un lenguaje propio que nos ha permitido acceder a diferentes universos que nunca antes habían sido explorados con tanta pasión.

Se iba generando un nuevo un lenguaje universal que apelaba directamente a nuestras emociones. Nosotros, los espectadores de las butacas, solo teníamos que sentarnos y mirar lo que hacían.

Creadores y espectadores Íbamos experimentando conjuntamente esos universos personales cada vez con más asombro. El impacto al ver esas imágenes en movimiento ni siquiera es equiparable al shock que producen las tecnologías más desarrolladas en el día de hoy.

Ese impacto de lo nuevo del que habla Robert Hughes en su libro convertido en documental, supuso un cambio de paradigma en el ámbito del entretenimiento. Y lo más sorprendente es que más de un siglo después, seguimos usando esas imágenes capturadas con la cámara para contar nuevas historias.

Es verdad que los formatos han cambiado, los tiempos de atención, los intereses de los usuarios, la industria... Todo es diferente. Incluso la mentalidad de los artistas. Por eso creo que no hay mejor momento que ahora para echar un vistazo atrás y comprender el formato algo mejor.

Lo que vamos a estudiar aquí es el desarrollo del cine a través de las ideas más revolucionarias de sus creadores. Han sido ellos quienes han ido proponiendo historias para que entendamos mejor el concepto de cine.

Han sido los espectadores los que han ido redefiniéndolo en función a lo que iban consumiendo. Vamos a verlo:

1.1 Aprendiendo a hablar

La pintura ya nos había permitido crear imágenes teniendo en cuenta la composición, la profundidad, el manejo de la luz, el diseño de personaje y las poses. Pero pintar requiere mucho tiempo, y los tiempos empezaban a ser frenéticos en esa época, así que del deseo de capturar esos instantes que se nos escapaban llegó la fotografía.

No era algo nuevo. En la segunda edición del Tratado naturalis (1589) escrito por el dramaturgo y científico Giambattista della Porta, se relata cómo había proyectado en una pared una caza, unas batallas y un juego de mantas "con tal claridad, luminosidad y detalle como si lo tuvieras ante tus propios ojos".

El autor había colocado a sus amigos en el interior de una habitación oscura, y fuera de ella había dispuesto unos actores disfrazados, con animales, niños, jinetes, armas y árboles. Era una imagen en color que se movía.

Tres siglos después llegaron los hermanos Lumière. Louis Lumière, uno de los pionero de esta modalidad, nunca practicó la pintura, pero sí que supo interiorizar y aplicar todas las enseñanzas que la pintura había traído consigo. Pero claro, la pintura no se movían y la fotografía tampoco. En unos tiempos que estaban siendo frenéticos, se necesitaba un formato que supiera retratar fielmente esa época.

Así es como llegó el cine. En principio, entenderlo era muy fácil. Se basaba en que una máquina ofrecía una representación dinámica de la realidad, proyectándola en una superficie bidimensional. Su llegada puso patas arriba toda industria (la comercial, la del entretenimiento y la del arte). Y lo hace en muy poco tiempo. Digamos que durante la primera década del s. XX, "el bebé empieza a hablar".

Las pantallas pasan de ser cuadradas a ser apaisadas, como los paisajes pictóricos; asistimos al nacimiento de los efectos especiales nunca vistos; viajaríamos en tren con la cámara creando lo que después llamaríamos "travelling", y por si fuera poco, calificaríamos los planos dependiendo del encuadre fotográfico (primer plano, segundo, plano general... etc.)

Estas son sus primeras palabras. Más adelante empezaríamos a contar historias utilizando otros recursos narrativos que ya existían en la literatura, como por ejemplo el montaje paralelo o la fragmentación del espacio. Vamos a hablar con algo más de detenimiento de las innovaciones que encontramos desde el nacimiento del cine hasta 1910:

Enoch J. Rector, es el primero que pasa de proyectar sobre una superficie cuadrada a panorámica (pan= todo y orama = visión). Lo hace con su película The Corbett-Fitzsimmons Fight (1897) y esta innovación del soporte permite su estilización. Al hacerlo apaisado, los boxeadores parecen tener más espacio para moverse dentro del plano.

Si miramos la pantalla del téfono móvil, la del ordenador, la del cine, la de la televisión... Reconoceremos la trascendencia de su importancia. Si te interesa, en este artículo, José Luis Caballero, se cuestiona si preferir esta proporción tiene base científica y pone en duda la opinión de Kant, que afirmaba que el juicio estético es desinteresado.

Georges Méliès, por su parte, nos permite asistir a otro descubrimiento: el de los efectos especiales. Sus primeras apariciones pueden verse en películas como "La luna a un metro" (1898). Como sucede en la mayoría de los inventos revolucionarios, sucedió por un descuido, por un defecto de la producción, por un despiste o accidentalmente.

Cuando grabó a una persona que pasaba por la calle, la máquina se atascó y no pudo seguir grabando. La persona continuó hasta salir del encuadre, y después el director retomó la grabación. Lo que encontró al revelar la película, fue una sucesión de imágenes en la que el hombre parecía haber desaparecido. Así fue como sucedió.

George Albert Smith, grabó su película Beso en el túnel (1899). Grabó las vías del tren desde el vagón principal y así fue como nació el travelling. El corto cuenta la historia de dos personas se daban un beso en un vagón, justo cuando llegaba el momento de pasar por el túnel, y cuando salían de nuevo a la luz, se sentaban de nuevo en sus asientos.

Los cineastas se fueron dando cuenta de que lo que definía al lenguaje del cine, no dependía tanto de dominar la composición, la profundidad y la luz, sino que más bien había que prestar más atención a la reordenación efectiva de los planos en la línea del tiempo. Es decir, el lenguaje del cine se basaba en el dominio del montaje cinematográfico.

Veamos varios ejemplos:

George Albert Smith, el mismo de antes, mientras grababa a una niña sentada con su gato en brazos, decidió acercarse más al "gatito enfermo" (1901). Cuando llegó la hora de revelar y montar la película, presentó antes el plano que estaba más alejado y luego introdujo el plano ´que estaba más próximo, es decir, se acercó más al gato.

Lo que percibió fue que, con esta disposición de los planos en el tiempo, el espectador reaccionaba de forma más cálida. Más emotiva. Lo único que había hecho él había sido acercarse un poco más al gato, y el público sentía más. A ese tipo de encuadre lo llamamos el primer plano. Y a partir de aquí empezaríamos a construir una nueva dialéctica.

Al igual que sucede en la literatura, las decisiones narrativas que toma un escritor, van a repercutir en la experiencia del lector. Por ejemplo, si en un fragmento de novela hay un apartado en el que se describen unos detalles con más precisión que otros, eso repercutirá en el rimo, en la experiencia en la estimulación de la imaginación...

El cine también demostraba que acercándonos más a ese gato, se prestaba más atención a los detalles, el impacto era mayor, la sensibilidad se estimulaba. Y era necesario estudiar el fenómeno. Y gracias a esos estudios, los memes de los gatos repoblaron internet. ¿Este gatito enfermo podría ser el precursor de los memes?

Siguiendo en esa línea de adaptar técnicas literarias de narración, también en la literatura podemos describir fragmentos de lo que sucede en un espacio, y después, describir lo que sucede en ese mismo espacio pero desde otro punto de vista. Cuando sucede en el cine algo así, le damos el nombre de fragmentación del espacio.

Edwin Stanon Porter vio en la sala de montaje que el experimento funcionaba. Sucedió en 1903, en la película titulada "vida de un bombero americano". Cuando el autor utiliza este recurso, el espectador tiende a pensar: "Vale, esto es lo que pasa después...". La escena nos presenta a un bombero subiendo las escaleras desde dentro del edificio.

Y después, vemos al mismo bombero desde fuera, entrando dentro de la casa. Hoy este recurso es muy habitual. Es decir, contamos la misma historia cambiando las posiciones de la cámara, primero dentro y luego fuera. Pero en aquel entonces lo normal era grabar toda la secuencia desde el mismo punto, desde un plano general.

El hecho de dar un nombre a cada uno de estos recursos del montaje, nos permite darnos cuenta del funcionamiento del lenguaje cinematográfico, y como el sentido de continuidad de un relato fílmico seguía siendo un poco precaria, el siguiente paso que dieron fue tratar de dominar esos tiempos narrativos con más soltura.

El montaje paralelo representa uno de esos intentos por dominar el ritmo. Consiste en mostrar un espacio en el que sucede algo, y después nos muestra lo que está sucediendo en otro sitio, incluso si sucede a la vez que lo anterior. La fragmentación del espacio nos dice: "esto pasa después"; y el montaje paralelo dice: "Esto ocurre mientas tanto".

Pathe Freres fue uno de los primeros en utilizar este recurso en "Le cheval emballé" (1907). Podemos ver que el lechero deja aparcado al caballo en la puerta, y al bajarse del carro entra en el edificio a toda prisa. Vemos cómo sube las escaleras, y mientras tanto, el caballo se come el alimento que hay en la acera. Sucede paralelamente.

No olvidemos que lo más innovador era que el movimiento aparecía por primera vez sobre un soporte en dos dimensiones. El reto, ya no era dominar la composición espacial, sino los tiempos narrativos. Esto no se consiguió hasta un poco más adelante, durante la década de los años 10, cuando nos centramos en los géneros (hablaremos de ello).

En resumen, lo que debemos tener en cuenta es que durante los quince primeros años, los cineastas se dieron cuenta de que estaba apareciendo un nuevo lenguaje que habría que interiorizar. Algo que acabaría teniendo su propio léxico, su gramática, su ortografía... Y solo dominando ese lenguaje, uno puede construir su propio estilo y discurso.

El formato panorámico, los efectos especiales, los travellings, los tipos de plano, la fragmentación del espacio, el montaje paralelo o los tiempos narrativos hoy en día forman parte de ese lenguaje con el que hemos crecido. Pero hay que entender que en los inicios del S. XX este idioma no era tan fácil de entender como ahora.

