IMAGO | Hartes

IMAGO

MESOPOTAMIA EGIPTO GRECIA EDAD MEDIA RENACIMIENTO BARROCO SIGLO XIX

LA IMAGEN Y SU REPRESENTACIÓN

La palabra imagen procede del latín (IMAGO) y significa figura, sombra o imitación. Cuando decimos que las imágenes representan el mundo, lo que estamos diciendo es que no son el mundo, sino que lo imitan.

En el libro de Platón titulado La República, hay una frase de Sócrates que dice: "Esta representación consiste en algo que dista mucho de la verdad". Se ve que el filósofo no tenía en alta consideración a la imagen.

Para él, la pintura y la poesía eran formas de mímesis. Copiaban la realidad, y por tanto estaban en una escala muy baja de conocimiento en comparación con otras disciplinas como la lógica, las matemáticas o la geometría.

Indiscutiblemente, los cuadros de un pintor constituyen un mundo visual diferente al que habitamos, pero no por ello habría que despreciarlos, sino que aquí os invito a habitarlos y a vivirlos con el entusiasmo merecido.

Etimológicamente, la palabra representación, significa volver (re-) a estar delante (pre-) de algo. Y esta idea de que lo que vemos en la imagen no es real, sino la repetición de algo, va a ser una de nuestras líneas argumentales.

En esta primera lección nos limitaremos a abordar el concepto de "imagen" como toda aquella representación del mundo dinámico y tridimensional sobre una superficie estática y plana. Por tanto aquí no hablaremos de:

Las imágenes tridimensionales (las esculturas, la arquitectura...)
Las imágenes sin soporte (las ensoñaciones, las alucinaciones, los hologramas...)
Las imágenes eventuales de dispositivos mediáticos (vídeos de televisión, ordenador, pantalla del móvil...)
Las imágenes en movimiento (los reflejos de un espejo, los ovnis, las algas del mar, una mascota...)

Partiendo pues de esta idea platónica de que la imagen no es más que algo incierto (en el sentido estricto del término), y tras invitaros a participar en esos mundos con entusiasmo, me gustaría preguntar ahora:

Si el objetivo no es decir la verdad, ¿cuál es el verdadero objetivo de una imagen?

David Hockney en su libro "Una historia de las imágenes", sostiene que la imagen es "un modo de conocimiento y de comunicación". Pero no estoy muy de acuerdo con esa afirmación tan rotunda:

Por lo general, para que una imagen pueda ser comunicada hace falta:

alguien que idee esa imagen,
otra persona que la construya,
otra que la publique
y una audiencia que la perciba.

Y aunque una misma persona puede ejercer las cuatro funciones, las imágenes que forman parte de nuestra cultura han sido ideadas, construidas y distribuidas a una audiencia muy concreta con objetivos muy claros.

El Guernica de Picasso, el toro de Osborne, las Meninas de Velázquez, un bodegón de paella para la carta de un menú del día, la portada de un periódico, las imágenes de publicidad que encontramos en las revistas... etc.

Todas las imágenes dependen de los intereses de ciertas entidades (negocios, gobiernos, deidades), y es natural que estas cambien para adecuarse al contexto (histórico, cultural y económico). Y ese contexto cambia:

Los pagadores necesitarán dar dinero a gente especializada para que construya imágenes poderosas para persuadir, informar, contrariar, adoctrinar, emocionar, indignar... Pero tendrán que ir renovando el diseño de esas imágenes en función a las preferencias del consumidor, ya que con el paso del tiempo la atención del receptor cambia tanto como el entorno que habita.
Los creadores también necesitarán nuevas plataformas para exponer su trabajo a los posibles pagadores del futuro. Muchos artistas o artesanos suelen desvincularse de las entidades que les contratan y necesitan nuevos ingresos para subsistir. Así que el estilo de esos creadores de imágenes también cambiará en función al pagador y a las circunstancias.
Están también los intermediarios y los divulgadores, que son los que ponen en contacto a la audiencia con las imágenes de los creadores. Pueden ser galeristas, editores, asociaciones... Cada vez son más amplios y están más mediatizados gracias a internet.
Y por último, la audiencia, que cambia constantemente.

El concepto de imagen, entendido así, no sería más que un conglomerado de representaciones condicionado por la industria y por la civilización a la que pertenece, generando unos estímulos u otros en base al contexto.

Dicho sea de paso, no todos los creadores de imágenes deben tener un compromiso con la verdad. Como bien dijo Sócrates, las imágenes "distan mucho de la verdad", así que es por eso por lo que, respondiendo a lo que Hockney decía en su libro, dudo que sean un modo de conocimiento y de comunicación.

Si no dicen la verdad no son conocimiento, y si no se transmiten, tampoco son comunicación.

Cuando pasemos a analizar algunas imágenes que he seleccionado en este artículo, veremos que en efecto, la mayoría de ellas son el resultado de una solicitud de alguien que está en un lugar más alto en una jerarquía política, administrativa o social; y que las intenciones suelen ser las de reforzar un ideal, satisfacer alguna necesidad concreta de un contexto determinado, o sencillamente, tienen el objetivo de representar una realidad, por difícil que sea conseguirlo.

Concretando:

Si las imágenes son consecuencia de un consenso entre agentes que financian, creadores que hacen y divulgadores que publican para captar la atención de los espectadores, crear cultura es tarea de todos.

Los filtros de Instagram o de Tiktok, las fotos retocadas de las revistas, las campañas políticas, los encuadres que el fotógrafo selecciona para centrar la atención donde interesa al periódico... etc. Son ejemplos que demuestran con claridad que la realidad está constantemente siendo falseada. En cambio, tienen algo en común:

Todas representan algo.

Ellas definen la historia.

¿Son la verdad? ¿Representan una realidad concreta? ¿Crean un mundo nuevo? ¿Cubren alguna necesidad social? ¿Son un modo de conocimiento y de comunicación? A estas preguntas intentaremos responder aquí, cada uno utilizando su propio criterio. Y para ello he preparado este viaje por el tiempo seleccionando diversos relatos:

Mesopotamia: Hablaremos de la configuración de las ciudades para entender "La estela de los buitres".
Egipto: Hablaremos de la creación de la primera pirámide para entrar luego en la tumba de Meresankh III.
Grecia: Os contaré el mito de la caverna de Platón para asistir luego al duelo entre Zeuxis y Parrasio.
Roma: Nos adentraremos en la villa de los misterios de Pompeya para intentar descifrarlos.
Edad Media: Con Umberto Eco y La crucifixión de Vitale de Bolonia, analizaremos la estética medieval.
Renacimiento: Explicaremos por qué fue tan importante y echaremos un vistazo a la Capillas Sixtina.
Barroco: Propondré una selección de análisis de obras en las que se supo unir lo divino y lo profano.
Revolución Industrial: La lucha contra el paso del tiempo frenético dará lugar al impresionismo.

No olvidemos que en esta primera ocasión, la definición del término imagen es sesgada, pero es un sesgo deliberado, un modo práctico de distribuir temario en función al tiempo del que disponemos. Ya habrá ocasión de abordar otras acepciones del término imagen.

De ahora en adelante, mi recomendación es que en una mano llevéis un dispositivo que os sirva para leer (ordenador, tableta, televisión, apuntes fotocopiados...), y que en la otra tengáis otro dispositivo para ir viendo las imágenes que os he seleccionado (móvil, portátil, ipad...). Así tendréis las dos manos ocupadas en la misma tarea y nuestra adicción a las pantallas se hará tan evidente que tendremos que buscar alternativas más saludables.

