Acuarela | Hartes

Historia

Antes de hablar de la historia, te recomiendo que veas esta línea cronológica.

Historia de la acuarela

Sabemos que la técnica de acuarela se ha empleado desde la Edad Media. Sin embargo, la técnica de esa época no necesariamente se asemeja a lo que hoy conocemos como acuarela. Antes del Renacimiento, la técnica de acuarela servía principalmente para ilustrar libros. Además de otros materiales como el temple o la caseína. Las pastillas o tubos de acuarela no existían y tardarían varios siglos en aparecer.

Con la llegada del Renacimiento y del creciente interés de distintos artistas por el dibujo, la técnica de acuarela pasó a ser un medio principalmente empleado en dibujo. Comúnmente se usaba la acuarela para empezar dibujos con aguadas. Posteriormente se trabajaba sobre éstos con plumilla, pincel o carboncillo, entre otros medios. Este tipo de acuarela era empleada en colores ocres, bistres, sombras, sienas y otros colores tierra para fondear, hacer medios tonos y sombras. Las acuarelas de esta época generalmente no eran ampliamente cromáticas, utilizando únicamente unos cuantos tonos. Lo cierto es que para los intereses del dibujo de la época no se requería más.

Aunque no fueron muchos, existieron artistas que emplearon acuarelas de colores brillantes en sus obras durante el Renacimiento. Un claro ejemplo de esta forma de trabajar son algunas de las ilustraciones de Alberto Durero, quien trabajó acuarelas de colores sumamente brillantes, buscando producir realismo. Sin embargo, el sistema de trabajo que empleó en su momento no fue una técnica de acuarela pura, sino una técnica mixta. En esta técnica podía emplear tintas, temple, gouache, gises y acuarela por igual, dependiendo de los resultados que deseaba conseguir. Sus trabajos de ilustración y registro los realizaba con esta técnica mixta en la que generalmente incluía acuarela.

No fue hasta 1766 cuando William Reeves comenzó a producir pastillas de acuarela. Permitiendo así el estandarizado, los resultados y procesos del medio. Esto ocurrió en el Reino Unido, por lo que también fueron los artistas de ahí los que más emplearon el novedoso medio. La técnica de acuarela como hoy la conocemos nació justamente de la evolución de lo que surgió a finales del siglo XVIII.

La acuarela se volvió un medio que llamó la atención de muchos artistas jóvenes. Particularmente de aquellos interesados por salir de sus talleres a pintar de lo natural. Estas pastillas prefabricadas permitieron no tener que cargar pigmentos en polvo para temple, acuarela u otros materiales poco prácticos para el aire libre.

La acuarela se volvió realmente popular gracias a la que hoy conocemos como la Escuela inglesa de Pintura. Ésta comprende un período aproximado entre 1750 y 1850, en el cual floreció el arte de Gran Bretaña. Muchos de los artistas ingleses más conocidos son de este período y todos son famosos por su uso de la acuarela.

En los primeros años de la Escuela inglesa de Pintura, la acuarela se usó principalmente para realizar paisajes monocromáticos, como ya se hacía anteriormente. Esta forma de emplear la acuarela se caracterizó por comenzar a reducir los materiales que su técnica requería. En vez de usar la acuarela junto con todos los medios anteriormente utilizados en ella, se comenzó a dar mayor importancia a la acuarela por su portabilidad y conveniencia.

Normalmente se comenzaba con dibujos monocromáticos previos o de pocos tonos. Posteriormente se aplicaban veladuras de colores y, finalmente, se acentuaban luces con tizas o con impastos de gouache. Varios artistas durante este período comenzaron a trabajar el medio de la acuarela de esta manera. Algunos de ellos fueron: William Taverner (1703–1772), Paul Sandby (bautizado en 1731–1809), Thomas Hearne (1744–1817), Michael “Angelo” Rooker (1746–1801) y Thomas Malton (1748–1804).