Por seguir con la metáfora con la que empezamos, solo recordar que este niño está empezando a hablar y ya conoce algunas palabras. Recordemos que él mismo tiene que ir construyendo su propio lenguaje y que solo podrá hacerlo adquiriendo recursos de su alrededor (pintura, foto, cine...).

Con ese lenguaje todavía por descifrar, se rueda el primer largometraje documentado de la historia: Lubin's Passion Play (1903), una representación de la Pasión de Cristo. Pasamos ahora a ver qué sucede durante los años 10.

1.2 Los géneros cinematográficos de los años 10

La década de los años 10 se diferencia de la anterior en que termina dominando ese lenguaje. Para consolidarse, se centra en el carácter sublime del estrellato de Hollywood, y en el nacimiento de los géneros cinematográficos (entendiendo los "géneros" como aquellas categorías en que se pueden ordenar las obras según rasgos comunes de forma y contenido).

A partir de 1903 muchos teatros dedicados a representar obras dramáticas pasaron a ser pequeños cines (los llamados Nickelodeon). El escaso precio de las entradas, permitió que el modelo de ocio dejara los teatros más vacíos y los cines más llenos. Dicho de otro modo, el espectáculo pasó de entretener a la élite, a entretener a las clases obreras.

Durante 1909, las actrices de esas películas que proyectaban empezaron a ser figuras reconocidas por el público; y no es hasta el año 1910 que el cine no aporta a las actrices este carácter sublime del estrellato. Si conocemos ahora las grandes estrellas, es fundamentalmente gracias al trabajo de las mujeres que iluminaron el panorama.

Es importante recalcar que las mujeres comenzaron siendo pioneras en las artes cinematográficas. De hecho, la mitad de los guiones de las películas que se rodaron desde el inicio hasta el año 1925, fueron escritos por mujeres. El trabajo de montaje quedaba reservado también para ellas, y si fuera poco, también dirigían sus películas

Hollywood (probablemente el evento más importante del cine) nace el 27 de diciembre de 1913, justo un día antes de que el cine cumpliera 18 años. En este episodio identificaremos al menos tres actrices que definen el panorama de la época y nos centraremos en la vida de dos directoras pioneras . Ellas nos servirán para ilustrar este éxito:

Las actrices son Asta Nielsen, Florence Lawrence, y Lillian Gish.
Las directoras son Alice Guy-Blaché y Lois Weber.

Asta Nielsen, comenzó a atraer a gran parte del público a partir del momento en el que meneó su cuerpo indecorosamente alrededor de un hombre atado. El resultado fue la atracción masiva de espectadores a las salas donde se proyectaba "The Abyss" (1910), y sirvió a la industria para rentabilizar el negocio con la imagen feminizada.

Tenía una voz algo profunda que no encajaba con los papeles femeninos de la época en la que el teatro estaba tan solicitado. Los directores de allí solo le concedieron papeles secundarios y fue por ello por lo que se marchó de su país natal, Dinamarca, para vivir en Alemania. Allí desarrolló casi toda su trayectoria profesional.

Con la llegada del cine sonoro en 1927, su carrera como actriz llegaría a su fin, por eso se trasladó de nuevo a Dinamarca. Se dedicó a la pintura, a la literatura, a la poesía, y solo al final de su vida volvió a ser reconocida. Pero Asta Nielsen no fue considerada la primera estrella de cine. Si acaso, su predecesora.

La primera estrella fue Florence Lawrence, por eso en su epitafio puede leerse: "First Movie Star". Florence fue una actriz canadiense que despuntó en EEUU gracias a la película dirigida por Griffith titulada "Those Awful Hats" (1909). Justo antes de aparecer ahí, llevaba trabajando tres años y había aparecido en más de 129 películas.

Nació el dos de enero, igual que yo, pero una de las cosas que me diferencia de ella es que yo no lo hice en 1886. Cuando cumplió doce años, su padre murió y su madre y sus hermanos mayores tuvieron que marcharse a Nueva York. El país de las oportunidades le daba la oportunidad de empezar su carrera como actriz.

Su trayectoria como actriz parecía ir cada vez mejor, y al llegar a los veinticuatro años, cuando estaba en lo más alto de su carrera, un incendio durante un rodaje le provocó varias quemaduras que la perjudicaron seriamente. A partir de entonces las ofertas de trabajo fueron cesando y ese fue el motivo por el que fue arruinándose poco a poco.

Después de tres matrimonios fracasados y una exitosa carrera cinematográfica, terminó completamente sola y acabó suicidándose. Tenía cincuenta y dos años.

El otro ejemplo de actriz destacada durante los años 10 fue Lillian Gish, por suerte, pasó por el mundo con algo más de fortuna. Lillian era la actriz predilecta de D. W. Griffith. Su carrera cinematográfica empezó en 1912 y acabó en el año 1987. Por tanto, tiene el récord de ser la actriz que más años ha vivido dedicándose a la interpretación.

Comenzó a trabajar junto a su hermana menor con seis años, después de que el padre alcohólico abandonase a la familia. Empezó a actuar en teatros y escenarios, hasta que en 1912 conoció a Griffith y comenzaron a trabajar juntos hasta que la fama les llegó tres años después, con la película de "El nacimiento de la nación" (1915).

Murió el 27 de febrero de 1993 en Nueva York. A los 99 años y 136 días, pocos meses antes de cumplir 100 años.

El trabajo de las actrices durante la primera década del s. XX supuso un adelanto inimaginable en la industria del cine. Pero como he comentado antes, no solo las actrices son pioneras en esta apasionante historia del cine, son las actrices, junto a las guionistas y las directoras de Hollywood, las que consiguen asentar las bases de lo que vendría después.

En el grupo de directoras encontramos a varias mujeres especialmente relevantes. La primera que voy a mencionar es Alice Guy Blaché. Entre su más de mil películas, rueda "Falling Leaves" (1912), y este trabajo es considerado el primer film dramático de la historia. Pero no es el único logro destacable:

Fue la primera en rodar una película de ciencia ficción.
Fue la primera persona que logró mantenerse económicamente a través del cine.
Rodó más de 1000 películas a lo largo de su vida en varias productoras fundadas por ella misma.

Hay personas que haciendo una décima parte de lo que ha hecho ella, son famosas y mundialmente conocidas. Por eso este capítulo debería servir también para reflexionar sobre qué cosas contamos y cómo las contamos. Solo cambiando un poco la inclinación de nuestro foco conseguiremos tener más conciencia real de los eventos.

Lois Weber, otra directora pionera del cine de Hollywood, exploró como ninguna otra persona el género del suspense con una película cuyo título no daba lugar a dudas: "Suspense" (1913). Incluye en ella innovaciones como la pantalla dividida en tres y un uso arriesgado y además, un uso precario pero efectivo del lenguaje cinematográfico.

Además, fue la primera mujer que dirigió un largometraje: una adaptación de El mercader de Venecia (1914),
Fue la primera directora que poseyó su propio estudio de cine, Lois Weber Productions, desde 1917,
La primera, con Smalley, en realizar películas sonoras en Estados Unidos.

Obviamente, no todo el trabajo cayó en sus manos. También en los años 10 vemos nacer al género de animación con el "Dinosaurio Gertie" (1914) gracias a Winsor McCay. Y en ese mismo año aparece además el primer largometraje de Hollywood (un western titulado "The Squaw Man") y tres películas que definirán el género bélico.

El director estadounidense D. W. Griffith. exprimió una nueva manera de contar historias: En lugar de narrar una historia concreta, identificaba un concepto general y lo desarrollaba ilustrándolo con diferentes historias. Es otro ejemplo en el que un recurso literario típico del escritor Dickens es adaptado a la narrativa cinematográfica.

Pero hay más:

El reconocido director, para hablar de la guerra, se centra por un lado en el cine nacionalista (The Birth of the Nation, 1915), una película que es duramente criticada por sus alusiones racistas, retratando en sus escenas el supuesto heroísmo del Ku Klux Klan.
Más adelante, en 1916, se dedica a profundizar en el concepto de la intolerancia. Lo hace intercalando tres historias que aparentemente no tienen nada que ver, pero que están unidas por un tema central: La intolerancia (1916).
En 1918, año en el que acaba la guerra, el director se centran en sus desastres de la guerra con películas como "Los corazones del mundo", dando lugar al cine bélico, y es así como las películas de Griffith atesoran gran popularidad y grandes recaudaciones.

Claro que el nacimiento del género cinematográfico no se encuentra solo en EEUU. Si nos vamos a Europa, concretamente a los países escandinavos, descubriremos que autores como Benjamin Christensen y Sjorstrom dirigen películas de terror con temas esotéricos usando recursos especiales como la doble exposición:

Sjorstrom, en 1921 para "La carreta fantasma" (minuto 29:00).
Christiensen, antes, en 1913 para hablar de un sueño en su película "The mysterious X" (1:11:20).

Quedaba un año para que estallara la Primera Guerra Mundial y duró cuatro largos años. Estuvieron involucradas todas las grandes potencias de la época. Y al acabar, cuatro grandes imperios dejaron de existir: el alemán, el ruso, el austrohúngaro y el otomano. Costó la vida de 10 a 60 millones de personas, entre civiles y militares.

Para concluir, deberíamos quedarnos con que en la década de los años 10 presenciamos una primera aproximación a los diferentes géneros cinematográficos que más adelante se consolidarían: El drama, el suspense, el terror, la animación o el cine bélico cubren las expectativas del público deseoso de escuchar nuevas historias.

El interés por el dominio del tiempo fílmico (Tarkovski hablaba de "esculpir el tiempo"), empezaría a permitir contar las historias dominando diferentes ritmos y progresiones variadas. Estos se irían amoldando a cada género. El de una película de acción sería diferente al de un drama romántico. Este artículo lo describe especialmente bien.