Sin más dilación, empieza la clase:

MESOPOTAMIA (5000-2350 a.C.): Nacimiento de la civilización

Mespotamia

Para acceder a la selección que he hecho de las imágenes de Mesopotamia, click aquí.

Primero vamos a hablar un poco de Mesopotamia, más concretamente de la región llamada Sumeria, y luego nos centraremos en la producción de imágenes mesopotámicas y su representación.

Hace 6.000 años, el ser humano se convierte en ciudadano. Lo hace en las primeras ciudades: Ur, Uruk y Lagash, que se encontraban entre los ríos Éufrates y Tigris. De hecho, Mesopotamia significa "entre dos ríos".

Una de las primeras representaciones del territorio de una ciudad la encontramos en una tablilla de arcilla con un mapa de Impur. Muestra campos y regadíos de una de las primeras ciudades del 1.500 a. C. (imagen 1).

Son ciudades que se rigen por los gobiernos más antiguos que conocemos. Con las nuevas técnicas de gestión, hubo excedentes en la producción de los arados que los líderes almacenaron en sus aposentos.

Los jefes de aquel entonces, se articulaban en torno a dos instituciones: El templo y el palacio, de tal modo que en la primera civilización, los más influyentes empezaron a ser respectivamente los los sacerdotes y los reyes.

Aquí encontramos dos representaciones curiosas, una de un rey sumerio al que se le ve entrar en un templo-palacio (2), y otra del monarca soberano domando a dos leones (3) evidenciando la estima que les profesaban.

Los líderes, para convencer a los ciudadanos de que aportar tributos a los gobernantes era conveniente para todos, argumentaban que habían sido los dioses quienes les habían colocado en esa posición privilegiada.

Los Zigurat (4), por su parte, eran construcciones sumerias que estaban diseñadas, no para que los hombres visitaran a los dioses, sino para que los dioses llegaran a la tierra y pudieran comunicarse con los hombres.

A esta misma época pertenecen también los primeros documentos de escritura de los que tenemos constancia. Al principio eran dibujos que servían para llevar la cuenta de los bienes almacenados, y con un gesto sobre un trozo de arcilla fueron capaces de representar una palabra o una idea (5). Con el tiempo, los trazos fueron simplificándose hasta crear lo que hoy conocemos como escritura, y es así como nace la escritura cuneiforme.

Este acontecimiento llevó a los historiadores a considerar que Mesopotamia ya no formaba parte de la Pre-historia, pues los escritos nos permitían documentar con mayor precisión las características de las civilizaciones.

Este salto cualitativo se dio en torno al 3.000 a. C., y las pequeñas ciudades pasaron a ser grandes reinos que se fueron expandiendo. Lo explica muy bien el poema de Gilgamesh (6), un relato que Eva Tobalina resume así:

En un principio todo era caos, los dioses pusieron orden y enviaron a los primeros reyes a la tierra para gobernar las ciudades. De igual modo, los dioses también crearon a los seres humanos para trabajar para los dioses. En el mundo sumerio, los seres humanos trabajaban para el dios, entregando tributos al templo. Sin embargo, a pesar de estar cargados de trabajo, comenzaron a multiplicarse y a extenderse por toda la tierra y al cabo del tiempo fueron tan numerosos que "hacían demasiado ruido". Este alboroto causaba un enorme descontento y un gigantesco diluvio cayó encima de los hombres.

El poema se divide en dos partes: La búsqueda de la gloria, y la búsqueda de la inmortalidad. Es la primera obra literaria que hace referencia a la mortalidad del hombre y a su vez a la inmortalidad que poseen los dioses.

La historia cuenta que cuando las aguas del "diluvio universal" cesaron, solo unos hombres pudieron seguir viviendo y trabajando para los dioses. Fue entonces cuando apareció una nueva dinastía de reyes: Los sumerios.

Esta nueva dinastía hablaba una lengua aislada. Según las escrituras, los sumerios descendían de un hombre-pez surgido del mar y hablaban una lengua que no está relacionada ancestralmente con ninguna otra.

El enigma es algo que la historia no ha podido resolver de momento. Sus vecinos hablaban lenguas semitas e indoeuropeas, y el origen de la lengua sumeria todavía sigue siendo una incógnita misteriosa.

Los estudios del terreno nos han demostrado que tras el diluvio existen clarísimos cambios en los monarcas. Comienzan las llamadas "dinastías reales" en las que los gobernantes laicos que acumulan cada vez más influencia.

Los gobernantes "EN" (rey-sacerdote), dieron paso a los "LUGAL" (reyes-guerreros) y los ENSI (gobernantes laicos ). Gracias a los cuales comienzan a extender sus dominios, como hizo el lugal Kisal-si de Uruk (7).

Un lugal, para aclarar un poco los términos, era un título sumerio que designaba al gobernante de un territorio.

La estela de los buitres

Conocemos el caso de su expansión gracias a los restos de "La estela de los buitres" (8), que consiste una serie de grabados conmemorativos de la victoria del rey de Galash, Eannatum, sobre la ciudad de Umma.

Podemos ver que lo que llevan los buitres en el pico son cabezas humanas, y un poco más cerca, observamos un comandante que camina con su ejército sobre cuerpos que han caído en batalla (9).

En definitiva, en las imágenes de Mesopotamia se representaban los siguientes elementos:

Las ciudades que darían origen a la concepción actual del ser humano, es decir, a un ser que no puede estar exento de sus obligaciones como ciudadano. Alguien socialmente comprometido son su especie.
Los sumerios representan también reyes y sacerdotes, es decir, figuras que lideran un sistema de gobierno y cuyo cargo perdura en nuestra configuración jerárquica alrededor de cinco milenios después.
Encontramos también en la representación de palacios y templos otra muestra del continuo arraigo al sentido de civilización. Hoy, disminuyen las construcciones monumentales destinadas a acoger a dioses.
La estela de los buitres, por último, es la representación más útil para comprender el paso de un gobierno religioso y monárquico a un gobierno laico en el que prevalece por encima de todo la violencia y la guerra.

Digamos que en Mesopotamia aparece el origen de los temas bélicos (9), sin olvidar que ellos solían exponerse junto a temas opuestos, como el de la paz (10). Una paz que parecía consecuencia de sacrificios rituales (11).

Y este es el resumen de Mesopotamia. Podemos pensar que ese hombre-pez surgido de las aguas no es un dios, sino una imagen idílica e irreal, que representa un mundo inexistente. O a falta de pruebas, podemos pensar lo contrario.

Las principales son la narración bélica y la conmemoración de la batalla librada por el rey Eannatum de Lagash contra la ciudad de Umma. Ya en ellas se desprende una función propagandística que trata de enaltecer el poder y fuerza militar del propio rey. No será la primera vez. Vamos a ver qué sucedía después, en Egipto.

ANTIGUO EGIPTO: DIOSES Y FARAONES INMORTALES

Egipto

Para acceder a la selección que he hecho de las imágenes del Antiguo Egipto, click aquí

Si la civilización mesopotámica apareció enfrentándose a dos ríos, la civilización egipcia surgió gracias al Nilo. Este río era mucho más apacible, en verano aumentaba su caudal y traía fértiles lodos y aguas hacia el norte.

Hace unos 4.700 años, allí, en la ciudad de Menfis, vivía un faraón al que llamaban "Cuerpo divino", aunque nosotros hoy lo conocemos como Zoser. Su objetivo era mantener el control del reino y fortalecer su dinastía.