Este sistema de trabajo asemejaba al sistema de pintura de óleo y temple en el que se trabajaba previamente con grisalla y posteriormente se aplicaban veladuras. Aún no se comenzaban a explorar las características inherentes a la técnica de acuarela, ni tampoco sus efectos, como las aguadas o los deslavados tonales.

A finales de 1700, algunos acuarelistas comenzaron a experimentar con nuevos sistemas de aplicar la acuarela en los cuales no siempre se comenzaba con una grisalla previa. Estos artistas exploraron las posibilidades visuales que podía producir lo acuoso. Dejaron de producir dibujos que posteriormente habían de entintarse, comenzando a pensar en lo que el medio permitía desde la mano prima. Con estos experimentos lograrían una estética más pictórica que dibujística, más libre y espontánea. Emplearon aguadas fluidas y colores más vibrantes que los usados anteriormente.

En la obra de estos artistas podemos ver cómo paulatinamente los colores se van volviendo más luminosos y se privilegia el uso de aguadas. Por un lado, esto se fue dando a causa de la herencia que obtenían los artistas de los procedimientos de sus antecesores inmediatos. Sin embargo, también se debió en gran medida al avance industrial de los materiales de la técnica de acuarela.

Otra cosa significativa en la forma de esta época de trabajar la técnica de acuarela es ver cómo fue cambiando el uso del papel. En un principio solían usarse papeles entonados en colores tierra, grises o azules, que eran los tonos preferidos de la época, según el sistema de trabajo. Poco a poco comenzaron a emplearse papeles más blancos, los cuales eran entonces entonados únicamente de manera localizada. Artistas como J.M.W Turner empleaban papeles entonados sobre los que trabajaban con blancos de tiza o con el nuevo y novedoso blanco de titanio. Este blanco muy cubriente, que recientemente había sido descubierto, funcionaba para realizar una especie de mini imprimaturas localizadas para sacar luces en el papel de color. Muchos de los trabajos de Turner fueron hechos con este sistema.

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APRENDE

Soportes:

Lo más importante es el papel. Hay ay tres tipos: El satinado, el de grano fino y el de grano grueso.

El papel satinado está prensado en caliente y no tienen ningún tipo de grano. Es totalmente liso y no está pensado para trabajar con acuarela húmeda, sino para pigmento en seco. Si utilizamos mucha agua, se doblaría la hoja. El tiempo que se mantiene húmedo
El papel de grano fino no tiene textura. Aquí podemos jugar con las diferentes capas del papel. Es el papel más adecuado para la acuarela, y a mí me gusta más porque no deja texturas. Si ni necesitamos pintar cielos, no va a dejar rugosidades. Pero si vas a pintar paisajes urbanos o naturales, es preferible usar el de grano grueso.
El papel de grano grueso sí nos permite jugar más con la textura del papel.

En cuanto a marcas del papel,

Arches es un papel muy resistente.
Sounded, es un papel recomendado para trabajar alla prima, es decir, con pocas capas.
Y Lana Care es un papel que se mantiene húmedo durante una hora y media aproximadamente,
Senelier es un papel parecido.

El gramaje del papel es uno de los aspectos más importantes que hay que tener en cuenta a la hora de trabajar con acuarela. Como mínimo, que sea de 300 gr. a 600 gr por metro cuadrado. Yo recomiendo el 425 de grano fino, concretamente el de la marca Sounded.

Pigmentos:

Vais a encontrar diferentes tipos de pigmentos, y se presentan de dos maneras, por un lado estarían las pastillas, y por otro los tubos. Podemos encontrar tubos desde 15 ml. hasta 60 ml. Las ventajas del tubo son mayores, ya que se mantienen frescos en la paleta durante más tiempo, mientras que las pastillas son sólidas y van a estropear más el pincel al usarse más a menudo. Por eso os recomiendo los tubos.

Dentro de los tubos, hay también dos tipos, los monopigmentos y los polipigmentos. Para saber cuál es cada uno, tenemos que ver un código que aparece en la etiqueta del tubo. ESi hacemos la prueba con el marrón de perileno de la marca Graham, veremos que pone PR179, por ejemplo. Es un solo código, por tanto es monopigmento. Si en cambio echamos un vistazo al azul ultramar de Semelier, encontramos dos códigos en la etiqueta (PB 29 y PV 15). Eso significa que es un tubo con un color polipigmento.