Digamos que es la primera vez en la historia que el cine nos pregunta: ¿Qué es lo que te apetece ver? Y el cine te lo da, lo que beneficiaría a la recaudación de taquilla.

1.3 Los -ismos de los años 20

En cuanto terminó la guerra, los artistas se pusieron manos a la obra para devolver a la vida su sentido primigenio, pero lo hicieron con la conciencia algo tocada y la realidad distorsionada por la traumática situación que vivieron. Mientras tanto, en EEUU aparecen Charles Chaplin, Buster Keaton, y Harold Lloyd.

Tres cómicos que cambiarán el rumbo del cine gracias a su manera de hacernos reír. El primero manteniendo la cámara fija y utilizando el ornamento con ideas geniales; el segundo considerando el movimiento corporal como el recurso expresivo más poderoso; y el tercero, permitiendo un entretenimiento más popular y accesible. + info.

Thomas Edison, en 1923, decía que en 20 años todos los alumnos iban a aprender a través del cine, y que iba a sustituir al libro de texto.

Ya que hemos hablado de Japón y Estados Unidos, vemos cómo en Europa experimentamos con nuevos lenguajes y técnicas revolucionarias. Asistimos durante esta década al nacimiento del realismo danés, del expresionismo alemán, del dadaísmo, del cine soviético antibelicista, del impresionismo, del surrealismo, del naturalismo escandinavo.

En definitiva, de la ruptura con toda la tradición anterior. Todos los artistas vanguardistas se unen para un fin común, que es contar las cosas de otra manera más revolucionaria, de un modo que no fuese imperante por el mercado. Dicho de otro modo, los cineastas europeos reconsideran las posibilidades artísticas del cine, y se vuelven más provocadores:

El dadaísmo, por ejemplo, protesta contra las convenciones artísticas de la época a través del humor, la irreverencia y lo ilógico. Aunque que un movimiento que apareció en todas las artes, la pieza dadaísta más representativa del cine la encontramos en la obra "Entreacto" (1924), dirigido por René Clair en París.
Esta película servirá más adelante de inspiración para muchos cineastas independientes españoles como Buñuel y Dalí, que ruedan en 1929 "Un chien andalou". El cortometraje está lleno de referencias oníricas, y es el que daría pie al cine surrealista, donde los sueños y sus elementos simbólicos serían la base de su lenguaje,
El futurismo se basaba en una filosofía de exaltación a la rapidez, la juventud y las nuevas tecnologías. Su mayor exponente en el cine lo encontramos Yakov Protazánov, con su película "Queens of Mars" (1924), que es ruso, se basa en una novela de Tolstoi para plantearnos un mundo de ciencia ficción en el que unos extraterrestres ven lo que sucede en la tierra. Aelita, la reina de Marte, harta de vivir sometida a su despótico padre, lanza una llamada de socorro a la Tierra para derrocar al tirano de su padre. Si investigamos un poco veremos que encontramos su origen en Italia. En realidad ambos países me valdrían para considerarlos relevantes en cuanto al protagonismo del movimiento se refiere.
Carl Theodor Dreyer, por su parte, apuesta por el realismo danés. Este es el nombre que se le da al movimiento que surgió por estas fechas y que se caracteriza por su luz tenue, la poca profundidad de campo y el aire onírico romántico lleno de suspense. Películas como "La novia de Glomdal" (1926) o "Juana de Arco" (1928), son dos ejemplos que se pueden interpretar como una declaración de intenciones. Solo gracias a la depuración de su estilo único llegaría más adelante a a hacer la película "Ordet" (1955).
Los directores que se unen al movimiento del expresionismo alemán son Robert Wiene, con su película "El gabinete del doctor Caligari" (1919), Murnau, siendo "Nosferatu" (1922) uno de sus mayores exponentes y Charles Klein, "Corazón Delator", una segunda adaptación conocida del clásico relato de Edgar Alan Poe, tras la realizada por Griffith en 1914. El expresionismo alemán pretendía expresar de una forma más subjetiva la naturaleza del ser humano y se altera el punto de vista, dando lugar a deformaciones de la realidad con un uso especial de la luz, los decorados y la escenografía.
Más adelante, Abel Gance se mete en la cabeza de los personajes usando un montaje muy arriesgado. Su película "La Roue" (1923), marca un antes y un después en la trayectoria del cine. Cocteau dijo de ella: "hay cine antes y después que La Rueda como hay pintura antes y después que Picasso". Se trata de una película de casi cuatro horas y media en la que se combinan técnicas de lo más innovadoras. Este movimiento impresionista se centra en la emoción y la realidad interior de los personajes, dejando en un segundo plano la acción y sus comportamientos. El director alemán Murnau, aunque experimentó con el lenguaje de otros movimientos, se cita como uno de los directores impresionistas más importantes hasta la fecha. Especialmente relevante es su película "El amanecer" (1927).
"El acorazado Potemkin" (1925), de Eisenstein, se presenta como un tipo de cine soviético antibelicista, en oposición al de Griffith. La escena de las escaleras es una de las más analizadas por los cinéfilos.
El naturalismo escandinavo, por su parte, al considerar la naturaleza como el único referente de la realidad, utiliza en sus películas luces naturales y espacios exteriores. Por lo general tratan de leyendas o dramas personales en el que las fuerzas de la naturaleza exteriorizan ese drama. Korkarlen, la película traducida al español como La Carreta Fantasma (1921), fue dirigida por Sjöström y está basada en la novela homónima de Selma Lagerlöf, que fue la primera mujer en obtener el premio Nobel de literatura.

Más adelante, en 1953, Buñuel se desvincularía del movimiento surrealista diciendo: "Yo ya no soy surrealista porque no pertenezco a ningún grupo. La reacción surrealista correspondió a determinada realidad; ahora comprendo que no se puede enfrentar la realidad exclusivamente con el surrealismo. Pero, aunque ya no pertenezco a grupo alguno, la educación, la disciplina surrealista están en mí. El surrealismo fracasó como revolución –una revolución no la pueden hacer treinta y tres individuos-; pero se integró a la vida en general."

En esencia, lo que experimentamos durante los años 20 es un periodo de posguerra lleno de incertidumbre en el que los artistas arremeten contra un pasado y una tradición indeseables. Muchos de los movimientos cinematográficos surgen como resultado de una apropiación de los movimientos pictóricos reinterpretados. El interés por encontrar un nuevo lenguaje más expresivo y comunicativo consigue que podamos sobrepasar los límites de lo racional para encontrar nuevas fórmulas que, una vez más, se encuentre fuera de esos límites de lo confortable.

1.4 El sonido de 1927 y la llegada del color en los años 30

El año 1927 es de una importancia demasiado relevante como para tratarlo como un año más de los años 20. Mientras que en España aparece la que probablemente sea la generación de poetas más importantes (me estoy refiriendo a la generación del 27), en el resto del mundo asistimos a la aparición de grandes hitos cinematográficos.

Por un lado tenemos el estreno de la película de Metrópolis, de Fritz Lang. El filme se inspira en la arquitectura de Nueva York y se desarrolla en el año 2026. Nos habla de una sociedad dividida en dos grupos: una élite de pensadores que viven en los rascacielos, y una casta de trabajadores, que viven bajo la ciudad y que trabajan sin cesar. Una crítica feroz cuya predicción no se aleja mucho de la realidad actual.
Se estrenaba ese mismo año el director Alfred Hitchcock con su primer largometraje, The Lodger, su película sirve como ejemplo para demostrar que se puede reunir en un solo formato todos los recursos expresivos de vanguardia.
Abel Gance experimenta con a triple pantalla panorámica en su película Napoleón.
Y por si fuera poco, la primera película con sonido sincronizado "The Jazz Singer" (1927). Esta innovación permitía todavía más posibilidades creativas. Su aparición permitirá más adelante el nacimiento de un nuevo género: El musical.

Para situarnos un poco más en el contexto de EEUU, diremos que la Ley Seca continuaba vigente desde 1920. Debido a ello, diversas mafias establecieron negocios clandestinos que fueron perseguidos hasta la derogación de la ley, 13 años más tarde, el 6 de diciembre de 1933.

Esta situación generó una violencia en las calles que incluían gánsteres, tiroteos y persecuciones. Del deseo de llevar al cine esta situación surgió el cine negro, y aunque Scarface (1932) se considera la primera película que forja los géneros populares del cine, realmente hubo muchas otras de las cuales se podría decir lo mismo.

En 1933, Benjamin Darrow, fundador de las escuelas de ondas de Ohio escribió un libro llamado "la radio, el ayudante del profesor", donde llegó a decir que la radio que iba a convertir en el principal medio de comunicación con el estudiante. No lo fue.

No olvidemos que en los años 30 llegaron a hacerse 70 películas de de gánsteres en poco menos de tres años.

Precisamente en ese mismo año (1932) se patenta una nueva técnica para proyectar imágenes en color. Lo hace Walt Disney con el primer corto de dibujos a todo color titulado "Flores y árboles", que daría lugar a lo que la historia ha catalogado como primer largometraje de animación a color "Blancanieves" (1937).
Aunque en sitios como este leeréis que "en 1936, Walt Disney inventó la cámara multiplano", y que "La usó por primera vez en Blancanieves y los siete enanitos", en realidad fue Lotte Reiniger quien se anticipó una década a su supuesto invento. Lo hizo en su película: "Las aventuras del príncipe Achmed" (1926).
Otra confusión que suele darse en sitios como este, es encontrar que frases como «primer largometraje de animación de la historia», en cambio, el primer largometraje es El Apóstol (1917), y lo dirigió Quirino Cristiani, y no se conserva ninguna imagen del original.