La construcción de la primera pirámide egipcia

Se cree que Zoser nació en 2.620 a.C. aproximadamente, y aunque los faraones solían tener más de una esposa, él solo se casó con una, su hermanastra Hetephernebti. Así conseguiría mantener el poder en familia.

Recordemos que la figura del faraón en Egipto era la más importante. Él era a la vez comandante, jefe, sumo sacerdote, redactaba leyes, y al igual que los líderes sumerios, era el intermediario entre dioses y humanos.

Por algún extraño motivo, en el 18º año del reinado cesaron las crecidas. Siete años de pobreza en los que el Nilo no regó ni un solo cultivo. La devastadora sequía parecía querer poner a prueba el poder faraónico.

El caos se apoderó de la ciudad, el faraón pidió explicaciones a Imhotep, su consejero, y él, sin saber muy bien qué responder, se acercó al Nilo, se quedó dormido, y en sueños recibió la visita de un Dios llamado Junum.

Este dios le dijo que estaba muy enfadado porque no recibía las ofrendas que tenía que recibir, así que Imhotep volvió al faraón y le dijo a Zoser: "Si nos portamos bien con Junum, él se portará bien con nosotros".

Restauraron el templo del dios que llevaba tanto tiempo abandonado, y efectivamente, la hambruna acabó, los nuevos tiempos volvieron y aquel evento acabó con la imagen negativa que el pueblo tenía de su faraón.

Su poder se elevó a una nueva categoría: Zoser ya no era un intermediario, sino un dios en la tierra que actuando de determinada manera, podría intervenir en las decisiones de un Dios. Lo nunca visto.

Lo siguiente que hizo el orgulloso faraón fue ir en busca de la inmortalidad. Le pidió a su consejero Imhotep que se hiciera cargo de su alma y construyera una tumba que se mantuviera eterna y fuera digna de un dios.

Hasta entonces, los egipcios enterraban a sus muertos en el desierto, pero las tormentas de arena desperdigaban los restos mortales y se creía que eso pondría en peligro su supervivencia en el más allá.

A veces las mastabas (que significa banco en árabe) se construían para evitar precisamente ese peligro. En esos mausoleos se guardaba el sarcófago y la momia del fallecido. También algunas ofrendas para el difunto.

Pero la tumba de Zoser tenía que ser diferente a las demás. Las construcciones anteriores se habían erosionado porque eran de ladrillo, así que a él se le ocurrió hacerlas de piedra, pues así durarían para siempre.

Una meseta llamada Saqqara, que se alzaba sobre Menfis, fue el lugar que eligió Imhotep para construir esa tumba tan especial, y cualquier ciudadano al otro lado del Nilo era capaz de admirar cómo iban las obras.

El equipo que formaron estaba constituido por gestores, supervisores de transporte, y organizadores de todo tipo. Se creó una nueva organización que movilizó al país y tuvo un gran impacto en la cultura egipcia.

Aparecieron nuevas herramientas, técnicas constructivas revolucionarias, desarrollo de la alfabetización y la creación de un censo nacional. La consolidación de la burocracia administrativa fue algo que no existía.

En este escenario tenían que asegurarse de que había personas suficientes que supieran leer y escribir, así que los escribas jugaron un rol fundamental. Usaban los jeroglíficos y la escritura hierática para acelerar el registro.

Hacían listas con los nombres, su procedencia, el pueblo del que venían, el linaje... Tenían listas enormes con los datos de los trabajadores que venían de todas partes de Egipto. Todos estaban obligados a trabajar allí.

Y no solo la pirámide fue un trabajo espectacular. Los adornos eran tan elegantes que formaron parte de la arquitectura egipcia durante los tres milenios siguientes y tan solo tardaron diecinueve años en construirla.

¿Pero qué es lo que había dentro de esta pirámide?

Por desgracia, la pirámide de Saqqara fue saqueada y en su interior no se encuentra ni el cuerpo ni las representaciones de la época, pero puedes ver su reconstrucción virtual haciendo click aquí.

Grecia

La tumba de la reina Meresankh III

Existe otra tumba similar repleta de imágenes, la de la reina Meresankh III, y gracias a las nuevas tecnologías, podemos acceder a su interior a través de este enlace y este otro, menos interactivo, más ilustrativo. Ya lo explica la reina:

Las paredes de la capilla están esculpidas y pintadas con escenas de gente y objetos que ella quisiera tener en la otra vida. Sus padres, sus hijos y el fiel mayordomo son los más grandes por ser los más importantes.

Su padre se encuentra de pie vestido con una banda blanca detrás de su madre Hetepheres, que va navegando por el río Nilo y recogiendo plantas de papiro para ofrecérselas a la gran diosa Hathor.

Ante ellos, los portadores de ofrendas llevan canastas en sus cabezas que contienen pan, fruta y carne, mientras otros llevan pájaros y animales de granja; ofrendas que pasarán a formar parte de la fiesta funeraria.

La reina aparece otra vez con su madre en la pared opuesta, esta vez de pie, junto a los hijos, incluido su hijo mayor Nebemakhet. Está vestido de acuerdo a su posición de sacerdote lector, al igual que su abuelo, Kawab.

Su mayordomo Khemetnu, el supervisor de las ofrendas, se encuentra de pie ante una falsa puerta que no es más que un portal a través del cual su espíritu podía regresar a este mundo para disfrutar de esos obsequios.

En la sala de al lado hay una fila de diez estatuas de mujeres esculpidas en la roca de la pared, lo cual es bastante inusual en las tumbas en Giza, pues Egipto era una sociedad dominada exclusivamente por hombres.

Dos parejas de estatuas femeninas se abrazan como indicador del amor y afecto maternos. Aunque no hay inscripciones, claramente sirven para enfatizar la posición de la reina Meresankh entre sus parientes reales.

Justo debajo de la falsa puerta hay un pozo de más de 5 metros que conduce a una cámara funeraria, donde se encuentra también su sarcófago y artículos lujosos que aparecen pintados en las paredes de la capilla superior.

Ese sarcófago de piedra negra de granito se lo regaló su madre, y originalmente había sido hecho para ella. Su nombre y títulos están inscritos ahí para proteger el cuerpo de la reina a través de los siglos venideros.

Lamentablemente, aunque la cámara funeraria esté oculta y segura, no existen garantías de que se puedan disuadir a los codiciosos ladrones de tumbas, así que por eso se trasladó al Museo de Bellas Artes de Boston.

Se trata de las pocas tumbas que incluye los nombres de dos antiguos artistas egipcios. El pintor Rahay colorea una estatua femenina de pie a la izquierda, mientras que a la derecha el escultor Inkaef trabaja en otra estatua.

Además de estas imágenes, las representaciones de los sucesos históricos también eran frecuentes. En ellas, al igual que en Mesopotamia, se representaban las batallas y otros hechos importantes de la vida del faraón.

Gracias a estas imágenes podemos conocer también cómo era la fauna y la flora del Antiguo Egipto, pero sobre todo encontramos escenas funerarias muy comunes. En general, en las representaciones egipcias se presentan tres temáticas principales:

El almacenamiento y clasificación de alimentos,
Las posesiones del difunto para el más allá,
Textos del libro de los muertos que narraban las ideas del ritual funerario.

Estos tres motivos fueron prácticamente inalterados durante toda la historia del Antiguo Egipto.

Y es que para ellos lo importante no era el mundo real, sino su propia visión de la realidad, que no tenía influencia alguna de otras culturas. Por eso distinguimos fácilmente la imagen egipcia de cualquier otra imagen.