En el caso del marrón que hemos mencionado antes (PR179), las letras PR significan Pigment Red.

PB: Azul, PBr: Marrón, PBk: negro, PY: A: Amarillo, PV: Violeta, PW: Blanco, PG: Verde. Y PO: Naranja.

Los números, en cambio, nos sirven para clasificar los diferentes pigmentos que nos podemos encontrar

Paleta:

Una de las paletas favoritas que hay en el mercado son as de plástico. John Pike, que tiene mayor superficie de mezcla y tiene pocillos más grandes. Es una paleta diseñada para usarse en el estudio.

La paleta Watter color palette Mijello Martin, es más pequeña y tiene cierre hermético, lo que permite dejar los pigmentos más frescos.

Existen también paletas de metal y de porcelana.

Para ordenarla, os dejo un link con algunos ejemplos: Salirconarte.

Aquí, independientemente de tus gustos personales, lo importante es que la paleta esté bien ordenada.

Pinceles

La jaque (Flat Brush: Heren F-1700 60 mm.) nos permite hacer grandes lavados, podemos trabajar con mucha cantidad de agua y mojar mucho el papel. No tenéis por qué comprar esa marca, lo ideal de los piceles jaque es que el filo se quede totalmente recto y que no suelte pelo. Herend es una marca coreana con gran cantidad de pelo y mucha calidad. La marca Holden tiene jaques de distintas calidades y son muy recomendables también.
El pincel tipo chino nos va a servir para puntear, pero también para trabajar como si fuera una paletina, con trazos rectangulares. También debe tener el corte recto, y es muy importante que no suelte pelo, igual que en el caso anterior. Y os recomiendo que tangáis dos, uno más grueso y otro más fino.
El pincel petigrís, (Aquario, Escoda) tiene mucha posibilidad de carga. Lo malo de este tipo de pincel es que al absorber tanta agua, no te va a permitir hacer grafismos finos, para ello hay que "ordeñar" el pincel antes de hacer trazos. Estos pinceles se caracterizan por no tenr lo que solemos llamr "nervio", entonces es fácil que se te doble y se quede doblado.
Pincel tipo perla sí que te permite un trazo más suelto y es el más versátil. Permite perfilar y manchar.
Por último tenemos el riguel, de ramera o ramero. (Dalealr Rowney, Graduate). Es muy alargado, y podemos encontrarlo con pelo natural o sintético. Con él se pueden pintar ramas (de ahí el nombre de ramero), o podemos trabajar con trazos más sueltos. Muy útil para hacer grafismos y para hacer cableados.

Otros utensilios:

Cepillo de dientes. Sirve para hacer salpicones. Si se aproxima mucho al papel, tendría un tipo de mancha, y si se aleja, tendrá otro. Le da más riqueza.
Ionionzador: Sirve para humedecer el ambiente y retardar el proceso de secado del papel. También puedes hacerte con un spray que genere diferentes texturas.
La tarjeta de plástico (puedes usar la de un banco, la tarjeta de socio de cualqueir tienda), te permite hacer líneas rectas para hacer vallas, postes, soportes de farolas...
Secador. Se usa para ir más rápido en el secado. Hay pistolas de calor que son más útiles que los secadores, porque no son tan agresivos a la hora de secar la mancha.
La esponja, además, te puede ayudar a limpiar pigmento, perocon ella también puedes hacer manchas.
Te recomiendo ambién el líquido de reserva o líquido de enmascarar (Drawing gum, marca Pebeo). Hay que tener cuidado al manchar los pinceles con él, porque se te pueden estropear si se secan.
Hay también un lápiz muy peculiar que se llama procolor II, y te permite dibujar contornos de tal manera que al pasar la acuarela por encima, el contorno desaparece y no mancha la acuarela. Es s un recurso muy útil si no quieres que se vea el dibujo bajo el agua.
Y ya por último, las paletinas de plástico y cinta de carrocero pueden ser útiles para hacer líneas rectas.