En Europa, durante los años 20, los vanguardistas se mantenían al margen de la industria del cine y se dedicaban sus atenciones a explorar con sus posibilidades más artística. Sobrepasar los límites de lo establecido parecía ser la norma. En EEUU, durante los años 30, los autores beben de esas fuentes y presenta un cine más asentado.

En otras palabras: Cuando los americanos se dan cuenta de los avances del lenguaje cinematográfico, la industria se apropia de ellos y redefine los géneros para hacerlos más asequibles al gran público.

El movimiento expresionista alemán, por ilustrar esta reflexión con un ejemplo claro, le sirve a James Whale para dirigir la películas Frankenstein (1931) (una adaptación de la novela de Mary Shelley).
Y el director Josef von Sternberg, por poner otro ejemplo, en la película "Blonde Venus" (1932), integra alguna escena inspirada en los autores surrealistas: nos muestra a una Marlene Dietrich irreconocible hasta que se quita el disfraz de gorila.
Por su parte, Robert Mamoulian utiliza la temática de las canciones incluidas en su película "Love me tonight" (1932) para integrarlas al desarrollo de la trama naciendo así lo que hoy consideramos el género musical. Las canciones ya no se incluyen como pequeños interludios como lo hacían en la película de Jazz Singer (1927), sino que forman parte de la trama.
"Bring up baby" (1938), para terminar con los ejemplos, se nos presenta como una comedia sonora de género humorístico interpretada por Katherine Hepburn.

La segunda mitad de esta década, Europa la vive con un tono más arrogante. Falta poco para que estalle la Segunda Guerra Mundial. En 1935 se estrena el documental "El triunfo de la Voluntad" (1935) de la directora Riefenstahl, donde se ve cómo los nazis entran en Francia; y en 1936, rueda las históricas olimpiadas alemanas, que se estrenarán con su trabajo "Olympia" (1936)

Es una etapa un tanto ambigua, donde convive en Europa el realismo poético de:

Jean Vigo: L'Atalante (1934)
Renoir: Toni (1935) La régle du jeu (1935) y La Gran Ilusión (1937)
Marcel Carné: Le Quai des brumes (1938);

Y el cine propagandístico de la Alemania nazi:

Hans Steinhoff: HitlerJungle Quex (1933)
Leni Riefenstahl: Triumph des Willens (1935) y Olympia (1936)
Fritz Hippler; Der ewige Jude (1940)

El realismo poético compartía el interés por temas fatalistas a menudo extraídos de las páginas de las obras de autores como Émile Zola o Leo Tolstoy. Los actores más emblemáticos del realismo poético francés fueron Michel Simon, Jean Gabin y Michèle Morgan.

En Alemania, la cosa era distinta. La redacción de la Ley del Cine (Lichstpielgesetz) entró en vigor el 1 de marzo de 1934. En esta Ley no se dejaba ningún punto al azar, se supervisarían todos los guiones literarios y se asegurarían de que todos cumplían con la ideología correcta. Aquí tienes más información sobre este tema

¿Pero qué son los años 30 si no una combinación de aires contrarios conviviendo extrañamente? Coincide el inicio de la Segunda Guerra Mundial con otro año muy importante en el cine: 1939. Durante ese año se estrenan tres películas cuyas protagonistas ofrecen tres puntos de vista diferentes sobre la monstruosidad de la guerra:

"Ninotchka" es una espía rusa que se acaba enamorando de la cultura occidental como si se tratase de propaganda anticomunista.
Dorothy es la protagonista del "Mago de Oz", que se hunde en un mundo de fantasía para evadirse de la realidad.
Scarlett O'Hara, en "Lo que el viento se llevó" suspira por el amor de un hombre comprometido, en la última fiesta antes del estallido de la Guerra de Secesión y conoce a otro hombre que solo piensa en sí mismo

Lo que podemos percibir en esta época es una verdadera innovación en el sentido más amplio de la palabra. Innovación artística, industrial, de entretenimiento, pero lo más importante, es que los autores empiezan a ser conscientes del cine como propaganda.

Para resumir, podría decirse que durante los años 30, el cine adquiere una forma más madura: EEUU comercializa ideas que provienen de Europa, y en Europa sacan a relucir el lado más poético y propagandístico del cine, que se verá reducido a cenizas con la llegada de la Segunda Guerra Mundial.

El fin de esta década coincide con el inicio de la guerra, y es un año que nos abre la puerta para darnos la bienvenida a los años 40. Una década, ya veremos, ensombrecida durante la primera mitad, y llena de escombros durante la segunda.

1.5 Años 40: La IIGM y ciudadano Kane

Llegamos a los años 40 sin haber hablado todavía del Slapstick. El slapckstick es esa comedia que recurre a las bromas exageradas de humor físico y que florecería entre los años 1900 a 1940 del cine y la televisión. Si quieres adelantarte de lo que veremos más adelante en otras clases, puedes echar un vistazo a este artículo: Slapstick

Al igual que en el apartado anterior, esta vez vamos a adentrarnos en una etapa en la que la producción de películas va a reducirse de una manera muy notable. Este capítulo tendrá dos secciones:

En la primera parte, durante la guerra, hablaré de lo que sucede en EEUU;
En la segunda parte, a partir del 45, me centraré en lo que sucede en Europa.

Vamos a ello:

1.5.1 Del 40 al 45

En la primera etapa, la guerra reaparece para destrozar vidas y en las películas se empiezan a evitar los planos románticos y las imágenes suaves. Poco a poco las películas empiezan a centrarse en atmósferas más tensas y en denuncias a la situación política internacional. Es un cine sometido a la presión de la censura, así que los autores, o bien se arriesgan a ser censurados, o bien expresan su frustración con un estilo pesimista.

En 1940 encontramos tres 3 cineastas europeos que destacan por las películas estadounidenses:

Chaplin utiliza su voz por primera vez en "El gran dictador" (1940) para ridiculizar a Hitler en una de las escenas más geniales que nos ha dado el cine.
Ernst Lubitsch rueda lo que muchos críticos consideran su mejor película: "Ser o no ser" (1940). Con la ayuda de su mujer y de los actores de su compañía, se hará pasar por un coronel cruel para entrar en el cuartel general de las SS y cumplir con una misión.
Y por último, pero no menos importante, Alfred Hitchcock se marcha a EEUU para trabajar en su película Rebeca (1940). Su decisión era lógica. En Inglaterra el cine siempre se había consideraba un mero entretenimiento creado para el consumo de las clases medias. Los americanos, en cambio, estaban entusiasmados con el talento del realizador. Muestra de ello es que consiguió el Oscar a la mejor película. También en esta década, pero 8 años después de Rebeca, rueda La soga (1948), su primera película en color.

Los cineastas estadounidenses también recurren a otras temáticas sin abandonar esa atmósfera sombría:

John Houston, en la película "El Halcón Maltés" (1941), vuelve a incorporar gánsteres y matones. Humphrey Bogart se impone como el gran protagonista de la escena (ese año apareció en cuatro películas).
No es hasta la llegada de "Ciudadano Kane" (1941), que el cine de Hollywood experimenta un cambio radical. Fue la primera película de Orson Wells y además fue escrita, interpretada y dirigida por él mismo con tan solo 25 años. Todo esto lo pudo hacer porque la productora RKO Pictures le dio absoluta libertad creativa.
Casablanca (1942) de Michael Curtiz, es considerada por la crítica como una de las mejores películas rodadas en Hollywood. Ver los ojos de Ingrid Bergman brillando y con destellos nos deja claro que nos encontrábamos frente al Hollywood más logrado. Eran iluminadores que habían estudiado pintura y que reflejaban muy bien el conflicto amoroso entre dos amantes, y el conflicto bélico de la Segunda Guerra Mundial.
También la película de "Perdición" (1944), de Billy Wilder nos acerca a la ciudad de Los Angeles para ver cómo un agente de una compañía de seguros y una cliente traman asesinar al marido de esta última para heredar su fortuna.

Durante la primera parte de la década de los 40, por tanto, nacen películas que dan pie al nacimiento del cine moderno: La evolución de las películas de gánsteres de los años 30 presenta personajes que meditan sobre su identidad, es un cine que reflexiona sobre su propia identidad y la de los personajes.

Además, gracias al desarrollo del sonido sincronizado, la palabra hablada adquiere una relevancia que no se conocía en la década anterior. En general empezamos a considerar el medio como un nuevo instrumento de conocimiento y de comunicación, y de eso se van a encargar los directores italianos, de comunicar:

1.5.2 Del 45 al 50

Llegamos al cine de escombros, donde el neorrealismo italiano se impone como uno de los referentes más importantes:

Roberto Rossellini en 1945, estrena "Roma, ciudad abierta". Esta y siete películas más en la misma década, lo sitúan como uno de los referentes más importantes de la historia del cine. Sus historias hablan de las consecuencias de la guerra y se ruedan en escenarios destrozados.
Vittorio di Sica en 1948, rueda "El ladrón de bicicletas" sigue la misma dinámica. Es una preciosa historia de responsabilidad familiar que centra en Antonio, un obrero en paro, que consigue un trabajo pegando carteles a condición de que posea una bicicleta. De ese modo, a duras penas consigue comprarse una. Cuando lo hace, en su primer día de trabajo se la roban. Es así como comienza la historia.
Otro referente del noerrealismo italiano es Visconti, que en 1948, estrena "La tierra tiembla". Es la primera parte de una trilogía sobre Sicilia. Su intención era rodar tres largometrajes sobre los trabajadores sicilianos: uno en torno a los pescadores, otro centrándose en los mineros, y otro más alrededor de los campesinos. El único que se llevó a cabo fue el episodio del mar, y se considera una de sus obras maestras.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial. Las películas ya sabían reflejar el sentimiento generalizado de Hollywood. El cine se volvió más oscuro, más cínico, más pesimista.