Al prevalecer la idea de que el faraón era el máximo poder político y espiritual, el arte egipcio tenían el deber de atestiguarlo. Lo que vemos en esta etapa es un aumento del prestigio del líder, también un desarrollo de la escritura hierática y jeroglífica, y por último, algunas representaciones que indican el deseo de dirigirse al más allá con las mayores garantías de disfrutar de la otra vida.

Ya hemos visto que los sacrificios de otras épocas seguían siendo habituales, y la perspectiva jerárquica,, ayudaba a enaltecer esas autoridades divinizadas directamente proporcional a la importancia,

Vamos a ver ahora qué sucedía en la Antigua Grecia.

GRECIA: MUNDO DE LAS IDEAS, ILUSIÓN Y NATURALISMO (1246 a. C. - 146 a. C.)

Todas las imágenes que hemos puesto hasta ahora, fueron creadas y financiadas por alguien que previamente lo había exigido.

Tras habernos adentrado en un mundo lleno de magia, con unas civilizaciones nacidas de un hombre-pez y otras habitadas por faraones gigantes; después de ser testigos de gobernantes guerreros que acababan con la hegemonía de los reyes y tras conocer la historia en la que los dioses acaban con las hambrunas, no tiene sentido preocuparnos de si esas historias son verdaderas o falsas.

Lo que está claro es que representan algo y que pueden definir la historia.

Hemos empezado diciendo que Platón tenía en baja estima a la pintura, ya que buscaba la imitación de la realidad, y en su opinión, esas imágenes eran lo contrario a la realidad. De ahí ese desprecio.

Y ahora que nos toca hablar de la Antigua Grecia, quiero volver a mencionar el libro VII de esa obra suya: La República. Allí nos hablan de dos realidades: La de las ideas, y la de las cosas sensibles.

Después de varios milenios, pensar que la calidad de una imagen depende de si se parece o no a la realidad es algo fuera de toda lógica, ya que la tecnología nos ha demostrado que la representación más exacta de la realidad cabe en nuestro bolsillo y no hace falta que tengamos experiencia alguna para reproducirla tal cual es.

En la Antigua Grecia, en cambio, sí existía rivalidad entre pintores. Simple y llanamente, se consideraba que un pintor era más virtuoso cuanto más se pareciesen sus pinturas a la realidad.

Apolodoro, Zeuxis y Parrasio de Éfeso

Pintores que actuaban en esta línea eran Apolodoro, Zeuxis y Parrasio de Éfeso. Todos se esforzaban por representar la realidad del modo más fiel posible. Según Plutarco, Apolodoro fue el primer artista que usó el claroscuro.

Pero no fue el único que habló de él. Plinio nos dice que Apolodoro "...fue el primero que creó el aumento gradual y la intensificación de la sombra" y "el primero en establecer el método para representar apariencias".

De sus pinturas no nos ha quedado nada. El mismo escritor, Plinio además nos cuenta que Zeuxis fue el primer pintor famoso, y se midió en un reto con otro pintor también reconocido por su talento: Parrasio de Éfeso.

Cuando llegó el momento de presentar sus pinturas, Zeuxis mostró unas uvas tan convincentes que los pájaros revolotearon a su alrededor, mientras que el cuadro de Parrasio, misteriosamente, seguía cubierto por una tela.

Cuando Parrasio pidió que retiraran la protección, resultó que no pudieron hacerlo, ya que la tela estaba pintada. Así fue como se consideró a Parrasio el vencedor del reto.

Unas uvas y una tela. Eso fue lo que eligieron pintar los protagonistas de esta historia clásica. Elementos cotidianos y orgánicos que pintaban motivados por una simple rivalidad y una demostración de virtuosismo.

Como en el caso de Apolodoro, solo podemos imaginar cómo serían esas imágenes, ya que tras el vandalismo y la erosión natural, se han perdido la mayoría de las pinturas de la Antigua Grecia.

Para continuar hablando de las imágenes griegas, no nos queda más remedio que mirar las representaciones que se hacían en las cerámicas. Los ceramistas de entonces, al igual que hoy, eran menos conocidos que los pintores. Pero ya firmaban sus obras, y en consecuencia, se pueden conocer algunos de ellos, como Exequias (el pintor del vaso de Aquiles), o Critias (autor del vaso François).

Pintura cerámica de la Antigua Grecia

En la pintura cerámica encontramos motivos decorativos que constituyen un buen punto de partida para entender sus costumbres. Para ello habría que distinguir primero entre las figuras negras, rojas y bilingües:

En las figuras negras la figura humana destaca sobre un fondo rojo, y suele ser la principal protagonista. Normalmente viene acompañada de caballos y monstruos mitológicos, dado que esos eran los temas preferidos: la mitología y los juegos deportivos.
Por otro lado, la llamada cerámica de figuras rojas es muy parecida a la técnica anterior, mismos temas, pero invirtiendo los colores. Es decir, tienen el fondo negro y los dibujos aparecen en un tono amarillento rojizo. Vemos que se dibujaba en un pequeño relieve, por lo que la figura ganaba un poco de volumen. Era una pintura más precisa en los gestos y además contenía más detalles que las pinturas de las figuras negras. Esta nueva técnica permitió un acercamiento al realismo y devolvió la luz natural, en contraposición a la técnica anterior, que jugaba con la opacidad y las sombras.
Al final de la etapa de pinturas cerámicas griegas, las figuras rojas y negras se mezclan finalmente con la cerámica bilingüe, en la que surgen nuevas escenas sobre la vida privada y las costumbres domésticas, en especial escenas que sucedían en el gineceo, es decir, en la parte de la casa reservada exclusivamente a las mujeres.

En la Antigua Grecia, por tanto, hay pintores que buscan demostrar su virtuosismo, eligen motivos orgánicos y cotidianos que puedan relacionarse fácilmente con la realidad. Y además, en cerámica, destaca la cotidianidad mundana y el heroísmo de los juegos deportivos.

En ningún caso se dejan de lado a los dioses, más bien se veneran como en Egipto y en Mesopotamia, pero se representan en un plano más humano que en las civilizaciones anteriores.

Hay elegancia, control y armonía, y es una pintura que busca representar la belleza en las formas que, tal y como planteaba Sócrates, no dejan de ser una "imitación de la realidad", levemente transformada.

IMPERIO ROMANO: (27 a.C. - 476 d. C.)

Imperio Romano

Para acceder de la selección que he hecho de las imágenes del Imperio Romano, click aquí.

¿Cómo eran los romanos?

Roma fue la fuerza económica, cultural, política y militar más poderosa de su tiempo y uno de los mayores imperios de la historia. Le debemos a ella nuestra lengua, cultura, religión, arquitectura, filosofía y leyes.

Los griegos, que habían establecido colonias en Italia, permitieron que los romanos se apropiaran su cultura y la renovaran con su ingeniería, su diseño y una temible tradición militar. Aunque parecidas, tenían matices.

Al estudiarlas por separado, solemos decir que la cultura romana era cristiana y que la griega era politeísta. Esto, en cuanto veamos la transición entre las religiones mistéricas y cristianas, veremos que es algo sesgado.

El mitraísmo, por ejemplo, que rendía culto al dios Mitra, fue declarada ilegal en el año 391 por el emperador Teodosio. Pero en realidad se parecía mucho a la del cristianismo, tanto en los rituales como en la doctrina:

Las cofradías de Mitra admitían solamente varones.
Mitra era un dios salvador, al igual que Jesucristo.
Mitra bautizaba a sus creyentes y prometía la expiación de los pecados por el efecto del baño.
Solo en este culto se unía al bautismo la imposición de un signo en la frente, como en la Iglesia cristiana.
El día natalicio de Mitra (que representa al sol) se celebraba el 25 de diciembre, los cristianos también.
Había comidas comunales y una ideología basada en el sacrificio (el del toro, en lugar de Jesucristo).