Ahora pasamos a ver las técnicas básicas de la acuarela.

Húmedo sobre húmedo
Húmedo sobre seco
Seco sobre seco

Húmedo sobre húmedo

En el primer caso, húmedo sobre húmedo, suele ser la más complicada de dominar. Consiste en humedecer primero la superficie del papel y trabajar sobre él con otro color que esté húmedo también. Es la técnica más recomendable para hacer los cielos.
Para humedecer la hoja, lo único que haremos será pasar una brocha gruesa y húmeda sobre la superficie y repartirla de un modo uniforme. No debe haber charcos en la superficie.
Si vemos que el color se expande muy rápido, esperamos un poco a que se seque el papel y volvemos a dar.
Para dar variedad cromática, puedes usar dos tipos de azules, por ejemplo el azul ultramar y azul claro.
Si queremos hacer nubes, no esperes a meter luego el blanco, mejor dejar los espacios sin color. Para dar volumen a esas nubes, después incorporaremos tonos más grises, y los aplicaremos justo en la parte de abajo, así daremos más volumen.

Con la cinta de carrocero enmarcaremos los bordes para hacer una composición, y repetimos el proceso. Esta vez empezaremos a darle con la brocha en las dos direcciones:

Humedecemos la parte superior hasta que cubra dos tercios de la superficie. La parte seca será la parte del horizonte.
Iremos manchando la parte superior con más pigmento, haciendo que quede más saturada la parte más cerca del margen, y a medida que vaya acercándose al horizonte, haremos que pierda saturación. Saldrá de manera automática, porque a medida que descendemos,el pincel irá perdiendo pigmento.

Aplicar detalles con pluma y tinta marrón

Lo bueno de la pluma que no tiene un rotulador calibrado es que con la pluma podemos hacer trazos de diferente grosor. Esto nos permitirá mucho juego a la hora de hacer detalles.
Otra cosa que nos permite la pluma es ganar contraste con los dibujos, porque la acuarela nunca llega al negro puro.
Al igual que en la acuarela, puede pintarse sobre seco y sobre húmedo (la tinta se expande).
Otra ventaja es su facilidad para hacer líneas rectas en comparación al pincel.
Utiliza la pluma en zonas de sombra y lápiz en los contornos con luz.

Combinar detalles con pincel 0

1. El realismo se alcanza fijándote mucho en los detalles. Manchas, texturas, grietas...

Añadir blanco

Con el rotulador blanco añadimos toques de luz.
Es necesario que la pintura sea opaca,
Si alguna línea te queda más gruesa de la cuenta, puedes rectificarla con la pluma
No hace falta pasarse con los detalles. El blanco es para garantizar mayor contraste en la imagen.
Otra opción es utilizar el gouache blanco, ya que es opaco (a diferencia del acrílico).
Si mezclas el blanco del gouache con algo de acuarela, también podrás hacer esa mezcla.
Como el rojo de la acuarela no es opaco, también podéis incorporar el rojo de rotulador.

Algunos consejos

Puedes incorporar elementos adicionales a tu trabajo: textos con la pluma, bocetos que acompañen a la acuarela, una paleta de colores, un poema, tickets, sellos, mapas... Lo que sea.
El tipo de papel, la gama de colores, las equivocaciones, el formato, las cubiertas, algunas pegatinas... Son asolo algunas posibilidades que puedes personalizar para encontrar tu etilo único. Aprovéchalos.
Evita las formas geométricas. La acuarela es una técnica que agradece la soltura y la frescura del trazo. Si hacemos formas geométricas, se pierde naturalidad.
Procura que el cuaderno no esté a contraluz. Si no encuentras la luz adecuada, puedes hacerlo también desde casa, en un espacio amplio, con luz natural y bonita.
Saca una foto y retócala con Snapspeed.

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Historia de la acuarela

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