Además, en 1948, mueren Louis Jean Lumière, Eisenstein y Grifith. Los años 50 vendrán con una energía renovada en la que dejamos atrás la miseria y nos centramos en temas más alegres. Es una época en la que nos apetece, digamos, seguir cantando bajo la lluvia.

1.6 Años 50

"Hay tantas cosas de finales de los 50 relevantes para la actualidad", dijo Spielberg. "Viví la Guerra Fría y era muy consciente de la posibilidad de caminar por la calle y ver caer una luz blanca y ser atomizado. Era muy consciente de la delicadeza e inseguridad del momento, especialmente para los jóvenes".

1.6.1 En Occidente, el actor es el protagonista

Buñuel, del que ya hablamos en el apartado de vanguardias, en los años 50 abandona España y el surrealismo para marcharse a México y rodar "Los Olvidados" (1950). Freud se pone de moda; la histeria, el rock and roll y las ganas de salir a liderar una revolución entusiasta y jovial se apoderan de los artistas.

Se trata de un cine más centrado en la interpretación de los actores. Se han desarrollado con profundidad métodos para construir personajes sólidos, y Marty es un claro ejemplo. Se trata de un largometraje emitido en directo. Se retransmitió en "The Philco television Playhouse" el 24 de mayo de 1953.

Después, cuando pasaron dos años, el mismo guionista hizo un remake que estuvo nominado a ocho Oscars y se llevó los de mejor película, mejor director, mejor actor y mejor guion. Además, consigue el premio mayor en el festival de Cannes.

Ernest Borgnine, el protagonista de Marty (1953), fue quien anticipó la a eclosión estelar que permitiría desviar el rumbo de la interpretación en una dirección totalmente renovada. Hombres jóvenes malhumorados y sensibles atraen masas a las salas. Y además, aparece un método de interpretación creado por Stanislavski que ayudaría a expresar las emociones más profundas y más contenidas.

Montgromery Clift es uno de esos actores. Le seguirán luego James Dean, Marlon Brando y Paul Newman.

Eran actores que tenían entre veinticinco y treinta años. Habían vivido la guerra siendo niños, y ahora se les pedía en los rodajes que soltaran fuera todos esos sentimientos reprimidos. La consecuencia es una explosión de posibilidades interpretativas que no se había visto nunca antes en el cine.

La rebelión de los artistas que se dedican al cine ya no es tan social, sino más existencial. Películas en las que puede apreciarse lo descrito, son:

De aquí a la eternidad (1953), interpretada por Montgomery Clift
La ley del silencio (1954), interpretada por Marlon Brando
Rebelde sin causa (1955), interpretada por James Dean
Marcado por el odio (1956), interpretada por Paul Newman

Al igual que Elvis Presley, llevando por bandera el nuevo espíritu rebelde del rock and roll, son figuras que no tienen miedo a mostrarse enfadados o violentos, pero a su vez, tampoco se cortan al mostrarse delicados y tiernos.

Poco después, lo que encontramos son ejemplos de hombres desesperadamente solos obsesionados con el deseo de una mujer, y esto lo vemos en películas como:

Centauros del desierto (1956),
Vertigo (1958),
Sed de mal (1958)
Río Bravo (1959).

Son películas en las que los personajes tienen una moralidad oscura y hay grandes contrastes entre los protagonistas y los antagonistas. La transformación social permite a Hollywood hablar de temas que habían sido «tabúes». El sexo y las drogas, aparecen de un modo más directo, y en ocasiones, provoca el más desatado escándalo.

1.6.2 En Oriente, los protagonistas son Kurosawa y Satyajit Ray

Un protagonista es alguien que toma la iniciativa en la lucha. Ese es su significado etimológico. En griego protos- significa "el primero" y -agonistís "luchador". Los primeros protagonistas que comenzaron la lucha de los años 50 para cambiar la manera de contar historias fueron los directores Kurosawa, en Japón; y Satyajit Ray, en la India.

Es la primera vez que Oriente tiene un impacto tan directo en el cine occidental, pero su influencia no aparecerá hasta la siguiente década. En el primer caso, el director Kurosawa nos habla del afloramiento del individuo, pero sin egoísmos. Sus protagonistas son personas perseverantes que buscan mantener el honor por encima de sus propias vidas:

Los siete samuráis (1954), servirá de inspiración a John Ford para rodar "Los siete magníficos" (1960) y a Sergio Leone para hace "Por un puñado de dólares" (1964); A Kurosawa le gustaron las dos películas, pero en el caso de un Sergio Leone, habían cometieron una infracción legal. Entonces el estudio de Kurosawa le envió una carta que decía: "He visto tu película. Es una muy buena película. Desafortunadamente, es mi película". Y lo acusó de plagio, ganando el juicio.
Trono de sangre (1957), también de Kurosawa, es una adaptación de la obra de Shakespeare: Macbeth. Francis Ford Coppola se basaría en ella para rodar la escena del tiroteo de "El Padrino" (1972). Su influencia llegará también mucho más adelante en películas de Pixar como "A Bug's Life" (1998).

Kurosawa llegó a decir en su momento que no haber visto el cine de Satyajit Ray era como existir en este mundo sin haber visto el sol. Propone un cine más tierno, en contra de los artificios estadounidenses, y sus imágenes están mucho más centradas en las texturas y en los brillos.

Pather Panchali (La canción del camino) 1955
Aparajito (El invencible) 1956
Apur Sansar (El mundo de Apu) 1959

Os recomiendo leer este artículo si queréis saber algo más sobre él.

Los años 50, en definitiva, son una época en la que la masificación del cine se hace latente. En las películas aparecen protagonistas y antagonistas con unas diferencias muy marcadas. Se ponen de moda los finales inesperados y se empieza a cocinar lo que aparecería en la siguiente década con más claridad: Los insuperables años 60.

1.7 Cine de los 60: Europa y EEUU

Ya han pasado unos 65 años desde su nacimiento, El cine se ha constituido como una entidad respetable. Ya ha demostrado ser mucho más que un mero entretenimiento para unos pocos. Se ha abierto paso como el medio artístico por excelencia para contar historias.

Intervienen guionistas, productores, directores, actores, escenógrafos, técnicos, agencias de publicidad, músicos, diseñadores de moda... Como decíamos al principio, todo cabe en el cine. Todo el mundo tiene un lugar en el cine, y sus horizontes se van ampliando más y más a medida que va pasando el tiempo.

Los años 60 son muy convulsos, empezando por el aumento de población. Pasamos de 1.645 millones en el año 1.900, a 3.000 millones en en 1.960. Con la población casi duplicada en seis décadas, se inicia una revolución tecnológica accesible para uso doméstico. Los protagonistas de la historia del cine empiezan a desbordarse.

En 1961 se construye el muro de Berlín, pisamos la luna, las televisiones en color se instalan definitivamente en nuestras casas, aparecen drogas nuevas como el LSD. Los cineastas se proponen reflejar esos cambios y se han puesto de acuerdo para cambiar las películas para siempre. Ofrecen nuevas visiones de la nueva realidad.

También se dan los primeros coletazos con la tecnología online (ARPA, la precursora de internet). También se experimentan grandes cambios sociales. La escritora estadounidense Betty Friedan, por ejemplo, publicó en 1963 La mística de la feminidad, que describe la frustración de una generación de amas de casa con estudios universitarios que se sentían atrapadas e insatisfechas

La otra cara que terrible de los años 60 es la trágica muerte de Marilyn Monroe por exceso de medicamentos, también Judy Garland fallece a causa de un exceso de drogas. Se suicida con un disparo en la cabeza el escritor Ernest Hemingway, y otras balas acaban con la vida del presidente Kennedy y Martin Luther King. Sharon Tate, la mujer del director Polanski, muere también asesinada junto con otras cuatro personas en un crimen satánico protagonizada por la secta de Charles Manson.

Mientras tanto, llegan las minifaldas y el bikini. Los Beatles hicieron historia al convertirse en la primera banda en ser transmitida mundialmente por televisión, con una audiencia de aproximadamente 400 millones de personas. Y otros ídolos musicales que surgieron en los 60 rompen con el panorama musical, aquí unos cuantos: The Rolling Stones, Jimi Hendrix, The Doors, Pink Floyd, The Bee Gees y Led Zeppelin

Además, muchos son los eventos que hay que destacar en muchos países. En Europa:

En España, Berlanga rueda cinco de sus películas más importantes. Algunas de ellas pertenecientes al género de comedia coral (Plácido, 1961), otras más cerca del cine negro (El verdugo, 1963).
En Francia, el grupo de la Nouvelle Vague (nueva ola) integra una iniciativa intelectual centrada en el existencialismo y en la incertidumbre como tema central de la vida moderna.
También en Gran Bretaña aparece el cine social a manos de Ken Loach y Karel Reisz.
En Italia, Fellini, Passolini, Visconti y Antonioni muestran en sus imágenes la infinita capacidad poética del cine.
Polanski, en Polonia emigra para conquistar Hollywood en compañía de su mujer Sharon Tate, quien acaba siendo asesinada por la familia, un secta dirigida por Charles Manson.
El director ruso Tarkovsky, indiscutible figura del cine universal, hace lo que hacen los maestros: Obras maestras como "La infancia de Iván" (1962) o "Andréi Rubliov" (1966)
Mientras que, ya por último, en Suecia, Ingmar Bergman incorpora al cine la esencia del teatro.

Es una de las etapas más apasionantes y creativas del cine. Así es como conluye este estudio. Lo más destacable de esta década es, sin duda alguna, el cine de autor. Es decir, la proliferación de creadores con independencia de pensamiento capaces de soltar un mensaje directo y profundo llenos de belleza y reflexión.

¿Pero qué sucede en EEUU?

En 1968 aparecieron películas que inauguraban géneros. Odisea en el espacio, de Kubrick; Teorema, de Pasolini; Memorias del subdesarrollo, el planeta de los simios; la muerte de las noches vivientes. Todas abrían nuevos espacios.