La casa del Mitreo, en Mérida, es un ejemplo muy bien conservado que nos puede aportar mucha información al respecto sobre la vida religiosa de los romanos, aunque las excavaciones siguen todavía incompletas.

Así que vamos a adentrarnos mejor en la Villa de los Misterios, situada en la ciudad de Pompeya. Allí podemos ver más de cerca los misterios que aguardan los murales que, ahora sí, están excepcionalmente conservados.

LA VILLA DE LOS MISTERIOS

Herculano fue una ciudad que Domenico Fontana descubrió en 1599. Cuando lo hizo, decidió ocultar el yacimiento por miedo a que la contrarreforma censurase o borrase las pinturas. Muchos lo interpretaron como una falta de profesionalidad, otros, en cambio, como un ejercicio ejemplar de preservación de patrimonio.

Cuando más adelante, en 1819, la ciudad fue redescubierta, Francisco I de Nápoles quiso inaugurar los yacimientos. En realidad no se esperaba lo que iba a presenciar junto a su mujer y a sus hijas. De hecho, al verlo se ofendió muchísimo.

Consideró que las escenas eran tan obscenas que iban en contra del decoro y en contra de la imagen mitológica que se había construido acerca de la dignidad y pureza de los antiguos, por eso ordenó cerrarlo.

Y así fue. El gabinete secreto de Pompeya de Herculano se abrió y se cerró al público en 1819, y no volvió a reabrirse hasta el año 2000. Más de 180 años estuvo cerrado por ser considerado una obscenidad.

En abril de 1909, es decir, noventa años después del segundo descubrimiento de Herculano, destaparon en Pompeya la Villa de los Misterios. Algunos historiadores creen que data del 60 a.C., y otros creen que se construyó a partir del 27 a.C.

Esta imponente sala originalmente era un salón de recibimiento y formaba parte de los apartamentos privados del propietario. Más que al ejercicio del culto, respondían a las necesidades de la vida cotidiana de la familia.

Aunque creían en muchos dioses, la Villa de los Misterios es posible describirla a partir de ciertos ritos y adoraciones paganas. El historiador pompeyano Varrón, escribió los ritos de paso de las religiones romanas:

Del nacimiento a la adolescencia
De la adolescencia a la madurez
De la madurez a a senectud
De la senectud a la muerte

Uno de los dioses principales que adoraban los romanos eran Jano, el dios de las dos caras que nos habla del paso de un estado a otro, y Término, que como su propio nombre indica, delimita los limites de la ciudad y el imperio. Su lema era: "No cedo nada". En cambio, la villa de los misterios no está dedicada ni a Jano, ni a Término, sino al dios del vino, Baco (también llamado Dioniso):

1. Lectura de un ritual. En la primera representación, vemos cómo un niño desnudo lee un papiro sagrado junto a una chica que escucha bajo la atenta mirada de una matrona encapuchada. La chica está pensativa, posando su mano derecha sobre el hombro del joven. Un poco más allá, la iniciadora del ritual va vestida con un chitono (una túnica griega), y lleva también un manto rodeando sus caderas mientras las ramas de mirto coronan su cabeza. Camina con solemnidad llevando en su bandeja de bronce dorado (lanx), un ramillete de laurel y otras primicias que ofrecer al dios.

2. Alución. En esta otra escena, una mujer de espaldas (quizá la sacerdotisa), espera el ritual de alución asistida por dos mujeres. Con la mano izquierda retira una tela que cubre una cesta sostenida por la criada, mientras que con la mano derecha sostiene una ramita verde sobre la que se vierte agua lustral con una pequeña jarra.

Según el historiador Vaine, las tres mujeres están preparando el baño nupcial. La señora de la casa perfuma el agua de un cuenco de bronce tal y como se ve en las bodas. Otro de los miembros que aparecen es Sileno, el padrastro corpulento y peludo de Baco. Se encuentra casi desnudo, con orejas de animal y la nariz achatada. También lleva una corona de mirto, y con su lira, podría estar entonando un canto fúnebre mientras mira el rostro estático de Dionisio y Ariadna, en la pared contigua.

3. Escena pastoral. Junto a él, una joven panisca amamanta un ciervo, mientras que el sátiro que la acompaña toca la siringa. Frente a ellos hay un cabritillo negro que parece respirar sosegado. En contraste con esta escena de serenidad, se encuentra una mujer aterrorizada retrocediendo por la visión de un demonio alado y de su compañera que está siendo flagelada. Una tela se agita con un amplio movimiento, la capa se hincha con el viento y con su mano izquierda extendida parece querer defenderse de algo.

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4. Escena central y desvelación del phallos. Dionisio, también llamado Baco, fue muy popular por ser un dios de esperanza que transmitía ideales de justicia, resurrección e inmortalidad. La escena en la que Diosnisio y Ariadna se sientan juntos, constituye el centro ideal y material de toda representación. Dionisio, descompuesto, se apoya suavemente en Ariadna, que está sentada y vestida de manera suntuosa. La pareja parece encontrarse ajena a todo lo que sucede alrededor, absorta solo en la felicidad de otro mundo. A los laterales, en el mismo muro, se representan dos escenas conectadas con los ritos misteriosos del dios liberador.

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4.1 Sátiros y Silenos. A la izquierda del espectador, reaparece una prolongación de la escena precedente. Sileno le da una taza a un sátiro mientras que otro sátiro joven sostiene una máscara. Silenos y sátiros son los elementos típicos del séquito dionisiaco. Se presentan como el preludio de la presencia del dios pagano. El niño que se acerca al vino, no bebe, sino que mira profundamente en la taza, actuando como un espejo. El que sumerge la cara no ve su rostro, sino la máscara que el otro sátiro sostiene. Al beber la sangre del dios, a través de la intoxicación dionisiaca, el joven actúa como el mismo dios. La imagen de la máscara representaría la nueva personalidad.

4.2 Desvelo del phallòs: En Pompeya, el sexo masculino era un talismán y símbolo de fecundidad. También aparecían en camillas, amuletos, incluso en tumbas... A la derecha, lo que encontramos es a una mujer de rodillas que parece haber sido ya iniciada en los misterios dionisiacos. Está a punto de levantar la tela morada que cubre el phallòs. Tras ella, habría dos jóvenes ministros de la ceremonia, de los cuales solo queda la parte inferior. Junto a ella, vemos una figura femenina con alas negras representada en el acto de golpear y castigar con el látigo que lleva en la mano. El látigo y el phallòs son los dos elementos que simbolizan el principio de fecundidad. La estancia podría simbolizar las dos posibles formas de iniciación al tiro: la masculina (a través de la máscara y la copa), y la femenina (a través de la flagelación)

5. La mujer flagelada: Una joven golpeada a latigazos en su espalda descubierta se refugia en los muslos de su compañera. Junto a ella, dos bacantes. Una sostiene un bastón (tirso), y la otra baila desnuda presa de la exaltación mientras agita lo que parecen ser unos platillos o panderetas. Curiosamente, al liberalizar las costumbres en el imperio romano, se hizo posible la abundancia del desnudo tanto femenino como masculino. Se llegaron incluso a realizar escenas de explícito contenido sexual sin disimulo. Durante las llamadas fiestas bacanales, había manifestaciones públicas con cortejo, música ruidosa, danzas desenfrenadas, y una vez alcanzado el trance, se hacían sacrificios animales. De esos ritos no se sabe más que lo que plasman unas pocas alusiones literarias y escasas imágenes de difícil acceso.

6. Escena nupcial, preparación de la novia. Al final de la pared, interrumpida por una gran ventana, sigue la escena. Una esposa sentada debe prepararse para la iniciación del misterio del matrimonio pagano, será asistida por una acompañante y un angelito que le muestra un espejo. Se ha dicho que esta mujer en realidad podría representar a Venus, sentada y reconociéndose en el espejo como lo haría más adelante la Venus de Tiziano, la de Rubens o la de Velázquez. Pero también se ha visto que podría tratarse de una simple mortal, una joven que agarra levemente su cabello mientras otra mujer se lo separa en mechas, dando a entender que podrían ser las primeras de las seis trenzas del tocado que solían hacer a la mujer en el día de la boda.

7. La mujer absorta. Lo último que vamos a describir es a la mujer reflexiva que se sienta en un rincón, aislada y mirando la escena con mucha concentración. Ha sido interpretada como la domina o dama. Puede que se haya convertido en una esposa reflexiva. A lo mejor solo busca desde su butaca un recuerdo lejano y confuso. Sea como fuere, lo que observa es un misterio, y ese es el nombre que le dieron a la Villa, la Villa de los Misterios.

Cerca de ella hay un cofre abierto. Tampoco sabemos lo que podría haber en él. ¿Los textos místicos que los iniciados en el rito llevaban a la tumba? ¿Las alianzas de matrimonio? Dejemos vivo y abierto el misterio.

El 27 febrero del año 380, el cristianismo se convirtió en la religión exclusiva del Imperio Romano por un decreto del emperador Teodosio, lo que tuvo trascendentales consecuencias como violencia y saqueos.

El espejo, los cupidos, el mirto, el agua, la lira, la cesta, la panisca, la bacanal, el tirso, la copa, la máscara, la flagelación, la mujer embarazada... etc. Son solo algunos de los elementos cargados de un simbolismo que hacen la lectura de la imagen mucho más interesante, más viva, vibrante, hermosa.

El baño de Venus, la alegría del vino, el gesto que desvela el rostro, la danza y el teatro... Todos esos temas pertenecen ya al inconsciente colectivo, y no entenderlos en su plenitud, no significa que no los disfrutemos. A mí más bien me sucede todo lo contrario. Los disfruto más cuanto menos los entiendo.

La ciudad se incendió por un terremoto al derribar las lámparas de los sacrificios. Pensemos en cómo cayó la estatua del emperador Augusto y cómo la se destruyó el guardián de los espíritus.

Sucedió en el año 62, momento en el que estaban adorando a los dioses para que les librasen de los males. Pero no solo hubo un terremoto. Plinio el joven fecha la erupción del volcán el 24 de agosto del año 79.

No era casual que fuese un día después de la fiesta de Vulcano, el dios del fuego.

En realidad Plinio se dejó llevar un poco por la poesía, ya que hoy sabemos (por los restos que se analizaron en el interior de la lava y por fruta otoñal que se encontró en su interior), que la erupción sucedió entre octubre y noviembre de ese mismo año.

EDAD MEDIA (476 - 1453): Monoteísmo

Edad Media

Para acceder de la selección que he hecho de las imágenes de la Edad Media. click aquí

En un breve texto de Umberto Eco titulado "Diez formas de soñar la Edad Media", el autor distingue los modos en los que hemos visto Edad Media a la hora de estudiarla:

1. Como un lugar mitológico en el que revivir personajes contemporáneos, donde no hay un interés real por la época.

2. La Edad Media de la revisión irónica que encontramos en el Quijote o de los Monthy Python. Se vuelve al imaginario de una época pasada, vista precisamente como pasada e irreproducible, para ironizar sobre nuestros sueños y sobre lo que ya no somos.

3. La Edad Media como lugar barbárico, como la refleja el Señor de los Anillos o Juego de Tronos, es decir, una tierra virgen de sentimientos elementales. Una época ajena a toda ley. Cuanto más peludo el modelo, mayor la admiración a la criatura: el Hobbit como modelo humano para los nuevos aspirantes a nuevas y largas noches de cuchillos largos

4. La Edad Media romántica, como la de Drácula, que prefiere la oscuridad del castillo en ruinas, sobre el fondo de una tempestad cargada de relámpagos habitada por fantasmas de esposas violadas y asesinadas la misma noche de bodas.

5. La Edad Media de la philosophia perennis, que sugiere la existencia de un conjunto universal de verdades y valores comunes a todos los pueblos y culturas y que entiende la verdad como norma inmutable.

6. La Edad Media de las identidades nacionales, luchando contra el dominio extranjero.

7. La Edad Media carducciana opuesta al papado, a la monarquía y al sentimentalismo. Parece vista como antídoto de la Modernidad.

8. La Edad Media dedicada a comprender que fue una época que no se puede reducir a un lugar común y se debe recuperar en su pluralismo y sus contradicciones.

9. La Edad Media de la Tradición, de los templarios, de la alquimia. Acrítica y antifilológica.

10. Y, por último, la Edad Media apocalíptica, la de la espera del Milenio, que nos acompaña, nos advierte y amenaza con el recuerdo permanente de la posibilidad de un Holocausto, nos dice que estemos atentos para saber identificar el Anticristo cuando llame a la puerta, ya sea en traje civil o en uniforme militar.

Como vemos, han sido muchos los puntos de vista que hemos adoptado para entender mejor esta etapa convulsa. Tratándose de una etapa de casi mil años, es difícil ajustarse a un patrón que refleje la realidad.

Al igual que el resto de las civilizaciones mencionadas, la imagen de la Edad Media no consistía en un registro de las apariencias del mundo, sino que se usaba didácticamente para acceder a entidades inmateriales y celestes.

Así es como se expresa Umberto Eco en el libro "Arte y Belleza en la estética medieval". Según él, la belleza del mundo como reflejo e imagen de la belleza ideal era un concepto de origen platónico:

"Lo que los simples no pueden captar a través de la escritura deber serles enseñado a través de las figuras; el fin de la pintura, dice Honorio de Autun, como buen enciclopedista que reflexiona sobre la sensibilidad de su tiempo, es triple: Sirve, ante todo, para embellecer la casa de Dios, para traer a la memoria la vida de los santos, y por último, para la delectación de los incultos, dado que la pintura es la literatura de los laicos".

Este es el caso de La crucifixión (1335) de Vitale de Bolonia, (aquí) una escena con un naturalismo y un realismo inconcebibles en la época previa. El artista ya quiere generar varios planos de profundidad en la composición.

A la derecha de Cristo encontramos al buen ladrón a Dimas, que se diferencia el mal ladrón Gestas por el demonio que hay en la cruz.
Entre los jinetes amontonados que ocupan los últimos planos distinguimos a Longinos, a la izquierda, elevando los brazos y uniendo sus manos en señal de oración.
Un poco más abajo la virgen desmayada junto a dos de las santas mujeres sosteniéndola. También están presentes San Juan y María Magdalena, que abraza la cruz arrodillada.
En la parte inferior derecha, tenemos también varios soldados romanos que se echan a suerte las vestiduras de Cristo con unos dados.
Sobre ellos, a la derecha, entre los jinetes y a una escala menor, un grupo de hebreos con carácter peyorativo que nos habla también del antisemitismo de la época. Es una escena violenta que intenta, con brío y fuerza, detener a dos hombres que intentan acercarse a él.
Se ha identificado al oficial Centurión con el personaje barbado que gira bruscamente su torso para conversar con el hombre que cabalga a su lado.
Y por último, vemos cómo en la parte inferior aparece la calavera de Adán y cómo incluso la sangre de Cristo resbala prácticamente hasta su tumba, de manera que se habla de esta idea del sacrificio que repara el pecado original.