También aparece un nuevo tipo de documental: Primary (1969), filmado por Robert Drew. Adopta y aplica lo aprendido en la propaganda de la Alemania nazi, pero de un modo más amable. John F. Kennedy protagonizan las elecciones primarias del Partido Demócrata. Además, también destacan los siguientes directores:

El exitoso Billy Wilder. Con su estilo cínico, su ironía y su sátira social, estaba fuera de sintonía de esa generación que buscaba la revolución y la experimentación individual.
Robert Wise Demostró una flexibilidad inusual. Fue un eficiente maestro que se comprometió ante todo a transmitir un profundo sentido de la realidad en sus películas.
Orson Welles. El director con mayor independencia de la historia de Hollywood, revolucionó además la radio y el teatro norteamericanos. El cineasta llegó a ser el mejor pagado de la historia, y compaginó la faceta de actor con la de director.
Mike Nichols fue un director de cine y teatro, productor, actor y comediante estadounidense que destacó por su capacidad para trabajar en una amplia variedad de géneros y por su aptitud para sacar lo mejor de los actores, independientemente de su experiencia
Kubrick es el director global por excelencia. Su vida acaba en 1999 y su cuidada filmografía podría servir para explicar toda la historia del cine.
Peckinpah fue otro director de cine y guionista estadounidense conocido por películas extremadamente violentas pero a menudo líricas. Exploró como ningún otro cuestiones de moralidad e identidad.
Milos Forman. Destacó por centrarse en la inspiración divina de la locura, en la ambigüedad del comportamiento humano, y en la legitimidad para protestar contra la opresión y los matones de todo tipo.

Lo que tienen en común es que, al igual que en Europa, los creadores ofrecen nuevas visiones de la realidad, cambiando el rol que hasta entonces tenía el cine y en Hollywood entra un nuevo aire fresco y lozano en el que directores y guionistas se preparan para satirizar la realidad tan turbulenta.

1.8 Los taquillazos de finales de los 70

La editorial Taschen publicó un libro de los años 70 en el cine que decía lo siguiente: "Para muchos amantes del cine la década de 1970 representa una cima de la creatividad, una edad de oro de muchos directores, que lograban sus mayores éxitos".

Parece que las posibilidades del lenguaje cinematográfico se van agotando, pero renace el interés por variar el rumbo de la industria. Una joven generación de directores ansiosos por el control creativo, consiguen fundar sus propias empresas que se lo permitían.

George Lucas, crea la productora LucasFilm (1971)
Francis Ford Coppola, funda la productora Zoetrope (1979)
Steven Spielberg, constituye la productora Amblin (1981)

Este deseo por ser los únicos dueños de su voluntad tiene un antecedente, y es el histórico mayo del 68. Las revueltas estudiantiles que alteraban el orden, supuso el pistoletazo de salida para una década subversiva, contracultural y de rechazo a la autoridad.

Lo que hay que considerar por encima de todo es la diversidad de estilos, la llegada de los videoclubs y la llegada del cine a casa. Por primera vez, cualquiera que tuviese un aparato de vídeo y una televisión en su casa, podría disfrutar de una buena película en familia sin necesidad de ir a ningún sitio. Aumentando así la rentabilidad del negocio.

Como esta situación no se había dado previamente en la historia del cine, los cineastas más espabilados aprovechan la oportunidad y nacen los grandes taquillazos.

1973 EL EXORCISTA: Recaudó 441.306.145 USD, habiendo invertido solo 12 millones.
1974 TIBURÓN: Recaudó 470.600.000 USD, habiendo invertido solo 9 millones.
1975 LA GUERRA DE LAS GALAXIAS: Recaudó 775.000.000 USD y costó 13 millones.
1979 ALIEN: 106.300.000 USD, con un presupuesto de 11 millones.

Son cifras difíciles de asimilar. Es difícil hacerse una idea de lo que significan tantos números juntos. Pero desde luego, no había duda alguna de que la industria estaba experimentando una época de bonanza inimaginable hasta el momento. A ello, hay que añadir que la variedad de géneros de esta década no es exclusiva del mundo del cine.

Aunque pueda parecer que no tiene mucho que ver con el cine, sale al mercado la primera videoconsola casera llamada Magnavox Odyssey. Es el inicio de un nuevo lenguaje en la pantalla que evolucionará a pasos agigantados y que, con el tiempo, influirá también en el lenguaje cinematográfico. Pues hemos visto ya que todas las disciplinas se retroalimentan. Por si fuera poco, Steve Jobs funda Apple Computer.

Sin duda alguna, en los años 70 explotó una verdadera revolución tecnológica. Por desgracia, somos testigos de la muerte de Chaplin (1977) y del fallecimiento de John Wayne (1979). El primero, símbolo de la comedia; el segundo, icono emblemático considerado el más taquillero de la historia.

1.9 El fantástico cine de los 80.

(Esta información del cine de los ochenta la obtuve de este artículo)

El academicismo se apropió de las propuestas “serias” de los estudios, algo que se extendió posteriormente a los Oscar (que optaron por reconocer títulos conservadores como ‘Gente Corriente’, ‘Carros de Fuego’, ‘Ghandi’ o ‘Paseando a Miss Daisy’).

Solo ocho películas estrenadas durante los 80 aparecen en el top de las 100 mejores películas de la historia para el American Film Institute. En cambio, la década de los 80 fue la época dorada del cine juvenil.

Lo primero que pensamos a la hora de hablar del cine de los 80 es en escapismo, ya sea fantasioso (ciencia ficción) o geográfico (paisajes exóticos). Es un momento en el que la industria dejó sacar a sus directores y guionistas el niño que todos llevamos dentro.

El riesgo económico era relativo y las producciones estaban dirigidas a un mercado descuidado hasta entonces por Hollywood: los niños y los adolescentes. Si la apuesta era un fracaso, no habría grandes pérdidas… Pero si triunfaba, la rentabilidad sería alta y se estaría abriendo un nuevo mercado. La apuesta funcionó y el cine volvió a cambiar.

Las aventuras y la fantasía fueron dos de los géneros más beneficiados por esta nueva corriente. Los directores y guionistas estaban más preocupados por impactar y emocionar al espectador, que en ofrecer nuevas maneras de enfocar el cine. Se crearon películas mágicas que se quedarán para siempre con cualquier espectador que las viese durante su infancia.

En los 80, un director de fotografía tenía que saber exactamente lo que estaba haciendo en lo que respecta a la iluminación y la exposición de la película. No había fotografía digital en ese momento y muy pocas posibilidades de volver a hacerlo si no salía bien, ya que los resultados de tu trabajo se proyectaron al día siguiente después del procesamiento y la impresión del trabajo.

‘La historia interminable’, ‘Los Gremlins’, ‘Dentro del laberinto’, ‘Los Goonies’, ‘El Secreto de la Pirámide’, 'Indiana Jones' o ‘Los Cazafantasmas’ han sufrido (lógicamente) el paso del tiempo, pero la mayoría de sus historias se mantienen sólidas como el hierro.

Hablar de cine juvenil y de los años ochenta es hablar de John Hughes, un cineasta particular decidió que su filmografía estaría anclada en una fase vital fundamental y que no había sido explotada en el cine: la adolescencia

1.10 Cine de los 90. La llegada del cine digital y Dogma

Algunos han catalogado la década de los años 90 como una década de cultura pop recreativa, carente de reflexión y con exceso de películas de rápido consumo. También hay quien se aferra al sentimiento 'grunge' underground como alternativa.

Juan Sanguino, en su libro "Generación Titanic", nos habla de una década que vio nacer y morir a la comedia romántica: "Las bandas sonoras parecían a veces la única razón de ser de películas enteras, el cine de terror se puso de moda dos veces distintas y los avances tecnológicos permitieron pasar en dos años de la chatarra física (Speed) a la destrucción masiva digital (Independence Day)". Luego añade: "Los 90 es la última década en la que el cine comercial era bueno, y el cine bueno era comercial".

Creo que sería buen momento para hablar ahora de la teoría de la modernidad líquida propuesta por Bauman. La explicación es que:

Los líquidos y los gases tienen la cualidad de la fluidez, sufren continuos cambios y no conservan con facilidad su forma. Las “cosas líquidas” no se atan de ninguna forma al espacio ni al tiempo, son libres de fluir por donde quieran, pero siempre de manera momentánea.
Se distinguen de los sólidos porque son elementos con forma definida y fija. Claramente no cuentan con la libertad de fluir y no se desplazan con facilidad, son fijos y tienen una forma definida y son perdurables: ocupando un espacio y un tiempo determinado.

Lo que propone Bauman es asociar las cualidades de la liquidez a nuestra realidad actual. En la vida todas las cosas fluyen, se desplazan, se desbordan, se filtran y gotean, siempre por un periodo de tiempo limitado y sin ocupar un espacio concreto y definido. En sus propias palabras:

“Hoy la mayor preocupación de nuestra vida social e individual consiste en prevenir que las cosas se queden fijas. Estamos acostumbrados a un tiempo veloz, seguros de que las cosas no van a durar mucho, de que van a aparecer nuevas oportunidades que van a devaluar las existentes. Y esto sucede en todos los aspectos de la vida.

Tanto con los objetos materiales como con las relaciones sociales. Incluso con la visión que tenemos de nosotros mismos. Todo cambia de un momento a otro, somos conscientes de que somos cambiables y por lo tanto tenemos miedo de fijar nada para siempre. Probablemente su gobierno le pida a sus ciudadanos que sean flexibles.

¿Qué significa ser flexible? Significa que no estés comprometido con nada para siempre, sino listo para cambiar la sintonía, la mente, en cualquier momento en el que sea requerido. Esto crea una situación líquida. Como un líquido en un vaso, que en el que el más ligero empujón, cambia la forma del agua. Y esto está por todas partes”.