Esta pintura, tal y como argumentaba Umberto Eco, está creada por orden de los eclesiásticos para satisfacer la demanda de los fieles: Embellece la casa de Dios, recuerda la vida de los santos, y educa en la fe.

RENACIMIENTO (1453 - 1600): LA PERSPECTIVA Y EL PODER

Renacimiento

A mediados del S. XV, la invención de la imprenta atribuida a Gutenberg supuso un paso gigantesco para el desarrollo del conocimiento y determinó un punto de inflexión en todos los aspectos que configuraban las características de occidente (economía, arte, tecnología, cultura, política y sociedad en general).

La caída de Constantinopla en mayo de 1453, marcó el fin de la Edad Media y produjo una gran conmoción en la cristiandad. Llegó una reivindicación de la individualidad del artista, la proliferación de ideas humanistas y la consolidación de la milicia, y estas son las características principales del Renacimiento.

Para hablar de las imágenes de esta época, quizá necesitaríamos escribir varios libros. Los bocetos del cuaderno de bolsillo, el óleo, las innovaciones en la pintura mural, los estudios científicos, la imprenta...

Son demasiadas innovaciones en muy poco tiempo. Para ilustrarlas, he considerado adecuado seleccionar la pintura más famosa de Jan Van Eyck (El Matrimonio Arnolfini), y el panel apocalíptico de la Capilla Sixtina.

Matrimonio Arnolfini (1434), Jan Van Eyck.

Aunque a veces a Van Eyck se le ha catalogado como el inventor de la pintura al óleo, en realidad su uso se puede remontar al s. IX. Lo que sí que consiguió fue dar ese aspecto realista a la pintura al óleo.

En la obra seleccionada podemos ver una pareja que está contrayendo matrimonio. La riqueza de la pareja de comerciantes italianos se puede constatar a través de las telas de sus ropajes y los objetos de lujo que decoran la estancia.
Estos objetos eran importados de diversas partes del mundo, como por ejemplo, la alfombra procedente de Persia o las propias naranjas provenientes de la Europa del Norte. No cualquiera podía permitirse esos lujos.
La esposa viste de verde, el color de la esperanza y la fertilidad. De hecho se toca el vientre en alusión a su deseo de ser madre. El marido viste con ropajes para exteriores y está perfectamente equipado para el frío.
Los dos pares de zuecos, los de ella junto a la cama y los de él en primer plano a la izquierda, relacionan a los esposos con el hogar. Aluden nuevamente a una idea de fertilidad, que era un pensamiento muy común de la época.
Para que este matrimonio fuera válido, se necesitaban testigos e intuimos que estos son los que aparecen reflejados en el espejo de la pared, uno es el propio pintor del cuadro, que se autorretrata y firma sobre el espejo.
Para dar constancia de que el matrimonio es religioso a pesar de que la escena no tiene lugar en una iglesia, se sitúan algunas escenas de la pasión de Cristo en los círculos que rodean al espejo. Podemos verlas con calma.
Igualmente vemos una vela encendida en el complejo candelabro que se alza sobre la pareja, aludiendo a la presencia de Dios, ya que las velas suelen lucir en las iglesias con ese significado de omnipresencia, de luz y salvación.
El perro pone una nota de gracia y desenfado en un cuadro que busca una gran solemnidad. En los retratos, los perros suelen simbolizar la fidelidad y el amor terrenal. El detalle del pelo del animal, por cierto, es toda una proeza técnica.
Para finalizar, en la cama se emplea el color rojo, que simboliza el amor y la pasión que debe reinar en toda pareja, son detalles que nos indican la gran capacidad de los artistas flamencos para captar las calidades de las telas y los objetos.

Por todo ello podemos considerar este cuadro como una de las obras maestras del gótico flamenco, así como del arte en general, especialmente por la maestría con la que supo llenar de significado la entrañable escena.

Michelangelo Buonarroti (aquí puedes preguntarle lo que quieras) pintó El juicio Final en la Capilla Sixtina, un fresco de enormes dimensiones que mide 13 metros de alto por 12 de ancho e incluye casi 400 figuras.

La Capilla Sixtina (1508-1512), Michelangelo

En la parte superior de la composición se encuentra el mundo celestial, presidido por el Cristo en su papel de juez, se encuentra justo en el centro de la escena, inicialmente desnudo y en una postura forzada, levantando el brazo derecho en señal de impartir justicia.

A su lado hallamos a la Virgen María, ambas figuras se encuentran rodeadas por un conjunto de santos, apóstoles y patriarcas que constituyen el primer grupo circular.

Alrededor de este grupo central se ven a diferentes mártires, vírgenes, bienaventurados y confesores de la Iglesia.

Si alzamos la mirada, vemos los grupos de ángeles, símbolos de la pasión: la cruz la corona de espinas y la columna.

A los pies de Cristo se sitúan dos santos que ocupan un lugar privilegiado. Por un lado San Lorenzo portando la

parrilla que le simboliza y por otro San Bartolomé, llevando una piel que alude a su martirio en el que fue desollado. Aquí podemos encontrar el rostro de Michelangelo.

Y si nos situamos en la zona intermedia podemos encontrar tres grupos:

El primero a la izquierda, el de los salvados, que ascienden al cielo;
En segundo lugar, en la parte contraria, se ubican los condenados que caerán al infierno;
Y en tercer lugar, los ángeles con sus trompetas que ocupan el centro para despertar a los muertos de la zona inferior.

Allí encontramos el traslado de los muertos en la barca de Caronte ante el juez infernal. Minos, la figura de la esquina con serpientes enrolladas alrededor de su cuerpo cuyos rasgos en realidad se corresponden con los de Biagio de Cesena, maestro de ceremonias del Vaticano y responsable de la campaña de moralidad que obligó a tapar la mayoría de los cuerpos desnudos que aparecían en la obra.

En el libro "Los secretos de la capilla Sixtina", Benjamin Blech nos dice que Michelangelo "llenó la capilla de mensajes ocultos relacionados con sus amores pasionales y sus justificadas cóleras, junto con los símbolos místicos de la justicia divina y la divina misericordia (...). Lo que el solitario artista pretendía era tender un gigantesco puente espiritual que abarcara distintas creencias, culturas, épocas y sexualidades".

También añade que las imágenes de la Capilla Sixtina "reflejan su vida y sus creencias: sus sentimientos divididos entre su amor por las tradiciones y la sabiduría judía, y su pasión por el arte y los diseños paganos; su conflicto interno entre su amor espiritual hacia Dios y su amor físico hacia los hombres; su respeto por el cristianismo y su justificada rabia hacia el Papa y la corrupción del Vaticano en la época del Renacimiento".

Renacimiento italiano

Como es un periodo del que podríamos estar hablando durante años, os propongo que elijáis una imagen de las que cito a continuación y la analicéis con vuestro criterio para sacar vuestras propias conclusiones:

La última cena, de Leonardo da Vinci,
El Apocalipsis de Durero
La Capilla Sixtina de Rafael.

EL BARROCO (1600-1750): Lo divino y lo profano.

Barroco

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Borges define el Barroco como la etapa final de todo arte, donde este exhibe y dilapida todos sus medios.

Para la pintura española, es un periodo de nostalgia, fantasmagoría, magia y decadencia. Hablaríamos de claroscuro y ornamentación exuberante, y en cuanto a los motivos, hablaríamos de conjugar lo divino y lo profano.

Hasta el Renacimiento, se hablaba de las artes para referirse al arte de la lógica, de la retórica, de la astronomía, de la matemática... Pero a partir de Galileo se discrimina de una manera muy importante aquello que está escrito en lenguaje matemático y lo que no. Lo que no es matemático, a su juicio, se basaría en la imaginación. Y la imaginación es la que configura la concepción del arte.

En este contexto, y considerando que ya he hablado suficiente sobre las imágenes, quiero volver a repetir aquí las preguntas que nos hacíamos en la introducción:

¿Lo que representan esas imágenes son la verdad? ¿Representan una realidad concreta? ¿Crean un mundo nuevo? ¿Cubren alguna necesidad social? ¿Son un modo de conocimiento y de comunicación?

Ha llegado el turno para que respondas tú, y te propongo que lo hagas analizando las siguientes imágenes:

Las hilanderas de Velázquez: En las hilanderas, o la fragua de Vulcano, la pintura anacronista nos introduce el concepto de metapintura, es decir, nos cambia el punto de vista para hablar de lo que no está ahí. Sus pinturas, lo que tienen en común son la teatralidad y el ensalzamiento del poder monárquico y eclesiástico. ya que en la mayoría de los casos la retribución económica venía directamente de la monarquía y el clero.
La conspiración de Claudio Civilis, de Rembrandt. El gran pintor del tiempo y la muerte, como en el buey desollado, sin compromisos ideológicos de ningún tipo. El pintor intimista por excelencia, el de la realidad desnuda. Contemporáneo de sus compañeros barrocos pero alejado del marco genérico que lo define. El cuadro que propongo es una alegoría contra el imperio católico español. Es uno de los más importantes.
Salomé con la cabeza de San Juan el Bautista, de Caravaggio, en palabras de Miguel Calvos Santos "renuncia a todo tipo de idealismo, representando a profetas y santos como gente real, sirviéndose de modelos de la calle. La polémica fue enorme: santos como mendigos, vírgenes como prostitutas… Además vestidos con ropas contemporáneas. Pero el pintor capta perfectamente la fuerza psicológica de esos personajes, resaltando sus rostros con una intensa luz y envolviendo los fondos en tinieblas".

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El astrónomo (1669), de Vermeer. Johannes Vermeer fue el pintor de lo tranquilo, lo silencioso, lo cotidiano, lo iluminado… La pintura que propongo, hoy conserva una esvástica negra en la parte trasera del lienzo para recordar el espolio. Resulta que Hitler admiraba apasionadamente a Vermeer, hasta el punto de querer hacerse con toda su obra para su museo personal. Este iba a ser uno de los cuadros estrella de su museo.
Dos viejos comiendo sopa, de Goya. cultiva todos los géneros destacando sus retratos, sus escenas costumbristas que captan a la perfección el Madrid de la época y sus pinturas negras, precursores del surrealismo y expresionismo casi un siglo antes de su invención. Nunca abandonó los temas populares y en ellos se mezcla la más mordaz crítica social, con el más sofisticado estudio antropológico
Velázquez «Pintor de pintores» (según Manet), maestro indiscutible del arte universal, genio del barroco sevillano, «el más grande pintor que jamás ha existido» (dice Dalí)…. Velázquez es quizás el mejor pintor español de la historia. Su obra fue ampliamente estudiada por maestros de épocas posteriores e influiría en artistas tan dispares como los anteriormente citados Dalí o Manet.

Impresionismo

REVOLUCIÓN INDUSTRIAL: EL PROBLEMA DEL TIEMPO

Es tras la Revolución Industrial (1760) cuando el sistema de representación de la realidad cambia radicalmente.

Con la llegada de la sociedad industrial se cambian los conceptos de espacios y tiempos:

La locomotora nos cambia el modo de percibir los paisajes
Nace la necesidad de congelar el instante;
La invención de las fotografías satisface esa necesidad
Aparecen las vanguardias.

El S. XIX, después, trae dos fenómenos importantes, por un lado el cine, y por otro la fotografía. En ambos casos, se consideran las formas más realistas de captar una imagen de la realidad. Lo vemos en el siguiente apartado.

Siglo XX

Título: "Imago: La imagen y su representación".

Autor: Luis Miguel Torres Rueda.

Para: Hartes.art.
Última edición: 3 de septiembre de 2021.
Disponible en: https://www.hartes.art/historia-de-la-imagen

La información de este artículo es una síntesis que presenta una combinación de las ideas más importantes extraídas de "Una historia de las imágenes", de David Hockney y de Martin Gayford, con las de "Teoría e historia de la imagen", de Fátima Gil y Francisco Segado.

Historia de la imagen

Haremos un viaje en el tiempo, atravesando el interior de las pirámides para ver las imágenes del Antiguo Egipto. las de Grecia, el Románico y el Renacimiento. Después, en el Barroco entenderemos algo mejor la simbología de las imágenes y la convivencia de lo profano y lo divino, y acabaremos el primer bloque centrándonos en las imágenes que llegaron con la entrada del Siglo XIX La segunda parte de la Historia que veremos en esta evaluación se centrará fundamentalmente en la Imagen digital, y más particularmente en la fotográi en blanco y negro y en color. Pero también hablaremos de la capacidad que tiene la radio para sugerirnos imágenes mentales, y por supuesto, de las que invaden diariamente nuestros dispositivos: El cine, interent, y la televisión.
Aprende Guion

También aprenderemos a escribir una buena historia. Para ello profundizaremos en los conceptos más esenciales de la narratividad. Señalaremos la importancia que tiene estructurar bien un relato, inventaremos personajes para tener un hilo conductor, y posterioriormente le daremos una personalidad concreta a nuetro relato para situarlos dentro de un género concreto (humor, drama, thriller... etc.). El interés en la historia se valorará a partir de todas las acciones que realicen los personajes a lo largo del tiempo. Será el espectador final quien determine si la trama engancha o no. Después, nos centremos en el estudio de la oratoria. Mediante la pronuncaición correcta y la vocalización adecuada, conseguiremos poner voz a nuestros personajes (pueden ser personajes, o puede ser también un narrador). Dependiendo de la profesionalidad con la que usemos el ritmo, la intensidad y las curvas de entonación, conseguiremos expresar de una manera u otra cuaquier mensaje que nos propongamos. Será el espectador quien decida finalmente si hemos conseguido estar en sintonía con su estética y sus emociones.
Los ismos

Aprenderemos a categorizar las imágenes en base a sus características formales. Veremos la diferencia entre una imagen que pertence al movimiento expresionista y otra que pertenece al realismo. Entenderemos la diferencia entre simbolismo y la abstracción, categorías que nos ayudarán a entender un poco mejor el discurso de la historia del arte. Y por último, comprenderemos cuándo una imagen es idealista o naturalista. Después os pediré que hagáis una Infografía. Nos servirá como excusa para entender mejor cuál es la función ilutradora de la imagen, nos centraremos en su importancia social, y después de explciaros el funcionamiento de la cámara, os pediré que ha hagáis un posado, una instantánea y una fotografía en movimiento.
Trasciende la técnica

Por último, elegiremos alguna de las fotos que hemos ido haciendo a lo largo de la evaluación y modifcaremos el brillo, la resolución, el color, la luminosidad. También la calidad de la imagen (que suele medirse en píxeles por pulgada). La combinación de todas estas características nos llevará a localizar los signos que hay incluidos en una imagen, para facilitar su comprensión.