Pasemos ahora a debatir sobre qué es el cine. Después de todo, la historia no es más que una revisión.

1.11 Los 2000: Crónica de una muerte anunciada

Llega el nuevo milenio y dos aviones se estrellan contra las torres gemelas. La guerra de Occidente contra Oriente Próximo invaden las pantallas de los televisores. Entra en auge una nueva manera de hacer política, y la comunicación social se basa fundamentalmente en lo que decimos a través de pantallas. Somos píxeles.

La tecnología global (incluyendo redes sociales y la tecnología móvil) permite que exista un cine más comprometido socialmente y también políticamente. Esta década de 2000 fue la última del cine tal como lo conocíamos, y es que a mayor parte del cine rodado en esta época es en formato digital, y además:

Tiene una estructura desordenada,
Se desenvuelve en escenarios virtuales,
Es testigo de adaptaciones de cómic de alta calidad.

The Village (2004), de Night Shyamalan

Una historia de violencia (2005), de David Cronenberg, que se puede entender como una relectura de la película de "Falso culpable" y de "La sombra de la duda", ambas de Hitchcock. Es una casa idílica que acaba convirtiéndose en una casa de pesadillas. Entran unos asesinos en una cafetería y el dueño se carga a Parece una versión de

Hijo de los hombres (2006), de Alfonso Cuarón

1.12 Los años 10 del siglo XXI

La Gran Recesión empezó en el 2008, que coincide con el estreno de la película de Wall-e, donde un robot basurero deambula por un mundo deshabitado tratando de encontrar alguna esperanza de salvarlo. En el año 2011, para evitar la bancarrota provocada por la Gran Recesión, Portugal pide el rescate a la Unión Europa tal y como hicieron Irlanda y Grecia un año antes.

2011 es el año en el que EEUU asesina al líder de la organización terrorista Al Qaeda, Osama bin Laden, y el movimiento 15-M se manifiesta para expresar su indignación. Estrenos interesantes de esta época son la película de Lars von Trier; Melancolia y El árbol de la vida, de Terrence Malick.

Dan el pistoletazo de salida a una etapa catastrofista en la que aparecen nuevas formas de imaginar el fin del mundo y se ponen de moda las representaciones apocalípticas y a la vez esperanzadoras.

También en el 2011, se estrena una de las series más oscuras y delirantes: Black Mirror. En su primer episodio, se presenta una imagen que bien podría representar la obscenidad comunicativa contemporánea.

El planteamiento de partida de es el secuestro de una princesa británica. Los secuestradores, para devolver a la princesa sana y salva, piden que se retransmita en directo al primer ministro manteniendo relaciones sexuales con un cerdo. Le piden que lo haga en horario de máxima audiencia, y los RT y los likes del acontecimiento van generando un gran despliegue que hace que el escándalo se vuelva protagonista.

Además de estos estrenos, la vida sigue. El Papa Ratzinger renuncia a su cargo, como también lo hace el rey Juan Carlos I. En 2015, el Tribunal Supremo de los Estados Unidos aprueba el matrimonio entre personas del mismo sexo en toda la nación y en 2016, Reino Unido decide en un referéndum su salida de la Unión Europea

Eventos como el de Donald Trump accediendo a la presidencia de los EEUU en 2017 no hace falta ni mencionarlos. Aunque no se recuerda muy a menudo, se une con UK y Francia para bombardear Siria.

Termina la segunda década del siglo XXI con el primer brote de COVID-19 en China (2019) y nunca volveríamos a ver el mundo con los mismos ojos.

Pasemos ahora a debatir sobre qué es el cine. Después de todo, la historia no es más que una revisión.

1.12 Ver ya no es creer

Lo que hay que dejar claro al final de todo esto, es que el cine, es una de las disciplinas más poderosas en cuanto a que, además de ser un arte, es entretenimiento, un negocio y una plataforma de propaganda.

En clase hemos reflexionado sobre ello prestando atención a lo que sucedía en las diferentes décadas. Y como todo lo que evoluciona, hemos asistido a sus cambios. De esos cambios hablaremos ahora.

Son cambios que ha experimentado tanto el espectador como la industria. Cambios que se producen en gran parte como consecuencia del deseo de adaptarnos al entorno para poder sobrevivir.

¿Y qué es lo que sucede cuando un ser humano desea adaptarse a una sociedad cada vez más tecnológica? ¿Cómo han afectado esos cambios a la manera de crear cine?

Queda el debate abierto. Aquí propongo algunas preguntas que nos harán reflexionar al respecto:

Si el cine es una industria manufacturera, cultural, de comunicación, y necesita ser rentable para perdurar. ¿Cómo se las ingenia ahora el cine para hacer una película rentable? ¿Creéis que es lícito el uso hace de la publicidad?
El cine necesita un formato. Hemos pasado de las salas nickelodeon a las salas de cine, pero también hemos explicado la llegada de los videoclubs, los DVDs y las películas en streaming: ¿Cómo se las ingenia las salas de cine para competir con el formato de las nuevas plataformas online? ¿Cuánta vida creéis que le queda al cine tal y como lo entendemos?
Si el cine es comunicación y lenguaje: ¿Cómo influyen los mensajes inmediatos en el cine? ¿Creéis que afecta al guion? ¿Conoces el concepto de hibridación de géneros?
Hablemos también de la volatilidad del contenido y el efecto sedante que produce el hecho de saciar instantáneamente nuestros apetitos como espectadores. ¿Creéis que la hibridación de los géneros de la que hablábamos en la pregunta anterior tiene que ver con la asimilación de este nuevo lenguaje inmediato?
El cine como evasión. Otra de las características mágicas del cine era su capacidad para evadirnos y poner un paréntesis en nuestras ajetreadas vidas. Al ver una película hoy ¿realmente nos evadimos para asistir al mundo que nos ha creado el autor, o durante el visionado seguimos anclados a este mundo? Y ya por último… ¿Conocéis algún autor de cine que os muestre mundos nuevos? ¿Alguno que os muestre este mundo desde un punto de vista alternativo? ¿Algún "autotal" de los que vimos el año pasado? Empecemos el debate…

Hagamos una película rentable.

Para que la industria cinematográfica siga funcionando como en estas últimas décadas, las salas de cine han tenido que ir estrenando películas que tienen que pasar previamente por una directiva que aplica filtros muy extremistas. Pongamos como ejemplo la cantidad de remakes que ha hecho Disney entre los años 2017 y 2019 para comprobar que la afirmación no necesita mucho esfuerzo para ser argumentada:

Frozen 2 (2019), Toy Story 4 (2019), El Rey León (2019), Maléfica 2 (2019), Aladín (2019), Dumbo (2019), el regreso de Mary Poppins (2018), El cascanueces y los cuatro reinos (2018), Los increíbles 2 (2018), Han Solo: Una historia de Star Wars (2018), Star Wars: Episodio VIII (2017), Cars 3 (2017), Piratas del Caribe: La Venganza (2017), La bella y la bestia (2017), Guardianes de la Galaxia 2 (2017), Thor 3 (2017)...

La empresa Disney (pionera por su carácter innovador en sus orígenes), entra en los años 20 del siglo XXI repitiendo lo que ya dijo hace un siglo. Y lo que el cine pierde al actuar de esta manera es la idea, el pensamiento revolucionario, y en definitiva, la genialidad. La industria, si se centra demasiado en sus cifras, pierde la capacidad de generar ideas nuevas porque deja de asumir riesgos. Pierde gran parte de su carácter esencial.

También los precios en las salas de cine han cambiado. Si el enfoque es meramente económico, si solo se busca obtener rentabilidad de la película, también habrá que incluir publicidad antes de la película, incluso durante la película (veremos en el apartado de publicidad las estrategias para incluirla en una película sin darnos cuenta).

A pesar de que paguemos entre 9,40 (tarifa normal en el kinepolis) y 14,70 (tarifa 4d), nadie nos va a permitir la opción de renunciar a ver la publicidad. De hecho, la cantidad de anuncios que nos muestran al inicio de cada película cada vez es mayor, y pagando esa cantidad de dinero, creo que deberíamos tener el derecho de elegir no ser bombardeados por esa publicidad.

Podemos hablar también de la aceptación de la incorporación de la publicidad a nuestro tiempo de ocio como algo ineludible.

También las plataformas han cambiado

Paralelamente a este modelo más tradicional que plantean los académicos vistos en el curso, la producción contemporánea de películas se ha ido amoldando a un nuevo modelo conocido como televisión de pago (Netflix, HBO, Amazon prime, Movistar +...).

Por lo general, estas plataformas ofrecen lo que el espectador actual está buscando: entretenimiento accesible e instantáneo, la posibilidad de un visionado con mayor diversidad lingüística y la opción de pasar las escenas apretando solo un botón.

El mensaje inmediato

Son plataformas que tienen muy en cuenta al nuevo espectador cuyo tiempo de atención es muy reducido.

Volatilidad del contenido

Si el tiempo de atención es reducido, entonces la retención del contenido por pate del espectador es menor, y entonces, la naturaleza del mensaje, por contundente que sea, es más volátil.

El cine como evasión

Podemos pensar con nostalgia y argumentar sin mucho esfuerzo que ya se ha perdido ese romanticismo que originó el cine, esa sensación de silencio que se prolongaba al final y al inicio de cada proyección. Hemos dejado de experimentar esa magia de aislarnos del mundo, de vivir en otros nuevos. Y no estaríamos muy equivocados si dijéramos que hoy ese silencio se está llenando del ruido generado por la sobrepoblación, con sus coches, la intromisión de las redes sociales en nuestra vida, la integración total de la imagen en movimiento a nuestro modo de vida.

Estos factores también nos afectan como espectadores, ya que la publicidad que en ellas aparece la entendemos como algo habitual e inherente al formato audiovisual de nuestro tiempo.

Conclusiones

Podemos acabar diciendo que las intenciones y las características del usuario que consume, las de la productora que crea el contenido y los intereses de las distribuidoras que comercian con el producto audiovisual (sea cine, redes sociales, publicidad...), distan mucho del perfil medio de inicios del siglo XX.

La vida que le queda al cine, no la conocemos. Pero se irá transformando con los tiempos. Se irá amoldando, se irá sintiendo inadaptada, luchará por volver a adaptarse, tal y como haremos nosotros.

Este contexto en el que vivimos también abre un nuevo mundo de posibilidades, y en mi opinión, creo que esta nueva situación es más excitante aún que lo que hemos vivido hasta ahora. Solo hay que seguir prestando atención. Porque las cosas solo dejan de existir cuando se deja de pensar en ellas.

5. Organigrama

Aquí para verlo completo

Algunos apuntes para empezar a hablar de la Historia del cine en Oriente:

En Japón, Minoru Murata, influido por la obra de D. W. Griffith, realizó Almas en el camino (1921). Es una película atípica para los japoneses, ya que la tradición allí era mostrar imágenes sin profundidad de campo. Se considera la primera película japonés con montaje en paralelo y la primera obra maestra del cine japonés

Mientras tanto, los años 30 de Oriente se viven también con un aire bastante turbulento. En 1931 vemos cómo Japón invade China, y la atención de los creadores se carga de una extraña sutileza que a Occidente aún le cuesta asimilar en tiempos tan tensos. ¿Qué estaban haciendo en oriente?

Por un lado, Yasujiro Ozu rodaba la película I was born, but… (1932), una película centrada en el bullying.
Ruan Lyng Yu aparece en The Goddess, donde el crítico Mark Cousins encontró allí el origen de la interpretación realista.
Por último, el director japonés Kenji Mizoguchi experimenta sutilmente con la composición occidental en su film Osaka Elegy.

Después, en Checoslovaquia hay que citar a Vera Chytiová, quien rueda Daisies (1966): "si en este mundo todo está corrompido, estaremos corrompidas nosotras también".

Así se activa el mecanismo que pone en marcha la película: una tras otra, se irán produciendo escenas inconexas en las cuáles las dos protagonistas juegan a ser malas con su entorno;

A Trnka (ilustrador, (ilustrador, escenógrafo y director checo) también lo citaría, que rueda un cortometraje titulado "La mano" (1965) en la que al protagonista se la aparece una televisión de repente.

Miklós Jancsó, húngaro, rueda "Los Rojos y los blancos" (1968) en la frontera rusa durante la IIGM, donde los Blancos zaristas se enfrentan a los Rojos bolcheviques.

Por citar algo de lo que sucedía en el cine (además de en Europa y EEUU), podemos citar otros países que ofrecen alternativas interesantes:

En Japón destacan Oshima, Inamura, Yasujiro Ozu.
En la India Ritwik Ghatak rueda The cloud Capped Star (1960) y Uski Roti filma Mani Kaul (1970)
En Brasil Glauber Rocha y Mikhail Kalatozov (1964)
En Irán Forugh Farrokhzad; La casa es negra (1963)
En Senegal hay que mencionar al fundador del cine africano Osumane Sembene, con su película Black girl (1969)

En los 70, además, mueren personajes históricos como:

Malcolm X, recibía cuatro balazos en el pecho que acababan con su vida
Jim Morrison aparece muerto en su bañera tras haber consumido drogas.
Jimi Hendrix, aspiró su propio vómito causándole una asfixia tras una intoxicación de barbitúricos.
Janis Joplin, una sobredosis de heroína se la llevó justo cuando iba a lanzar su disco más ambicioso. Pearl.

1970. Woodstock (Michael Wadleigh). Más de tres horas sobre el imprescindible festival de música que cambió a toda una generación y cerró la década de los sesenta. Un documento imprescindible.
1970. El topo (Alejando Jodorowsky). Surrealista película ambientada en el viejo oeste que sigue siendo la obra maestra de Jodorowsky. Nos sirvió para recordar como el espíritu de las vanguardias de los años veinte seguía vivo.
1971. Harold y Maude (Hal Ashby). Cuanta la vida de un niño que se enamora de una mujer, y ella le enseña a vivir de un modo más maduro.
1971. Muerte en Venecia (Luchino Visconti), demostró que el cine puede estar a la altura de las grandes obras literarias llevando a la pantalla la novela de Thomas Mann. No solo nos contó la historia, sino que captura una sensación de decadencia romántica difícil de olvidar.
1971. Out 1 (Jacques Rivette). En principio iba a ser una serie que nunca se emitió. El resultado es una película de 13 horas dividida en 6 partes que conforma la más completa y definitiva mirada a la Francia de la Nouvelle Vague y el Mayo del 68.
1972-73-78. Trilogía de la infancia (Bill Douglas) Como antes Ray con 'La trilogía de Apu' y después Linklater en 'Boyhood', Douglas capturó la infancia de este joven de una aldea minera, desde su niñez hasta su edad adulta, llena de bellas dificultades.
1972. Cabaret (Bob Fosse) Musical referencia del género.
1972. El Padrino (Coppola) Para muchos, la mejor película de la historia del cine.
1973. El espíritu de la colmena (Víctor Erice) Una rareza que pasó inexplicablemente la censura franquista.
1973. El exorcista (William Friedkin) Los efectos especiales afectaron a nuestra experiencia emocional.
1973. La noche americana (Truffaut) El cine dentro del cine. Se rueda la historia de un rodaje.
1974. Alicia en las ciudades (Wim Wenders) Un adulto y una niña desconocida recorren EEUU.
1974. Chinatown (Roman Polanski) Último gran clásico de cine negro.
1975. Barry Lyndon (Kubrick) Rodó todo con luz natural, incluso en interiores nocturnos. Toda una proeza.
1975. Alguien voló sobre el nido del cuco (Milos Forman) 5 oscars. Replantea los método psiquiátricos.
1975 Tarde de perros. (Sidney Lumet). Dos ladrones sin experiencia asaltan un banco cuyo fin es hacerse con un importante botín que permita a Sonny pagar la operación de cambio de sexo de su novio.
1975. Tiburón (Spielberg) Nadie volvería a meterse en la playa sin sentir miedo a ser devorado.
1976 Taxi driver (Martin Scorsese) Un excombatiente de Vietnam, incomunicado y al margen de la sociedad, terminará adoptando el rol de justiciero para arremeter violentamente contra la misma violencia.
1977. Annie Hall (Woody Allen) Woody Allen, interpreta a Alvy Singer, y nos cuenta por medio de flashbacks qué no funcionó su relación con Hall.
1977. Cabeza borradora (David Lynch) Una historia surrealista en la que el protagonista Henry Spencer se entera entonces de que ha sido padre de un bebé prematuro e inhumano.
1978. Días del cielo (Terrence Malick) cuenta la historia de un triángulo amoroso entre Abby, un terrateniente rico con el quien se casó, y su novio, quien le animó a casarse para así conseguir su fortuna.
1979. Apocalypse Now (Francis Ford Coppola) Captó la locura del combate como ninguna otra.
1979. Manhattan (Woody Allen) Oda a la ciudad de Nueva York, al jazz y a las "cosas que hacen que valga la pena vivir".

Seguiré la misma dinámica que en la década anterior. Hablaré de las películas más destacadas, e intentaré luego hacer una síntesis de las características.

‘Pretty Woman‘ (Garry Marshall, 1990)
La película presenta un reflejo embellecido de nuestra sociedad. Narra la historia de una prostituta que se enamora de un hombre rico y con el que se va de compras. El punto de partida sirvió para recibir muchas críticas: Por un lado, no presentaba un retrato realista de la prostitución. Por otro, presentaba un un retrato realista de la cultura de consumo.
‘Ghost‘ (Jerry Zucker, 1990)
Una de las grandes características del cine de los años 90 es que se convirtiese en un evento masivo que aspirase a conquistar a todo el mundo. Querían estrenar algo de lo que todo el mundo hablase. Ghost es un claro ejemplo de ello. Lo tiene todo: Drama, eventos sobrenaturales. un romance, comedia, thriller, partes picantes, pero es también un thriller. Y encima, dirigido a todos los públicos. Se trata de una película arriesgadísima que creía profundamente en sí misma. En un momento en el que a Hollywood no le interesaba el amor, demostró que podía ser tremendamente rentable.
Solo en casa (Chris Columbus, 1990)
Una película de comedia infantil en la que el protagonista de ocho años se queda solo en casa y hace travesuras con los ladrones que quieren entrar en la casa.
‘El silencio de los corderos’ (Demme, 1991),
‘Terminator 2’ (Cameron, 1991),
‘Sin Perdón’ (Eastwood, 1992),
‘Bram Stoker’s Dracula’ (Coppola, 1992),
‘Pulp Fiction’ (Tarantino, 1994),
‘Lost Highway’ (Lynch, 1996), ‘
’Titanic’ (Cameron, 1997)
‘La delgada línea roja’ (Malick, 1998).
‘Magnolia’ (P.T Anderson, 1999)
’Una historia verdadera’ (David Lynch, 1999)

Hablar de cine juvenil y de los años ochenta es hablar de John Hughes, un cineasta particular decidió que su filmografía estaría anclada en una fase vital fundamental y que no había sido explotada en el cine: la adolescencia

También la animación de los 80 juega un papel muy importante, especialmente la animación nipona:

Totoro
Akira
La tumba de las luciérnagas

En España, florece el amor surrealista a manos de José Luis Cuerda, pero también sale a relucir la crudeza de la España profunda.

Amanece que no es poco

Los santos inocentes

Otras películas que hablan de la adolescencia pero son más difíciles de catalogar son las siguientes:

El club de los poetas muertos
ET

Y otras películas dignas de mención que no sabría cómo destacar sus cualidades, son:

El resplandor
La chaqueta metálica
Blade Runner